Художественная роспись: концепция и специальные методики – Наука и метод

Художественная роспись – тема, весьма сложная для краткого рассмотрения. Практически тема не может относиться к хобби, и даже отдельный аспект технологии художественной росписи трудно объяснить в рамках одной описательной статьи. Действия, выполняемые художником по росписи, подчиняются сложным творческим алгоритмам, но не порядку чисто технических манипуляций с кистями и красками. Поэтому невозможно выработать универсальное методическое руководство по применению художественных средств для выполнения декора изделия любого типа. Не рекомендуем даже пробовать систематизировать знания – систематизация если и возможна, то неоправданна в непосредственной связи с непрерывным процессом изобретения новейших техник и материалов.

Мстерская миниатюра

Специальные художественные методики

В область методики обучения ремеслам входит обязательное расширение кругозора ученика.

Визуальные искусства не являются замкнутой самодостаточной средой. Многие разновидности искусства требуют взаимодействия с другими областями человеческого знания. Попробуйте дать понять ученику, какие дополнительные знания могут ему понадобиться для решения творческих задач. Но будьте осторожны, преподнося совокупность знаний, ведь, например, для того, чтобы использовать красочные материалы, вовсе не обязательно изучать химию. А вот к историческим наукам обратиться придется, хотя бы для достижения большей убедительности и достоверности.

В отличие, скажем, от вышивки крестом, художественная роспись – это комплексное ремесло, позволяющее создавать сложные произведения искусства, начиная с лаковой миниатюры и заканчивая огромной фреской. Но создание любого изделия всегда начинается с простейших операций. Данным фактом умело пользуются поточные производства, например, матрешек, но далеко не всегда мастера, работающие на поточном производстве, обладают творческим потенциалом. Часто мастера шаблонной технологии (работающие по шаблону) оказываются не в состоянии создать нечто новое, потому что вместо реального творческого подхода пользуются шаблонными методиками.

Иногда (например, когда мастер создает концептуально новое произведение искусства, которое отличается от всего ранее сделанного) воплощение задуманной идеи с нуля – наилучший вариант, хотя для его реализации художнику потребуется мобилизовать весь свой творческий потенциал. Поточное же производство основывается на уже существующей модели, многократно повторяет уже выполненные действия.

Палехская миниатюра

Концепция художественной росписи

Концепция любой разновидности художественной росписи заключается в технологических различиях и разнится методами решения визуальных задач. Описать концепцию той или иной разновидности росписи можно, изучив ее “модельное” представление или общий принцип управления композицией и материалами.

Принципов управления композицией всего два. Их можно условно обозначить, как модели “несвязанную” и “обусловленную”. Обусловленная модель строится на четко отработанных (заданных веками практики) элементах, переходящих от одного изделия к другому, иногда на протяжении нескольких столетий. Ярким примером обусловленной модели являются почти все традиционные народные промыслы с их четко заданными мотивами, способами расположения элементов, декора, где каждая завитушка что-нибудь означает.

Несвязанная модель отличается тем, что мастер работает над художественным произведением не сразу кистью и красками непосредственно по подготовленному материалу, как на поточном производстве, а начинает с карандаша и ластика. Руководствуясь практическим опытом, в зависимости от наличия собственных наработок, художник ясно представляет, как будет выглядеть готовое изделие. Элементы композиции продумываются по ходу работы, творчески, экспериментально.

Холуйская миниатюра

Сравнение стилистики росписи некоторых народных промыслов

Согласно нескольким приводимым в тексте иллюстрациям нескольких разновидностей русского народного промысла попробуем рассмотреть их некоторые отличительные особенности в подтверждение сказанного о концепции художественной росписи.

Отличительными особенностями, например, холуйской миниатюры от Мстеры являются укрупненный, приближенный к зрителю пейзаж. Фигур значительно меньше, но они более крупные, чем у мстерцев. Удлиненные пропорции фигур в холуйской миниатюре роднит ее с декоративной живописью Палеха, однако холуйская миниатюра отличается своеобразным художественным языком, силуэты фигур более мягкие и выглядят объемнее, хотя рисунок проще, без детальной проработки и филигранности золотой графики.

Холуйская, мстерская и палехская миниатюра тесно связана с такими обиходными предметами, как шкатулки, разного рода коробочки, игольницы. Сюжеты живописи могут быть самыми разными, но холуйская миниатюра использует сюжеты, взятые из повседневной жизни. Она более реалистична, отличается лаконичной и ясной композицией.

Если Палех использует много позолоты красных оттенков, то у холуйцев мы видим золото лишь там, где его использование оправдано: шлемы воинов, золоченые купола церквей, иногда кольчуги. Главной же отличительной особенностью холуйской лаковой росписи является использование золота для изображения Солнца, Луны и звезд.

Холуйская, мстерская и палехская живопись обычно используют черный фон, миниатюру располагают точно по центру верхней плоскости, вписывают в правильную геометрическую фигуру (прямоугольник или окружность) и обрамляют по краям орнаментом, причем в холуйской живописи орнаментации больше. Золотая орнаментация служит естественным переходом от живописи к плоскости расписываемого предмета.

Тэг: Теория искусства (философия)

Народные промыслы России: художественная роспись

04.11.2021

Народные промыслы России — наша история и культура. Это искусство, которое охватывает много направлений: быт, фольклор, музыку, танцы. Одним из масштабных направлений в народных промыслах является художественная роспись. Такой вид искусства различается по региональной принадлежности или стилю. Мы расскажем вам об основных популярных направлениях художественной росписи русских народных промыслов. Изделия, выполненные в этих техниках, вы можете найти и купить на нашем сайте.

Добро пожаловать в мир русского искусства!

1. Немного о художественной росписи
2. Гжельская роспись
3. Хохломская роспись
4. Жостовская роспись
5. Семикаракорская роспись
6. Городецкая роспись
7. Майолика
8. Промыслы народов Севера:
   • Старый Борок
   • Борецкая роспись
   • Мезенская роспись
   • Пучужская роспись
   • Ракульская роспись

Немного о художественной росписи

Изначально художественной росписью занимались специальные мастера. Такие изделия были редкостью и роскошью. Позже художественная роспись начала распространяться и обретать большие масштабы производства. Расписные изделия уже можно было встретить в каждом доме в виде разделочных досок, скалок и тарелок. Это изделия, которые изготавливаются российскими мастерами вручную в традициях народных промыслов. Каждый предмет уникален и неповторим, имеет свой характер, творческую энергию и историю. Такие товары станут необычным подарком по любому поводу и красивым дополнением интерьера.

Народные художественные промыслы — ремёсла, которые основывались на изготовлении изделий из различных материалов (глины, дерева, металла) и украшении их ручной росписью.

Любой промысел берёт своё начало от домашнего или сельского ремесла, в рамках которого умельцы создавали предметы первой необходимости — посуду, прялки, сундуки и др.

Ремёсла совершенствовались с изобретением инструментов, поиском новых материалов и развитием науки и техники. Сейчас можно встретить товары народных промыслов необычайной красоты цвета, формы и качества. Но единственно неизменным остаётся процесс создания — изделия по-прежнему расписываются вручную с помощью красок и кистей.

Гжельская роспись

Гжель — один из самых знаменитых и любимых видов русской народной росписи по фарфору. Фарфор — вид керамики, которую делают из смеси глины, кварца и каолина. Этот материал достаточно устойчив, не пропускает газ и воду.

Изделия изготавливаются в несколько этапов:

1. Сначала мастера выливают предметы из высококачественной смеси и обжигают их.
2. Далее осуществляют роспись. Рисунок выполняется одной краской (кобальтом), которая после обработки приобретает синий цвет. Вещество разбавляется водой, узоры наносятся мазками, линиями, а в орнаменте появляются растительные мотивы. Узор выводится на поверхность точно и быстро.
3. Последний этап — покрытие глазурью и контрольное обжигание, чтобы сохранить рисунок и сделать изделие долговечным.

Изначально гжель была многоцветная, а в XIX веке основными оттенками стали — синий и белый. Однако цветные изделия в технике гжель встречаются и сейчас.

Чайная пара

Сувенирная фигурка

Кувшин

Сувенирная фигурка

Роспись изделий в стиле гжель очень запоминающаяся, эти предметы народного творчества станут практичными подарками и украсят интерьер! Вы можете найти гжельскую посуду в специальном разделе.

Смотреть гжельскую роспись

Хохломская роспись

Хохлома — пожалуй, самый известный вид русской народной росписи по дереву. Изделия с хохломской росписью появились после освобождения от татаро-монгольского ига. Жители деревни Хохлома и близлежащих сёл кормились за счёт этого промысла. Позже деревянные изделия с красными завитушками прогремели на весь мир, были любимы в Париже, Индии и Средней Азии.

Деревянные изделия с хохломской росписью актуальны и по сей день.

Они изготавливаются из дерева и расписываются мастерами вручную. Основные цвета: красный, чёрный и золотой. Но хохломское золото — лишь видимость. На самом деле дерево покрывается серебристым оловом, которое после обжига в печи и покрытия льняным маслом приобретает дорогой золотой оттенок. Тёмный фон усиливает контрастность.

Характерные элементы хохломской росписи — ягоды рябины, калины и земляники, а также птицы и звери.

Ложка

Поднос

Кадочка

Ваза

Эти и другие изделия с хохломской росписью вы найдёте в специальном разделе.

Смотреть хохломскую роспись

Жостовская роспись

Жостовская роспись — художественная техника рисования на металлических подносах. Стиль росписи — цветочный. За основу берутся четыре вида композиций: собранный букет, букет враскидку, венок и гирлянда.

Ремесло зародилось в начале XIX века, в деревне Жостово Московской области, как прообраз изменённой тагильской росписи. Изначально таким стилем украшали фигуры папье-маше, но с развитием металлургии мастера перешли на роспись железных подносов.

Сами подносы изготавливаются из листового металла круглой, прямоугольной, восьмиугольной и овальной формы. Первые этапы производства — грунтовка, шпатлёвка, шлифовка и лакировка будущего изделия. После этого заготовка поступает к живописцу.

При росписи жостовских подносов используются масляные краски на скипидаре, их наносят мягкими беличьими кистями. Многослойное изображение создаётся в несколько этапов: подмалёвка, тенёжка, бликовка, а завершают оформление чертёжка и посадка семенцов.

Поднос
44 см

Поднос
17 см

Поднос
33 × 23 см

Поднос
44 см

У нас вы найдёте подносы разных форм и расцветок, их можно приобрести онлайн и под заказ.

Смотреть жостовскую роспись

Семикаракорская роспись

Семикаракорская роспись — мазковая подглазурная художественная техника, в которой используется позолота и металлизирование по керамике, а именно, по фаянсу. Это относительно новый вид русского народного искусства, который зародился в 1972 году. Однако за свою красоту и цветочную лаконичность семикаракорский фаянс успел полюбиться народу и коллекционерам.

Изделия из фаянса отличаются своей экологичностью, прочностью, устойчивостью к высокой температуре, воде и кислотам.

Этот промысел называют многоцветьем донского казачества, так как он впитал в себя бескомпромиссность и дух свободы этого народа, буйство красок и живописные традиции земли.

Основной мотив росписи — яркие букетно-растительные орнаменты с акцентом на крупном цветке. Также рисуют бытовые сюжеты в стиле лубочных картинок из казачьего фольклора.

Ваза

Чайная пара

Сметанница

Блинница

Авторские изделия, выполненные в технике семикаракорской росписи, смотрите в специальном разделе.

Смотреть семикаракорскую роспись

Городецкая роспись

Городецкая роспись — художественная роспись и резьба по дереву, зародилась в середине XIX века в Нижегородской губернии. Изначально ремесло заключалось в изготовлении резных прялок. Изделие вырезалась из одного вида дерева с углублениями, а из другого вида выпиливали фигуры, которые вставляли в углубления прялки. Так делали разные орнаменты и рисунки.

Позже резные картины стали подкрашивать разными цветами, сочетая яркость с оттенком дерева.

Полностью расписанные изделия сначала были праздничными. Но чуть позже они стали использоваться и на повседневной основе. Со временем мастера практически отказались от резьбы — так техника производства стала проще и быстрее. Рисунками начали украшать сундуки, мебель, сани, предметы интерьера и игрушки. У росписи появился определённый сюжет: мастера изображали животных, цветы, бытовые и праздничные сцены. Одними из самых популярных на сегодняшний день являются образы чёрного коня и птицы.

Скалка

Шкатулка

Разделочная доска

Сувенирная фигурка

Такой вид промысла популярен и сегодня. Российские мастера продолжают удивлять оригинальными сувенирами.

Смотреть городецкую роспись

Майолика

Майолика — особая старинная техника по изготовлению и росписи керамики. Своё начало ремесло берёт из традиционных промыслов стран Древнего Востока.

Позже техника производства проникла в Европу. Первыми выпустили керамические изделия в этом стиле испанцы — они изготавливали глиняную плитку для постройки домов. А в XIX веке мастера из Флоренции стали покрывать изделия из пористой глины глазурью. Освоив и полюбив это ремесло, Испания начала сбывать товары за рубеж. Изделия получили название «майолика» — в честь острова Мальорка, через который товары отправлялись в другие страны.

В Россию майолика попала во времена правления Петра I и сразу полюбилась нашему народу. В XVIII веке в России появилась первая фабрика по производству керамических изделий в технике майолики. Особым спросом пользовалась посуда. Такие изделия стали популярными по всей стране, их полюбили наши художники и коллекционеры. Российские мастера искусно овладели этим промыслом, и сейчас майолика однозначно относится к числу русских народных промыслов.

Для производства таких изделий берут цельную красную глину, которая легко поддаётся плавлению. В настоящее время некоторые производители добавляют синтетические вещества, чтобы увеличить прочность изделия. Керамика изготавливается в несколько этапов. Сначала делается форма и фиксируется с помощью обжига в печи. После изделие расписывают, покрывают глазурью и закрепляют рисунок повторным обжигом.

Изразцы

Ёлочные игрушки

Колокольчики

Фигурки

Смотреть майолику

Промыслы народов Севера

Промыслы народов Севера — виды художественной росписи по дереву, связанные территорией происхождения и используемыми мотивами. Эти виды росписи были частично заимствованы друг у друга и возникли приблизительно в одно и то же время. Однако у каждой техники есть отличительные черты и характерные особенности. Немножко о них и поговорим.

Старый борок

Старый Борок — один из самых древних видов росписи Русского Севера. О существовании села, где зародилось ремесло, было известно ещё в XV веке.

Отличие Старого Борока от других видов северной росписи заключается в однообразном сюжете и трёхъярусном рисунке, когда покрытие наносится в несколько слоёв. Чаще всего в этой технике изображают сказочных птиц красного цвета с зелёными крыльями. А на больших композициях центральное место занимает дерево, выполненное в тех же тонах.

Сувенирная фигурка

Солонка

Подставка под горячее

Разделочная доска

Смотреть роспись Старого Борока

Борецкая роспись

Борецкая роспись — севернорусская роспись по дереву, которая зародилась в древнем Новгороде и названа в честь семьи бояр.

Основные цвета — красный, зелёный, жёлтый и оттенок непрокрашенного дерева. Обводку элементов выполняют чёрным цветом.

Раньше борецкая роспись исполнялась в иконописной манере. Сейчас характерные орнаменты — цветы и геометрические фигуры: ромбы, треугольники, небольшие круги и капли.

Шкатулка

Кухонный набор

Пасхальное яйцо

Разделочная доска

Смотреть борецкую роспись

Мезенская роспись

Мезенская, или палащельская, роспись — это промысел, зародившийся во второй половине XIX века. Название происходит от деревни Палащелье, которая расположена на правом берегу реки Мезень. Этой росписью мастера украшают деревянную домашнюю утварь.

Отличительной чертой росписи являются сюжетные сцены охоты или поединка. Традиционно используются 2 краски: красная, добытая из глины, и чёрная — из сажи. Изображения коней, оленей, птиц и рыб сочетаются с геометрическими и растительными орнаментами. Также в росписи часто встречаются повторяющиеся элементы — штрихи, завитки и волнистые линии.

Солонка

Подставка под горячее

Сувенирная свистулька

Разделочная доска

Смотреть мезенскую роспись

Пучужская роспись

Пучужская роспись появилась среди северных народов в селе Пучуга, расположенном на реке Двине в Архангельской области.

Основные цвета — красный, жёлтый, оранжевый с зелёными штрихами и чёрной обводкой.

Особенность пучужской росписи в том, что предметы заполняются узорами.

На изделиях художники любят изображать растительность и жанровые сцены: свадебные выезды, чаепития и др. Также популярен образ птицы.

Ставчик

Кухонный набор

Сувенирная фигурка

Разделочная доска

Смотреть пучужскую роспись

Ракульская роспись

Ракульская роспись по дереву получила название от реки Ракулка, притока Северной Двины.

Расписная посуда встречается с преобладанием зелёного или красного оттенков.

Огромную роль в росписи всегда играл золотой цвет, который зачастую используется как основной.

Основные особенности: изображения птиц, веток с крупными листьями, завитки и чёрный контур.

Подставка под горячее

Разделочная доска

Пасхальное яйцо

Кухонный набор

Смотреть ракульскую роспись

Изделия с художественной росписью по дереву, керамике, железу — это поистине достойные, красивые и ценные предметы искусства народных промыслов России. Традиции их изготовления сохранились до наших дней, и эти шедевры по-прежнему радуют глаз!

Полный ассортимент товаров ручной работы, сделанных в традициях русских промыслов, смотрите в специальном разделе.

Смотреть все сувениры

Сувениры

Все новости

в

Художественная роспись, этапы работ.

Блог о мозаике

• Главная
»
• Блог
»
• Что такое Интерьерная роспись?

28.06.2016

блог о росписи

ЧТО ТАКОЕ РОСПИСЬ

 

Художественная роспись – это ручная работа, а она, как известно, обладает высокой ценностью. Уникальность и эксклюзивность такого дизайна – вот что первое приходит на ум, когда речь заходит о подобной отделке. Рисунок на стене может быть очень простым или необычайно сложным, как настоящее произведение живописи. Но в любом случае такой интерьер станет отличительной индивидуальной особенностью конкретного жилища.

 

НЕМНОГО ИСТОРИИ

 

Еще с незапамятных времен древние люди использовали рисунки в пещерах, для передачи какой-либо информации. Уже тогда, задолго до появления письменности, информацию передавали визуально и справедливости ради, стоит заметить, что это получалось весьма удачно. Ученые и археологи до сих пор находят такие послания во всех уголках земного шара. Однако классическое понимание художественной росписи стен стало понятным лишь в формате сакральной живописи величайших мастеров средневековья.

Сейчас художественная роспись стен, несет более локальный характер. Представляя собой один из элементов декоративного оформления помещения. Однако нельзя представить более эксклюзивного элемента декора, нежели, художественная роспись стен. Так как все росписи выполняются индивидуально художниками, именно ценность такого оформления, в ручной работе. Более того при помощи индивидуального, эксклюзивного подхода выполняются самые интересные дизайнерские проекты. Целесообразней всего оформлять помещения художественной росписью в формате общей дизайнерской концепции. Это придаст усиливающего эффекта и сфокусирует внимание на правильных деталях.

 

ПОСЛЕДОВАТЕЛЬНОСТЬ РАБОТ

 

• Разработка проекта или создание эскиза художественной росписи стен или потолка (в масштабе).
• Подготовка поверхности. На отшпаклеванную и ошкуренную поверхность наносится грунт. В некоторых случаях после этого участок стены под роспись окрашивается в выбранный цвет.
• Нанесение рисунка на поверхность по эскизу.
• Работа художника по росписи стены.
• Фиксация рисунка при помощи покрывного лака.

 

ВИЗУАЛЬНЫЕ ЭФФЕКТЫ

 

• Обманки. В помещениях неправильной геометрии хорош традиционный приём «обманки»: за счёт перспективы и эффекта прорыва пространства помещение визуально расширяется или увеличивается в высоту. В небольшой гостиной можно создать иллюзию веранды с видом на венецианский канал или лес, а фальш-окно с написанным пейзажем поможет скрыть неприглядную стену.
• Имитации. Если пейзажи — не ваш стиль, а от росписи отказываться не хочется, выбирайте имитацию различных текстур: камня, полуразрушенной штукатурки, лепнины или дерева. При профессиональном исполнении обнаружить подмену будет трудно.
• Декоративная роспись. Декоративная живопись позволяет активно работать с цветом фонов. Использовать золотые и серебряные краски и перламутры. Применять различные виды штукатурок и объёмной пластики.  В декоративном искусстве часто применяют стилизацию, а так же ориентальные и этнические мотивы.
• Альфрейная роспись стен. Обычно альфрейная роспись на стенах  используется вместе с лепным декором. Из гипса устанавливаются так называемые зеркала(экраны),внутри которых идёт изящный рисунок. Но можно рисовать и без лепки,если альфрейная композиция полностью организуют пространство стены.

 

Краски для  росписи стен

Для оформления стен подобным образом применяют несколько видов красок:

1. Масляные краски – это составы, основой которых является растительная либо алкидная олифа. Цвет таким смесям придают специальные пигменты, а растворителем выступает скипидар или уайт-спирит. К плюсам масляных красок можно отнести то, что они легко ложатся практически на любое основание, хорошо перемешиваются между собой, создавая необходимые оттенки, а после высыхания не меняют цвета. Масляные составы имеют и недостатки: неприятный запах, склонность к растрескиванию, долгое время высыхания. Впрочем, последнее качество можно рассматривать и как достоинство, поскольку оно дает возможность исправлять рисунок в течение продолжительного времени.
2. Краски темпера – это водорастворимые составы, компонентами которых являются порошковые пигменты, а также эмульсии. Эмульсии могут иметь как натуральное, так и синтетическое происхождение. Натуральные связующие – это куриные яйца или яичные желтки. К искусственным эмульсиям относятся полимеры и масла в водном растворе клея.
3. Акриловые краски – самый популярный на сегодняшний день вид материала. Такие растворы включают в свой состав пигменты, полимерные эмульсии и воду. Акриловые краски отличаются яркостью, долговечностью, простотой в работе, хорошей влагостойкостью и эластичностью. С течением времени они не трескаются и не выгорают. Такие составы не имеют резкого запаха и быстро сохнут на поверхности. Работать с ними нужно быстро, так как исправить рисунок уже через несколько минут после нанесения краски будет проблематично.

Для художественной росписи стен иногда используют люминесцентные и флуоресцентные составы. Среди компонентов люминесцентных красок присутствуют специальные вещества – люминофоры. Они накапливают световую энергию и излучают ее в полной темноте. Заряжаются такие краски как от солнечного света, так и от электрических ламп. При помощи подобных составов очень хорошо выделять и подчеркивать какие-то конкретные детали рисунка.

Тэги: блог о росписи

Последние записи

• 05.07.2022

  Подробнее..

• 28.01.2021

  Подробнее..

• 28.01.2021

  Подробнее..

• 23.10.2018

  с 23. 10.2018 – 24.11.2018 г. Подробнее..

• 21.11.2018

  Глянец или матовость, однотонный или орнаментальный рисунок. Как выбрать мозаику? Подробнее..

• 10.11.2017

  Легендарная вилла Версаче в Майами Подробнее..

• 03.04.2018

  Изготовление мозаичного медальона из смальты! Подробнее..

Звоните, приезжайте
Санкт-Петербург, наб. Обводного канала, 136, ТЕЛ:  +7 (905) 265 37 06

Посмотреть на карте Санкт-Петербурга

Фотографии компании

Найти проезд до YANProject, студия элитной мозаики, росписи и декора

Виджет карты использует JavaScript. Включите его в настройках вашего браузера.

Виды художественной росписи: виды и стили «Александрия»

• Главная
• org/ListItem”> Статьи
• Роспись
• Виды художественной росписи

Какая бывает роспись.

Виды художественной росписи, представленные на нашем сайте, объединяет одно важнейшее свойство – это роспись, выполненная исключительно вручную. Анализ предложений, представленных в настоящее время на российском рынке интерьерной росписи, показывает, что, к сожалению, за «роспись» и даже «фреску» иногда выдаются принты (печать на бумажной или тканевой основе). Такой продукт, особенно, если он выпускается под марким известным брендом, иногда бывает сопоставим по стоимости с настоящей художественной росписью, но отличается от неё, как гипсовая отливка от мраморной статуи.

Мы постараемся в этой статье разъяснить нашим заказчикам, какая бывает роспись, выполненная профессиональными мастерами. Росписи художников отличаются особенностями технологии. Большую часть наших заказов составляет роспись акриловыми и темперными красками, сделанная кистью. Именно так мы обеспечиваем высокое качество изображения, убедительность в передаче деталей, цветовых оттенков.

Художник Александр Глазков за работой: роспись купольной части загородного дома. Подмосковье, 2014г. Студия «Александрия».

Для более простых вещей можно использовать в качестве вспомогательного средства трафарет. Однако, финальную доводку наш художник выполняет кистью.

Финальная деталировка рисунка кистью. Частный дом, Подмосковье. 2017г. Студия «Александрия».

Стили художественной росписи.

Можно классифицировать все виды росписи по стилевому характеру. Остановимся на стилях, наиболее востребованных сейчас нашими заказчиками. Во-первых, это, конечно, роспись в классическом стиле. Как правило, такие работы отличаются сложным рисунком. Объекты, спроектированные архитекторами в классике, отличаются впечатляющими размерами помещений, высокими потолками, дизайнерской отделкой экстра-класса. Для того, чтобы сделать масштабную композицию для такого дома или квартиры, необходимо обладать суммой профессиональных знаний: от знания истории искусств и архитектурных стилей до опыта технического воплощения.

Роспись купола в классическом стиле. Подмосковье, 2014г. Студия «Александрия».

Работы в любом из классических стилей, от Ренессанса до Классицизма, можно поручить исключительно профессиональной команде художников, для любителя – это непосильная задача.

Роспись портала в стиле Ренессанс. Такой орнамент называется гротеск. 2012г.

Второй по востребованности в настоящее время стиль – это Арт Деко. Большие чистые плоскости, аскетичность деталировки требуют внимательного отношения художника к построению композиции. Этот стиль, тесно связан с архитектурой объекта. Задача художника – не только точно выбрать основной мотив, но и обыграть особенности архитектурной ситуации, принять верное и нешаблонное колористическое решение.

Роспись спальной комнаты в стиле Art Deco. Подмосковье, 2016г. Студия «Александрия».

В последние годы всё чаще возникает интерес к абстракции. Это связано с набиравшими популярность у нового поколения интерьерными стилями лофт и «новая классика». Весьма разные росписи объединяет беспредметный сюжет, позволяющий хозяину дома додумывать ситуацию, изображённую на стене. Эта своеобразная игра смыслов, в которой каждый индивидуум находит необходимую ему свободу.

Роспись на стене и отдельное панно в абстрактном стиле. Квартира в Москве. 2013г. Студия «Александрия».

Отдельно можно упомянуть роспись в восточном стиле. Это определение охватывает множество стилей. Это могут быть композиции, источником которых является искусство китайской и японской живописи или орнаментальные вещи в арабском, персидском и турецком духе.

Роспись гостиной в восточном стиле. Автор: Светлана Керн. Частный дом в Подмосковье. 2004г.

Современные виды росписи.

Надо сказать, что современное поколение художников обращаются не только к наследию исторических стилей. В последнее время мы отмечаем интерес к традиции. Так, декоративно-прикладная роспись русского Севера становится основой проектов по росписи мебели.

Брутальная роспись на чёрном фоне люминесцентными красками для дизайнеров новой волны является уже не только принадлежностью клубной культуры, но и артефактом в пространстве в стиле индастриал или лофт.

Иван Глазков. Серия «Триумф/Слава».Всю серию можно увидеть здесь: http://artbrutmoscow.com/author/88?pages=4

Современные виды росписи во внешнем пространстве выполняются в технике трафарета или свободного рисунка при помощи аэрографа. Искусство граффити мало-помалу распространяется и у нас. Интересно, что в Москве поле суперграфики – это вовсе не маргинализованные зоны окраин, а плоскости фасадов, выходящие на центральные магистрали города.

Народные промыслы по росписи в России: история возникновения и развития

История развития

Русские крестьяне издревле украшали узорами кухонную утварь, детские игрушки, сундуки. Например, традиции северной мезенской росписи исследователи возводят еще к временам первоначального формирования славянских племен.

Однако основные направления художественной росписи окончательно сформировались в XVIII–XIX веках. В советское время, особенно после 50-х годов, многие из них пережили настоящее второе рождение. Расписные шкатулки, сундучки, подносы украшали дома по всему СССР и особенно ценились за границей.

Украсить стремились и бытовые предметы, которыми пользовались каждый день. Фото: Михаил ФРОЛОВ/КП

Народная роспись чаще всего яркая, красочная. Фото: Shutterstock

Для разных регионов были характерны свои определенные цвета узоров. Фото: Фотобанк Лори

Традиции

Традиции художественной росписи успешно сохраняются и в современной России. Палехская миниатюра, хохлома, жостовские подносы стали настоящими узнаваемыми брендами – не только в России, но и за рубежом

Русское искусство во всем мире прочно ассоциируется с яркими красками и пышными узорами народной росписи. И сейчас мастерские не просто сохраняют вековые традиции и технологии, но и осваивают новые сюжеты, привносят новые трактовки образов.

Виды художественной росписи в России

За долгие века в разных уголках России сформировалось множество уникальных художественных традиций, видов росписи. Самые старинные из них, безусловно, связаны с росписью деревянных предметов быта. Позже с развитием технологий мастера начинали расписывать изделия из металлов, керамики, папье-маше и других материалов.

Украшенный сундук был одной из частей приданого невесты. Фото: culture.ru

Виды художественной росписи

Виды	Примеры и особенности
Миниатюра: Палех и Федоскино	Палех – роспись темперой по папье-маше на сюжеты из былин и сказок. Федоскинская роспись выполняется масляными красками по папье-маше, характерный сюжет – изображения русской тройки, народных гуляний
Роспись по металлу: Жостово	Роспись жестяных подносов масляными красками по черному фону, чаще всего изображаются букеты цветов
Роспись по дереву: Хохлома, Городецкая и Мезенская	Роспись по дереву: Хохлома, Городецкая и Мезенская

Миниатюра

Техника лаковой росписи на изделиях очень сложна в исполнении, ведь она требует от художника кропотливости при изображении мелких деталей рисунка. Для этого промысла использовали темперу (водорастворимые краски на основе порошковых пигментов, которые были известны еще во времена Древнего Египта) и масляные краски.

В техниках лаковой миниатюры талант народных художников проявлялся в полной мере. Фото: vk.com

Палехская роспись уникальна своей историей. Этот вид народного промысла сложился не в древности и даже не в XVIII–XIX веках, а в советское время. Село Палех (сейчас это Ивановская область) до революции славилось своей иконописной школой. Палехские иконы отличала особая тонкость письма, плавность линий. Но с приходом советской власти палехским мастерам-иконописцам пришлось искать новые сюжеты и осваивать новые материалы.

Так и родилась палехская миниатюра. От древнерусской иконописи мастера взяли технику росписи темперой и живописные приемы: тонкость и условность изображения, сложную композицию с параллельным развитием нескольких сюжетов. А вот в качестве сюжетов стали выбирать русские сказки, былины, жанровые сценки. Чаще всего палехская роспись украшает шкатулки и сундучки.

Роспись по дереву

Пожалуй, наиболее старинный вид росписи. К примеру, мезенская роспись считается вообще одним из самых древних народных промыслов, дошедших до наших дней. И хотя самый старый из дошедших до нас предметов – расписная прялка – датируется «всего лишь» 1815 годом, ученые возводят истоки мезенской росписи к архаичным временам. На берегах Белого моря и Онежского озера археологи находят схожие мотивы даже в наскальных изображениях

Самый узнаваемый народный промысел в России – хохломская роспись. Фото: Фотобанк Лори

Красные и золотые узоры расцветают на глубоком черном фоне. Это хохлома – один из самых известных и растиражированных видов русских народных промыслов. Ее яркие, сочные краски с легкостью узнает каждый.

Для хохломы характерны изображения цветов, ягод, птиц, зверей. Роспись наносится мастером на специально обработанную деревянную заготовку от руки, без предварительной разметки. А особый богатый золотой блеск достигается без применения золота.

Этот вид росписи по дереву возник в XVII веке в деревнях на левом берегу Волги, в окрестностях крупного села Хохлома – сейчас это Нижегородская область. А сегодня традиции хохломской росписи сохраняются в городе Семенов и деревне Семино, где работает сразу несколько предприятий и мастерских.

Интересные факты

про роспись

Под хохлому расписана самая большая ложка в мире. Деревянный столовый прибор длиной 2,67 м сейчас находится в музее при фабрике хохломы в Семенове.

В советские годы Палех приобрел огромную популярность не только в нашей стране, но и на Западе. Палехские шкатулки были целым отдельным направлением экспорта. История подмосковной жостовской росписи родилась… на Урале. Тагильские мастера изобрели особый вид росписи по металлу, превращая подносы в настоящие картины. А на основе их работ в XIX веке в Жостово родился отдельный, особый вид народного промысла

Рассказать друзьям

Художественная роспись стен и потолков в Москве

Испокон веков люди верили в то, что расписанные стены не только украшают жилище, но и привлекают в него удачу, счастье, спокойствие.

Не утратила роспись своей популярности и до сегодня, являясь неотъемлемой частью оформления современного интерьера. И это неудивительно, поскольку данный способ отделки способен придать неповторимость любому дому. Кроме того, работа выполненная вручную художником – это всегда позитивное настроение и уют.

Дополнительные фотографии

Мы делаем художественную роспись стен и потолков в Москве и области.

История художественной росписи тесно связанна с историей фрески. В переводе с итальянского слово «фреска» означает свежий. Свое название эта техника получила благодаря тому, что живопись наносится красками, предварительно разведенными на известковой или чистой воде, на свежую (сырую) штукатурку. Фреска отличается долговечностью и прочностью.

Много столетий насчитывает техника ассеко – роспись по сухой штукатурке. Первые сведения о ней датируются II тыс. до н. э. (Эгейское искусство). Наибольшего пика популярности она достигает дважды: в эпоху античной художественной культуры и в период Ренессанса. Среди элиты Древней Греции и Рима художественное декорирование стен и потолков пользовалось особым почетом. Такие наброски в Египетских пирамидах повествует о жизни людей, божествах древнего мира. Некоторые из ее загадок не разгаданы учеными и по сей день.

Некоторые образцы художественной росписи сохранились и по сей день благодаря специальным технологиям нанесения красок. Нужно сказать, что такая работа требует от художника высокого профессионализма и мастерства. Действительно украсить интерьер способна только настоящая, качественно выполненная роспись.

В моду снова входит некогда любима аристократами традиция расписывать свои дворцы, замки, дома, украшать их позолоченной лепниной .

Сегодня художественная роспись стала гораздо доступнее и обычным людям. Несмотря на это, она все также считается признаком роскоши. К слову, роспись идеально подчеркивает дорогую мебель.

Это синоним благородства, утонченности, респектабельности. Помимо всего прочего, это идеальная альтернатива классическим средствам в оформлении интерьеров.

Художественная роспись стен популярна еще и потому, что позволяет придать эксклюзивность интерьеру как маленькой квартирке, так и большому дому. А разнообразие жанров и стилей в сочетании с профессионализмом команды художников V.I.P. Decor воплотят в жизнь все требования и желания даже самых привередливых клиентов.

Благодаря тому, что роспись выполняется вручную, даже самые традиционные сюжеты будут смотреться в Вашем доме по-особенному.

Нужно сказать, что передать сложные эффекты художнику помогают не только различные техники, но и материалы. Так, к примеру, использование фактуры и текстуры делают роспись более реалистичной, при этом гармонично вписываясь в живопись. Нужно заметить, что с помощью художественной живописи можно создать множество фактур и рельефов, сымитировать почти любую поверхность.

Художественная роспись стен – это не только красиво, но еще и престижно. Ее наличие говорит о хорошем вкусе хозяина.

Вы можете быть уверенными в том, что такой отделки не будет больше ни у кого, кроме Вас. Чего нельзя сказать об обоях или настенном покрытии. Поэтому если Вы цените во всем индивидуальность и неповторимость – художественная роспись стен и потолков как раз то, что Вам нужно.

С помощью нее любой дом можно превратить в волшебный мир с нарисованными на стенах фантастическими существами и ангелочками – на потолке. Во многом все зависит от Вашей фантазии. К примеру, можно сделать на всю стену копию любимой картины или просто абстрактный рисунок. Он должен не только радовать глаз , но и заставлять задумываться.

Этот вид искусства поистине способен создать особую атмосферу как а доме, так и в рабочем кабинете. При этом роспись идеально сочетается с бытовыми предметами.

С помощью нее можно воплотить в жизнь все те архитектурные капризы, которые не удалось реализовать в де-факто. К примеру, очень хотелось иметь камин, дубовую массивную дверь или винтовую лестницу, но такой возможности нет по тем или иным причинам. Выход – перенести это все в рисунок на стену.

Визуальный объем, легкость, воздушность помещению способны придать настенные пейзажи. Благодаря ним в комнате станет больше успокаивающего зеленого. Пейзажи – идеальный вариант для спальни. Так, Вы будете засыпать и просыпаться в зелени природы, получая позитивный заряд на весь день или же наоборот отдыхая от работы и шума города.

Современная художественная роспись стен и потолков вобрала в себя опыт поколений предыдущих мастеров, накопленный столетиями и новейшие технологии последних лет. Это позволяет производить практически любые рисунки, начиная от образов из любимых мультфильмов и заканчивая авангардным искусством. Никто не отменял классические сюжеты, представленные теми же сюжетами, копиями работ минувших эпох.

Главное правило – тематика должна сочетаться с общим стилем помещения. И, конечно же, нравиться Вам самим.

Чтобы придать художественной росписи дополнительных эффектов, часто используются финишные покрытия в виде различных лаков: перламутровых или переливающихся. Одним из наиболее распространенных эффектов считается имитация под старину с помощью специальных трещин – кракелюр. Лаки также помогают защитить роспись от действия влаги и солнечных лучей, которые могут произвести к обесцвечиванию красок.

Зачастую когда речь идет о квартирах, многие в первую очередь думают о гостиной или холле. Но почему не украсить росписью, например, детскую комнату. Ведь она поможет создать в ней ощущение праздника, подарить ребенку сказку.

Роспись подойдет для комнаты и более взрослого ребенка. Например, она может отображать его увлечения. Если это комната мальчика, то расписать стены можно изображениями гоночных машин, героев из любимых комиксов. Для девочки роспись стен можно выполнить в романтическом стиле с использованием нежных оттенков.

Сделаете Вы ребенку сюрприз или распишите стены комнаты с учетом всех его пожеланий – решать только Вам. Сомнениям не подлежит одно: Вы подарите и себе, и ребенку море удовольствия.

Существенно изменить границы комнаты можно с помощью рисунков гор, моря или пейзажа. Особой популярностью пользуются традиционные объемные элементы архитектуры, классические сюжеты. Выигрышно смотрятся нарисованные на потолке спальни созвездия зодиаков.

Продолженная на стены роспись визуально увеличивает периметр комнаты, снизит потолок. Если наоборот – со стен продолжить на потолок, высота увеличится, а площадь уменьшится. Чаще всего, это больше площади, нуждающиеся в декорировании. Специалисты нашей компании помогут создать иллюзию открытого пространства. Это может быть рисунок океана,джунглей и т.д. При грамотном выборе будущей росписи можно не только добиться зрительного увеличения пространства, но и разбить его по смысловым блокам.

Много что в художественной росписи зависит от ряда факторов, среди которых площадь рисунка, стиль, в котором он выполняется, вид красок и т.д.

Не удивляйтесь тому, что стоимость художественной настенной живописи, предлагаемая различными компаниями, существенно отличается. Причем, как правило, она довольно высока. Наша компания – приятное исключение, поскольку мы сделали наши цены доступными практически каждому.

Мы работаем исключительно по авторским эскизам, согласовываем все нюансы с заказчиком на каждом этапе.

Как правило, работа по художественному оформлению начинается с разработки эскизов. Начинать роспись лучше после того, как были окончены все малярные и отделочные работы, убрана вся строительная пыль.

Стиль будущей росписи Вы можете определить как самостоятельно, так и прибегнуть к помощи дизайнера. Сделать роспись без разработанного образа невозможно. Дальше – дело фантазии художника и дизайнера. Не последнюю роль играет и Ваше участие.

Что касается материала для живописи, то бесспорное лидерство принадлежит акриловым краскам. Она не только не имеют неприятного запаха, быстро сохнут, но и еще и растворяются водой. Художественная роспись, сделанная такими красками, не требует тщательного ухода. Стены с росписью можно не боясь мыть, краска от этого не станет блеклой.

Художественная роспись – настоящее произведение искусства, требующее от художников не только особой ответственности, но и вдохновения. В каждой работе – частичка сердца автора. Наверное, поэтому художественная роспись стен не только радует взор, но и дарит особое настроение, позволяет посмотреть не свой дом другими глазами.

К основным видам можно отнести:

– художественную живопись, выполненную в классическом стиле;

– в японском стиле;

– декорирование потолков и стен, обманка.

Обращайтесь к нам по телефонам в Москве!

*в галерее использовались работы Марата Серажетдинова, члена Союза Художников России.

• Короткий обзор рынка современных лакокрасочных материалов для дизайнера-художника.
• Что нужно знать о художественной настенной росписи? Виды росписи и этапы работы.
• Основные техники настенной росписи
• Роспись стен в детской: основные моменты
• Выбираем цвет росписи стен
• Граффити – как одна из техник настенной росписи
• Энкаустика – один из древнейших видов настенной росписи
• Что такое аэрография?
• Где лучше всего использовать сграффито?
• История возникновения фрески, ее особенности, преимущества.

 

картина | История, художники, элементы, техники, типы и факты

Хелен Франкенталер: председатель правления

Смотреть все СМИ

Ключевые люди:

Том Ли Эйлин Агар Чарльз Х. Алстон Рембрандт Леонардо да Винчи

Похожие темы:

Западная живопись Китайская живопись фреска картина маслом наскальная живопись

Просмотреть весь соответствующий контент →

Резюме

Прочтите краткий обзор этой темы

живопись , выражение идей и эмоций, с созданием определенных эстетических качеств, на двухмерном визуальном языке. Элементы этого языка — его формы, линии, цвета, тона и текстуры — используются различными способами для создания ощущения объема, пространства, движения и света на плоской поверхности. Эти элементы объединяются в выразительные узоры, чтобы представить реальные или сверхъестественные явления, интерпретировать тему повествования или создать полностью абстрактные визуальные отношения. Решение художника использовать определенный материал, такой как темпера, фреска, масло, акрил, акварель или другие краски на водной основе, тушь, гуашь, энкаустика или казеин, а также выбор конкретной формы, такой как фреска, мольберт, панно, миниатюра, иллюминация рукописи, свиток, ширма или веер, панорама или любая из множества современных форм основывается на чувственных качествах и выразительных возможностях и ограничениях этих вариантов. Выбор среды и формы, а также собственная техника художника объединяются для реализации уникального визуального образа.

Ранние культурные традиции — племен, религий, гильдий, королевских дворов и государств — в значительной степени контролировали ремесло, форму, образы и содержание живописи и определяли ее функции, будь то ритуальные, религиозные, декоративные, развлекательные или образовательные. Художники использовались скорее как квалифицированные ремесленники, чем как творческие художники. Позже понятие «прекрасный художник» развилось в Азии и Европе эпохи Возрождения. Выдающимся художникам был предоставлен социальный статус ученых и придворных; они подписывали свои работы, определяли их дизайн, а часто и сюжет и образы, а также устанавливали более личные, хотя и не всегда дружеские, отношения со своими покровителями.

В 19 веке художники в западных обществах начали терять свое социальное положение и получать покровительство. Некоторые художники противостояли снижению меценатской поддержки, проводя собственные выставки и взимая плату за вход. Другие зарабатывали на гастролях по выставкам своих работ. Необходимость обратиться к рынку заменила аналогичные (хотя и менее безличные) требования покровительства, и ее влияние на само искусство, вероятно, было таким же. Как правило, художники 20-го века могли привлечь аудиторию только через коммерческие галереи и общественные музеи, хотя их работы могли время от времени воспроизводиться в периодических изданиях по искусству. Им также могли помочь финансовые премии или комиссионные от промышленности и государства. Однако они получили свободу изобретать свой собственный визуальный язык и экспериментировать с новыми формами, нетрадиционными материалами и техниками. Например, некоторые художники сочетали другие средства массовой информации, такие как скульптура, с живописью для создания трехмерных абстрактных рисунков. Другие художники прикрепляли к холсту настоящие объекты в виде коллажей или использовали электричество для управления цветными кинетическими панелями и коробками. Художники-концептуалисты часто выражали свои идеи в виде предложения неосуществимого проекта, а художники-перформансы были неотъемлемой частью собственных композиций. Неустанное стремление расширить границы выражения в искусстве привело к непрерывным международным стилистическим изменениям. Часто сбивающая с толку последовательность новых движений в живописи дополнительно стимулировалась быстрым обменом идеями посредством международных художественных журналов, передвижных выставок и художественных центров. Такие обмены ускорились в 21 веке с появлением международных художественных ярмарок и появлением социальных сетей, последние из которых предлагали не только новые средства выражения, но и прямое общение между художниками и их последователями. Хотя стилистические движения было трудно определить, некоторые художники обращались к общим социальным проблемам, включая широкие темы расизма, прав ЛГБТК и изменения климата.

Эта статья посвящена элементам и принципам дизайна в живописи, а также различным средствам, формам, образам, сюжетам и символике, которые используются, перенимаются или создаются художником. По истории живописи Древнего Египта см. Египетское искусство и архитектура. Развитие живописи в разных регионах рассматривается в ряде статей: Западная живопись; африканское искусство; Среднеазиатское искусство; китайская живопись; исламское искусство; японское искусство; корейское искусство; Искусство коренных американцев; Океаническое искусство и архитектура; искусство Южной Азии; Искусство Юго-Восточной Азии. За консервацию и реставрацию картин, см. художественная консервация и реставрация. Для обсуждения подделки произведений искусства см. подделка. Для обсуждения роли живописи и других искусств в религии, а также использования религиозных символов в искусстве, см. религиозная символика и иконография. Для получения информации о других искусствах, связанных с живописью, см. статьи , такие как рисование; народное искусство; эстамп.

Викторина «Британника»

Художники и художники: правда или вымысел?

Вы думаете, что знаете Фаберже, Моне и Джексона Поллока? Узнайте, как много вы действительно знаете об их жизни, вдохновении и произведениях искусства.

Дизайн картины — это ее визуальный формат: расположение ее линий, форм, цветов, тонов и текстур в выразительный рисунок. Именно чувство неизбежности в этой формальной организации придает великой картине ее самодостаточность и присутствие.

Цвета и расположение основных изображений в дизайне иногда могут в значительной степени определяться репрезентативными и символическими соображениями. Тем не менее, только формальное взаимодействие цветов и форм способно передавать определенное настроение, создавать оптические ощущения пространства, объема, движения и света и создавать силы как гармонии, так и напряжения, даже когда повествовательная символика картины неясна.

Оформите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту. Подпишитесь сейчас

Живопись – введение в искусство

В своей книге Naturalis Historia Плиний Старший рассказывает о конкурсе живописи между великим греческим художником Зевксисом и его соперником Паррасием, чтобы определить, кто из них был величайшим художником. Зевксис написал натюрморт с виноградом, который казался таким, что настоящие птицы слетались, чтобы их клевать. Парразий спрятал свою картину за занавеской и попросил Зевксиса открыть ее. Когда Зевксис попытался отдернуть занавеску, она оказалась нарисованной иллюзией. Парразий стал победителем, и Зевксис, как говорят, великодушно воскликнул: «Я обманул птиц, но Парразий обманул Зевксиса». Этот исторический анекдот, вероятно, не совсем верен, но кажется, что Зевксис, по крайней мере, был великим греческим художником. К сожалению, единственные сохранившиеся образцы греческой живописи — это рисунки на керамике и настенные фрески Помпеи и Геркуланума, но описания работ Зевксиса позволяют предположить, что они были хорошо развиты и новаторски, демонстрируя многие из навыков, которые художники могли бы только вновь открыть для себя в эпоху Возрождения. В этой главе будут представлены материалы и техники живописи, как исторические, так и используемые сегодня.

Живопись — это нанесение пигментов на опорную поверхность для создания изображения, рисунка или украшения. В искусстве термин «живопись» описывает как действие, так и результат. Большая часть живописи создается с помощью жидкого пигмента, наносимого кистью. Исключениями являются рисование песком навахо и рисование тибетских мандал, где используются порошкообразные пигменты. Живопись как медиум существует уже тысячи лет и является, наряду с рисунком и скульптурой, одним из старейших видов творчества. Он используется в той или иной форме в большинстве культур по всему миру.

Три самых узнаваемых изображения в истории западного искусства — это картины: Мона Лиза Леонардо да Винчи , Крик Эдварда Мунка и Звездная ночь Винсента Ван Гога . Эти три произведения искусства являются примерами того, как живопись может выходить за рамки простой миметической функции, то есть только имитировать то, что видно. Сила великой живописи в том, что она выходит за пределы восприятия, отражая эмоциональные, психологические и даже духовные уровни человеческого состояния.

Среды для рисования чрезвычайно универсальны, поскольку их можно наносить на множество различных поверхностей (называемых опорами ), включая бумагу, дерево, холст, гипс, глину, лак, бетон и многое другое. Поскольку краска обычно наносится в жидком или полужидком состоянии, она способна впитываться в пористый материал основы, что со временем может ослабить и повредить его. Чтобы предотвратить это, подложку обычно сначала покрывают грунтом , смесью связующего и мела, которая при высыхании создает непористый слой между подложкой и окрашенной поверхностью. Типичная земля называется «левкас».

Существует шесть основных живописных техник, каждая из которых имеет свои индивидуальные характеристики:

• Энкаустика
• Фреска
• Темпера
• Масло
• Акварель и гуашь
• Акрил

Все они используют три основных ингредиента:

• Пигмент
• Связующее
• Растворитель

Пигменты представляют собой гранулированные твердые вещества, добавляемые в краску для придания цвета. Связующее , обычно называемый средством , является собственно пленкообразующим компонентом краски. Связующее удерживает пигмент в растворе до тех пор, пока он не будет готов к диспергированию на поверхности. Растворитель регулирует расход и нанесение краски. Его смешивают с краской, обычно кистью, чтобы разбавить ее до нужной вязкости или густоты перед нанесением на поверхность. После того, как растворитель испарится с поверхности, остатки краски закрепляются на ней. Растворители варьируются от воды до продуктов на масляной основе, таких как льняное масло и уайт-спирит. Давайте рассмотрим каждый из шести основных способов рисования:

Энкаустика

Краска для энкаустики смешивает сухой пигмент с нагретым связующим на основе пчелиного воска. Затем смесь наносят кистью или распределяют по опорной поверхности. Повторный нагрев позволяет дольше манипулировать краской. Энкаустика восходит к первому веку нашей эры и широко использовалась в портретах погребальных мумий из Фаюма в Египте. Характеристики энкаустики включают сильные, резонансные цвета и чрезвычайно прочные картины. Из-за связующего пчелиного воска, когда энкаустика остывает, она образует прочную пленку на поверхности картины. Как правило, основа, используемая для энкаустики, должна быть жесткой, как деревянные панели фаюмских портретов, чтобы воск не растрескался. Однако некоторые современные художники использовали более гибкие опоры с неоднозначными результатами.

Мумия-портрет, дерево, воск, темпера. Молодой человек в римской одежде. Он принадлежит к греко-римскому высшему классу. начало III века, высота 37,5 см, инв. 15013. Фото Матиаса Кабеля, Gnu Free Documentation License

Американский художник двадцатого века Джаспер Джонс использовал в своих композициях техники энкаустики. В своей работе « Флаг » (1954-1955) Джаспер использовал сочетание энкаустики, масла и коллажа на ткани, наложенной на фанеру. В других работах он использовал смятую газетную бумагу, пропитанную энкаустикой, наносил на холст, давал высохнуть, а затем закрашивал. Эта техника, по мнению Джонса, предполагала преувеличенную кисть абстрактных экспрессионистов, но на самом деле кисть не выполнялась. Это было крутое и ироничное использование медиума в качестве «жеста».

«Флаг», Джаспер Джонс, энкаустика, масло, коллаж на ткани, наклеенной на фанеру. CC по SA 2.0. Фотография Эда Шипула, сделана в MoMA, март 2007 г. 1280. Темпера на доске. Museo dell’Opera del Duomo, Сиена, Италия. Темперная краска PD

сочетает пигмент со связующим веществом на основе яичного желтка, затем разбавляется и высвобождается водой. Как и энкаустика, темпера использовалась тысячи лет. Быстро высыхает, образуя стойкое матовое покрытие. Картины темперой традиционно наносятся последовательными тонкими слоями, называемыми глазурями, кропотливо наносимыми с помощью сети перекрестных штрихованных линий. Благодаря этой технике темперные картины известны своей детализацией.

В раннем христианстве темпера широко использовалась для написания изображений религиозных икон. Итальянский художник до Возрождения Дуччо (ок. 1255–1318), один из самых влиятельных художников того времени, использовал темперную краску при создании « Креволе Мадонна » (вверху). Вы можете увидеть четкость линий и форм в этой хорошо сохранившейся работе, а также детали, которые он передает в тонах лица и кожи Мадонны (см. подробности ниже).

Современные художники до сих пор используют темперу в качестве материала. Американская художница Ку Шадлер использует традиционные методы и материалы для создания своих поэтических картин с изображением кроликов, цветов и других натюрмортов и портретов. Она подготавливает поверхность основы несколькими слоями гипса, сушит, шлифует и повторно наносит, чтобы создать бархатистую гладкую поверхность, на которую наносится темпера на яичной основе.

Ку Шадлер, Белый кролик и циннии для Дороти, яичная темпера, на панели из настоящего левкаса, 11 ¼ x 10 ¾”. Разрешение художника

Фреска

Фресковая роспись применяется исключительно на оштукатуренных стенах и потолках. Среда фрески использовалась на протяжении тысячелетий, но больше всего она связана с ее использованием в христианских изображениях в период Возрождения в Европе.

Существует две формы фрески: b uon или «мокрая» и secco , что означает «сухая».

Техника фрески Буона состоит в рисовании пигментом, смешанным с водой, на тонком слое влажного свежего известкового раствора или штукатурки. Пигмент наносится на влажную штукатурку и впитывается ею; через несколько часов гипс высыхает и вступает в реакцию с воздухом: именно эта химическая реакция фиксирует частицы пигмента в гипсе. Из-за химического состава гипса связующее не требуется. Фреска Buon более устойчива, потому что пигмент сливается с самой стеной.

Доменико ди Микелино « Данте и Божественная комедия » 1465 года (ниже) является превосходным примером фрески. Цвета и детали сохранились в высохшей гипсовой стене. Микелино изображает итальянского писателя и поэта Данте Алегьери, стоящего с раскрытой копией «Божественной комедии» в левой руке и указывающего на иллюстрацию рассказа, изображенную вокруг него. Художник показывает нам четыре разных царства, связанных с повествованием: царство смертных справа, изображающее Флоренцию, Италия; небесное царство, обозначенное ступенчатой ​​горой в левом центре – вы можете увидеть ангела, приветствующего спасенные души, когда они входят от подножия горы; царство проклятых слева – с сатаной, окруженной пламенем, приветствующим их внизу картины; и царство космоса, выгибающееся над всей сценой.

Доменико ди Микелино, «Божественная комедия Данте», 1465, фреска, Дуомо, Флоренция, Италия. Фото Sailko Creative Commons Attribution 3.0 Unported

Fresco secco относится к рисованию изображения на поверхности сухой штукатурки стены. Для этой среды требуется связующее, поскольку пигмент не смешивается с влажной штукатуркой. Яичная темпера является наиболее распространенным связующим веществом, используемым для этой цели. Было обычным делом использовать фреску секко поверх фресок буон фрески, чтобы исправить повреждения или внести изменения в оригинал.

Картина Леонардо да Винчи « Тайная вечеря » (ниже) была выполнена с использованием fresco secco.

Тайная вечеря: «Тайная вечеря» Леонардо да Винчи, хотя и сильно ухудшилась, демонстрирует мастерство художника в изображении человеческого тела в фигуративной композиции. PD-US

К сожалению, Леонардо также экспериментировал с другими процессами и материалами, когда рисовал работу, и почти сразу же она начала высыхать и отслаиваться от стены. Он уже много лет находится «in restauro» или на реставрации.

Масло

Масляная краска является наиболее универсальным из всех материалов для рисования. В нем используется пигмент, смешанный со связующим из льняного масла. Льняное масло также можно использовать в качестве носителя вместе с уайт-спиритом или скипидаром. Считалось, что масляная живопись развилась в Европе в 15 веке, но недавние исследования фресок, найденных в афганских пещерах, показывают, что масляные краски использовались там еще в 7 веке.

Некоторые из качеств масляной краски включают в себя широкий выбор пигментов, ее способность разбавляться и наноситься в виде почти прозрачных глазурей, а также использоваться прямо из тюбика (без использования носителя), наноситься толстым слоем слои называются impasto (это можно увидеть во многих работах Винсента Ван Гога). Одним из недостатков использования импасто является то, что со временем тело краски может расколоться, оставив сеть трещин вдоль самых толстых частей картины. Поскольку масляная краска сохнет медленнее, чем другие материалы, ее можно растушевывать на опорной поверхности с мельчайшими деталями. Это увеличенное рабочее время также позволяет вносить коррективы и изменения без необходимости соскребать участки засохшей краски.

В натюрморте Яна Брейгеля Старшего можно увидеть многие из упомянутых выше качеств. Богатство самой краски проявляется как в резонансных огнях, так и в чернильно-темных тонах работы. Работа с краской позволяет создавать множество различных эффектов, от мягкости цветочных лепестков до отражения в вазе и множества визуальных текстур между ними.

Ян Брейгель Старший, Натюрморт с гирляндой цветов и золотой тазой, 1618, масло на доске, 18,7 х 20,7», Музей античного искусства. PD-US

« Cityscape #1 » Ричарда Дибенкорна 1963 года показывает, как художник использует масляную краску в более плавной и выразительной манере. Он разбавляет среду, чтобы получить качество и жест, которые отражают солнечную, свежую атмосферу калифорнийского утра. Дибенкорн использовал слои масляной краски, один поверх другого, чтобы просвечивать нижний слой картины и плоское, более геометрическое пространство, стирающее грань между реализмом и абстракцией.

Городской пейзаж #1, Ричард Дибенкорн, рокор; https://learn.saylor.org/mod/page/view.php?id=4371

Рембрандт был мастером обращения с красками и написал больше автопортретов, чем практически любой другой художник в истории. На этой картине примерно 1662 года показана техника импасто , использованная для создания морщинистой и покрытой кратерами поверхности, напоминающей обветренную кожу художника в пожилом возрасте.

Рембрандт, Автопортрет, ок. 1662 г., холст, масло, 32,5 x 25,6 ”, Музей Вальрафа-Рихарца. ПД США

Художники-абстрактные экспрессионисты раздвинули границы возможностей масляной краски. Их внимание было сосредоточено как на акте живописи, так и на предмете. Действительно, для многих из них не было никакого различия между ними. Работа Виллема де Кунинга оставляет запись о том, как масляную краску стирали кистью, капали, соскабливали и вытирали в безумии творческой деятельности.

Виллем де Кунинг, Женщина I, 1950-52, холст, масло (MoMA). Фотография Стивена Цукера сделана 7 мая 2014 года. CC BY-NC-SA 2.0

Акриловая

Акриловая краска стала коммерчески доступной в 1950-х годах в качестве альтернативы маслам. Пигмент суспендирован в акриловой полимерной эмульсии и использует воду в качестве носителя. Акриловый полимер имеет такие же характеристики, как резина или пластик. Акриловые краски обладают телесным, цветовым резонансом и долговечностью масел без затрат, беспорядка и проблем с токсичностью, связанных с использованием тяжелых растворителей для их смешивания. Одним из основных отличий является относительно быстрое время высыхания акрила. Они растворимы в воде, но после высыхания становятся непроницаемыми для воды или других растворителей. Кроме того, акриловые краски прилипают ко многим различным поверхностям и чрезвычайно долговечны. Акриловый импастос не трескается и не желтеет со временем, как это иногда бывает с маслом.

Беатрис Мильхазе — бразильская художница, которая использует уникальные свойства акрила для создания своих замысловатых узорчатых поверхностей. Она рисует рисунок на листе пластика и прижимает его к холсту, на котором уже могут быть другие нарисованные области или узоры. Когда он высохнет, она снимает пластиковый лист, оставляя акриловую форму прикрепленной к холсту.

БЕАТРИ МИЛЬАЗЕС, Марипоза, 2004 г., холст, акрил, 98 х 98 дюймов. Фото предоставлено галереей Джеймса Коэна, Нью-Йорк.

Смешанная техника

Портлендский художник Трой Мэтьюз использует латексную краску, акриловую краску и сварочный мелок на ненатянутой ткани в этой картине кувшина кардинала Сент-Луиса Боба Гибсона 2016 года.

Картина называется Проблема черного тела , научный термин, который относится к объектам, которые поглощают свет, не отражая его обратно. Немецкий физик-теоретик Макс Планк ок. 1900 г. создал теорию «излучения черного тела». Его работа была полезна для теории относительности Альберта Эйнштейна. Мэтьюз использует этот термин для обозначения американской расовой «проблемы черного тела». Гибсон играл с 1959-1975 и был девятикратным участником Матча звезд, двукратным чемпионом Мировой серии и был награжден двумя премиями Сая Янга в эпоху Движения за гражданские права.

Трой Мэтьюз, Проблема черного тела, 2016. Латексная краска, акриловая краска, сварочный мелок на нерастянутой ткани, 183 x 153 см. Разрешение художника

В течение своей карьеры он также подвергался дискриминации со стороны конкурирующих команд, болельщиков и некоторых членов своей команды. Мэтьюз использует непрозрачные материалы для рисования, которые имеют тенденцию поглощать свет на пористой подложке — холстовой ткани, которая также поглощает краску. Его фигура отражает динамическую энергию спортсмена сразу после подачи и решимость, которую историческая фигура продемонстрировала, столкнувшись с социальными обстоятельствами. Современные художники используют различные средства массовой информации, чтобы углубить значение изображений и предметов, которые они представляют, и живопись Мэтьюза является хорошим примером того, как это работает. См. больше работ Мэтьюса на https://www.hyperaccumulator.com/the-black-body-problem

Акварель

Акварель является наиболее чувствительным материалом для рисования. Он реагирует на малейшее прикосновение художника и в мгновение может превратиться в перегруженный беспорядок. Существует два вида акварельных материалов: прозрачный , и непрозрачный или гуашь . Прозрачная акварель работает в обратном отношении к другим средам живописи. Он традиционно наносится на бумажную основу и зависит от белизны бумаги, чтобы отражать свет обратно через нанесенный цвет (см. Ниже), тогда как непрозрачные краски (включая гуашь) отражают свет от кожи самой краски. Акварель состоит из пигмента и связующего вещества гуммиарабика, водорастворимого соединения, получаемого из сока акации. Он легко растворяется в воде. Белой акварели нет, но при необходимости можно использовать белую гуашь, чтобы добавить бликов. Предпочтительно использовать белую основу бумаги.

Крис Гилдоу, «Свет проходит через цвет и отражается бумагой под ним»

Акварельные картины создают ощущение непосредственности. Среда чрезвычайно портативна и отлично подходит для картин небольшого формата. Бумага, используемая для акварели, обычно бывает двух типов: горячего прессования, дающая более гладкую текстуру, и холодного прессования, дающая более грубую текстуру. Техники прозрачной акварели включают использование заливки ; область цвета, нанесенная кистью и разбавленная водой, чтобы она растекалась по бумаге. Окраска «мокрым по мокрому» позволяет цветам перетекать друг в друга, создавая плавные переходы между ними. Сухая кисть для рисования используется мало воды, и кисть проходит по верхним гребням бумаги, что приводит к прерывистой цветовой линии и большому количеству визуальной текстуры.

Крис Гилдоу, «Промывка, сухая кисть»; https://learn.saylor.org/mod/page/view.php?id=437

Примеры техники акварельной живописи: ниже картина, выполненная в технике смывки Джоном Марином. Сезанн создан с большим количеством эффектов сухой кисти.

Джон Марин, Бруклинский мост, 1912 г., бумага, акварель и графит, 15 1/2 дюйма x 18 1/2 дюйма. Подарок Джона Марина-младшего и Нормы Б. Марин, номер доступа: 1973.042 http://www. .colby.edu/museum/?s=John%20Marin%20Brooklyn&obj=Obj2339?sid=37&x=7627

Бруклинский мост Джона Марина (1912 г.) демонстрирует широкое использование стирки. Он делает массивный мост почти невидимым, за исключением опорных башен по обеим сторонам картины. Даже линия горизонта Манхэттена окутана туманными абстрактными формами, созданными размытыми цветами.

Автопортрет французского художника Поля Сезанна строит форму с помощью нюансов цветов и тонов. То, как акварель наложена на бумагу, отражает чуткость и обдуманность, присущие картинам Сезанна. Более плоские области цвета и тона создают четкие формы и могут быть выполнены на более сухих поверхностях.

Поль Сезанн, Автопортрет, ок. 1895. Бумага, акварель. ПД_США; Репродукция является частью коллекции репродукций, составленной The York Project. Авторские права на компиляцию принадлежат Zenodot Verlagsgesellschaft mbH и находятся под лицензией GNU Free Documentation License 9. 0002 Непрозрачная акварель, называемая также гуашью , отличается от прозрачной акварели тем, что частицы крупнее, отношение пигмента к воде значительно выше, а также присутствует дополнительный, инертный, белый пигмент, например мел. Из-за этого гуашевая краска дает более сильный цвет, чем прозрачная акварель, хотя имеет тенденцию высыхать до чуть более светлого тона, чем при нанесении. Гуашевая краска плохо держится, как паста, имеет тенденцию трескаться и отваливаться от поверхности. Он хорошо держится в более тонких приложениях и часто используется для покрытия больших площадей цветом. Подобно прозрачной акварели, высохшая гуашевая краска снова станет растворимой в воде.

Джейкоб Лоуренс, Автопортрет, 1977, Бумага, гуашь и темпера, 23 x 31”, Национальная академия дизайна, Нью-Йорк, авторское право на произведение искусства Гвендолин Найт Лоуренс, любезно предоставлено Фондом Джейкоба и Гвендолин Лоуренс. http://whitney.org/www/jacoblawrence/art/img/pho343x251self. jpg

В картинах Джейкоба Лоуренса гуашь задает дизайн композиции. Большие области цвета, включая синий и оранжевый, доминируют над фигуративными формами на переднем плане, в то время как оливково-зеленые и нейтральные тона оживляют фон с меньшими формами, изображающими инструменты, скамейки и столы. Характеристики гуаши затрудняют ее использование в областях с мелкими деталями.

Гуашь также используется в традиционной живописи других культур. Зал Консультирует волхвов , часть иллюминированной рукописи из Ирана 16-го века, использует яркие цвета гуаши вместе с чернилами, серебром и золотом, чтобы создать яркую композицию, полную замысловатых узоров и контрастов. Тушь используется для создания лирических каллиграфических пассажей вверху и внизу работы.

аттр. Султан Мухаммад ассист. Абд аль-Азиз, Зал советуется с волхвами, Фолио 73v из Шахнамы (Книги царей) Шаха Тахмаспа, ок. 1530-35, Иран, непрозрачная акварель (гуашь), тушь, серебро и золото на бумаге, 11 1/16 x 7 ¼”. ПД – США http://www.metmuseum.org/art/collection/search/452117

Другие красящие вещества

Эмаль Краски образуют твердую пленку, обычно с глянцевой поверхностью. Они используют тяжелые растворители и чрезвычайно долговечны.

Порошковое покрытие Краски отличаются от обычных красок тем, что они не требуют растворителя для удержания пигмента и связующего в суспензии. Они наносятся на поверхность в виде порошка, а затем отверждаются при нагревании, образуя прочную пленку, более прочную, чем большинство других красок. Порошковые покрытия наносятся в основном на металлические поверхности и часто используются в автомобильной или мебельной промышленности.

Эпоксидные краски представляют собой полимеры, созданные путем смешивания пигмента с двумя различными химическими веществами: смолой и отвердителем. Химическая реакция между ними создает тепло, которое связывает их вместе. Эпоксидные краски, такие как порошковые покрытия и эмали, чрезвычайно долговечны как в помещении, так и на открытом воздухе.

Эти краски промышленного класса используются, помимо прочего, для окраски вывесок, морской среды и окраски самолетов.

Живопись помимо живописи

Исторически другие средства служили той же цели, что и живопись, в религиозном контексте и при дворах знати. Два из них мозаика и гобелены .

Мозаика

Греки и римляне использовали мозаику для украшения полов своих домов и базилик. Сложные узоры, сделанные из небольших отдельных кусочков камня или стекла, называемые tesserae , были встроены в гипс, раствор или цемент. Поздние византийские церкви были богато украшены мозаикой, сделанной из маленьких кусочков мрамора, камня или стекла с зажатым между слоями сусальным золотом. В эпоху Возрождения художники, такие как Гирландайо и Рафаэль, также создавали мозаики, но работа, скорее всего, выполнялась художниками их мастерских. С того периода фреска оказалась более быстрой и менее затратной формой украшения стен, хотя мозаику продолжают делать и сегодня.

Римская (?) мозаика из Музея Ватикана, Рим. ПД-УС. Фото: Wknight94 в рамках бесплатной документации GNU. https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Vatican_Museum_mosaic_4.jpgИмператор Юстиниан, епископ Максимиан и свита, ок. 547, мозаика, Сан-Витале, Равенна. PD USEmperor Justinian (фрагмент), ок. 547, мозаика, Сан-Витале, Равенна. PD-US

Гобелен

Эти тканевые гобелены в Европе соперничали с картинами в деталях и драгоценности. Кроме того, они были практичны в том смысле, что защищали стены старого замка от сквозняков. Многие известные художники создали карикатуры – или предварительные рисунки / эскизы – для гобеленов, включая Рафаэля, Гойю и Шарля ле Брена. Гобелены часто обменивались между королями в знак доброй воли. Были королевские гобеленовые фабрики, такие как гобелены во Франции, где работы ткали вручную из шерсти, шелка и нитей, обернутых драгоценными металлами.

Битва при Заме, Гобеленовый гобелен по мотивам Жюля Ромена, изготовленный для Людовика XI:V в 1688-90 гг. Лувр. PD-US https://en.wikipedia.org/wiki/Gobelins_Manufactory#/media/File:La_Bataille_de_Zama_Jules_Romain_1688_1690.jpg

Некоторые художники сегодня все еще работают с гобеленами или другими видами искусства из волокна, но теперь ткацкий станок, скорее всего, будет запрограммирован в цифровом виде для производства объекта. Можно найти много других примеров искусства волокна. Традиционно отвергаемые как «женское ремесло», работы, сделанные ткаными, связанными, связанными крючком или другими способами, теперь являются важной и уважаемой частью искусства.

Перед галереей NuEdge в Монреале польский художник Олек создает вязаную крючком обложку для существующей скульптуры, превращая ее в красочный гибрид.

Photo Jeangagnon, CC-SA-SH-3.0

© Saylor Academy 2010-2017, если не указано иное. За исключением выпускных экзаменов по курсу, контент, созданный Saylor Academy, доступен по лицензии Creative Commons Attribution 3.0 Unported. Сторонние материалы являются собственностью их соответствующих владельцев и распространяются в соответствии с различными лицензиями. См. подробную информацию о лицензировании.

Saylor Academy и Saylor.org® являются торговыми марками Фонда Конституции, организации 501(c)(3), через которую осуществляется наша образовательная деятельность.

Что делает картину картиной? – ARTnews.com

Гросс использует живопись, чтобы создать собственное пространство. В 2004 году на заводе Kunsthallen Brandts Klaedfabrik в Оденсе, Дания, была установлена ​​специальная картина «Двойной пол».

ПРЕДОСТАВЛЕНО ГАЛЕРЕЕЙ ХУДОЖНИКА И КРИСТОФЕРА ГРАЙМСА, САНТА-МОНИКА

Чем старше картина как вид искусства, тем сложнее ее описать. Является ли картина, которая дублируется видео, все еще картиной? Что такое картина, которая также является гравюрой? Как насчет картины, которая является коллажем, карикатурой, граффити или какой-либо другой формой иллюстрации? Художники уже давно включают объекты в картины на холсте, но что мы должны называть произведением, если в нем нет ни краски, ни холста? Является ли картина, сделанная только из ткани или замазки, все же картиной? А какая картина занимает не целую стену, а пространство целой комнаты?

Раньше все было так просто: картина была опосредованным результатом нанесения художником влажной краски на плоскую поверхность. Больше не надо. Впитав в себя высокую и низкую культуру, живопись превратилась в смешанные ассамбляжи, включающие как органические, так и синтетические материалы, а иногда и фотографию и цифровую печать. Он заимствовал коммерческую иллюстрацию и архитектурный, татуировочный и текстильный дизайн и проявлял себя как скульптура или в различных комбинациях всего вышеперечисленного, как в абстракции, так и в изображении. На данный момент даже эти различия кажутся причудливыми.

Наш век гибридов, пересечений, многообразия, время, когда объединенная сила новых медиа, постмодернистской мысли и истории человечества сделала невозможным для художников поклоняться единому богу живописи. В самом деле, практика этого древнего искусства может быть обязана своим долговременным здоровьем его удивительно эластичной природе.

Хотя это может быть обнадеживающе, это только усложняет попытки точно определить, что мы теперь идентифицируем как картину. Для такого художника, как Пэт Стейр, картина — это просто то, что «имеет дело с краской». Стейр, вероятно, наиболее известен своими крупномасштабными абстрактными полотнами, на которых изображены каскадные водопады, каждый из которых является следствием рассчитанной системы нанесения краски, капания и разбрызгивания. «Конечно, — отмечает она, — можно рисовать карандашом, как это сделал Сай Твомбли. Тогда есть картины мочи Уорхола. Означает ли это, что изображение — это картина? Нет, — объясняет она, — потому что у нас есть Эллсворт Келли, где образ — это цвет, или Кристофер Вул, где картина — это слово».

Даже Роберт Сторр — профессор Института изящных искусств Нью-Йоркского университета и куратор Венецианской биеннале 2007 года — спотыкается о свое определение. «Картина должна быть сделана из краски или краскоподобных материалов», — говорит Сторр, сам художник. «Но потом я думаю о таком фотографе, как Джефф Уолл, который делает изображения, напоминающие исторические картины. Или Зигмар Польке, который манипулирует химическим процессом в фотографии так же, как это делает художник, но в результате получается напечатанный объект». Вспоминая, что Роберт Раушенберг когда-то делал картины из грязи, Сторр заключает: «Живописные условности и материальные качества объекта делают его картиной. Для все большего числа художников сама игра в растяжку определений становится сутью работы».

Раушенберг вполне может быть покровителем гибридной формы. Теперь он так же известен своими заявлениями о том, что действует в «промежутке между искусством и жизнью», как и своими работами «Комбинат», в которых он перекинул мост через пропасть между живописью и объектом. В декабре прошлого года Пейс Вильденштейн выставил свои «Сценарии» — набор тотемных картин размером 7 на 10 футов, представляющих собой смутно тематические фотографические изображения, перенесенные на поверхность, похожую на гипс, чтобы напоминать фрески. На каждом были четкие отсылки к его собственной живописной истории. Например, Ки-Уэст-Петух (2004) напомнил художнику трафаретные газетные переводы начала 1960-х годов. Это было очевидной связью с Odalisk (1955–58), бросающим вызов категориям Комбинатом, на котором он поместил чучело петуха на покрытый краской деревянный ящик, покрытый высохшей травой, фотографиями, газетами и электрическим светом, и поставил колья. все дело в подушку на низкой катящейся платформе. (В конце этого года, по случаю 80-летия Раушенберга, в Метрополитен-музее пройдет ретроспектива «Комбинатов», которая отправится в Музей современного искусства в Лос-Анджелесе, организатора выставки, а затем в музеи в Стокгольм и Париж.) Как говорит Штайр, «Раушенберг нашел способ расширить значение живописи, и с тех пор он расширяется».

Художнику из Бруклина Джеймсу Эсберу: «Картины — это уникальные объекты с сильным физическим присутствием, которые также в некотором роде иллюзорны». Эсбер «рисует» пластилином, пигментированным материалом для лепки, который прилипает к стене с низким рельефом и никогда не высыхает. Это делает его искаженные, основанные на фотографиях изображения уязвимыми для дальнейшего изменения под действием гравитации или прикосновения, будь то случайное или преднамеренное. Это также придает его искусству характер скульптуры, помещая его в ту золотую середину, где также находятся расписные конструкции признанных мастеров, таких как Элизабет Мюррей и Фрэнк Стелла. «Я стараюсь создавать вещи, которые занимают пространство галереи, а также описывают пространство, которого нет», — говорит Эсбер. «Но я никогда не говорю о своей работе как о скульптуре. Для меня это всегда живопись».

Для Фреда Томаселли работа Эсбера «относится к живописи, но не к живописи», хотя Томаселли сам признает, что он «гибридный человек». Действительно, в течение ряда лет Томаселли охватывал мир природы в сияющих, высокодекоративных картинах, которые почти не делают различий между иллюзорным и реальным, фигуративным и абстрактным. Среди своих основных материалов он использовал психоактивные вещества — фармацевтические таблетки и марихуану, а также вырезки из журналов. Покрытые толстым слоем смолы, они выглядят точно так же, как если бы они были нарисованы. Его работы, по его словам, происходят из калифорнийской культуры серфинга и народных иллюстраций для обложек альбомов, хотя он также заимствует индийские миниатюры и живопись эпохи Возрождения.

«Сегодня в живописи интересно то, что она заимствована из всех источников», — говорит Джо Амрайн, художник, основавший бруклинскую галерею Pierogi, которая представляет Эсбера, а также Джейн Файн, Кэри Максон и Ати Майер. Все придерживаются эстетики, предполагающей навязчивый, многослойный рисунок. «Это отличный способ развивать идеи, так как он идет прямо от руки к холсту, поэтому он предлагает эту спонтанность. В других средах нет».

Дэвид Салле согласился бы. «Я беззастенчивый сторонник живописи, — говорит он. «Я не думаю, что живопись и фотография равны или что одна из них — более плоская версия другой. Перформативный аспект живописи всегда будет отличать ее от других медиа и поднимать ставки по сравнению с другими формами. Вот почему картина сегодня, как бы она ни выглядела, связана с картиной, написанной сотни лет назад, например, с Понтормо. Не референциальным способом, а способом «создания чего-то».

Тем не менее именно в исполнении «Unhinged», серии вертикальных диптихов Джо Цукера, грань между изображением и объектом становится особенно размытой. Цукер соединил контейнер, похожий на песочницу, в который он налил краску сплошного цвета, с коробкой немного меньшего размера, которую он разрезал тонкими дюбелями, чтобы создать форму парусника на воде. В каждое отделение он наливал краску дополнительного цвета, манипулируя ее глубиной и текстурой, наклоняя коробку во время работы. Когда он поставил
e верхняя часть диптиха внизу, рама удваивается как собственный транспортировочный ящик.

«Если картина имеет физическое присутствие, она способна превзойти свое буквальное значение», — говорит Цукер, вспоминая свои ранние работы на холсте 1960-х годов. «Я рисовал картины из того, на чем рисовал», — говорит он. От своих мозаичных, пропитанных пигментом картин 1970-х годов (выставленных в прошлом году на предприятии Гэвина Брауна) до «коробочных картин» Цукер постоянно находил способы совмещать изображение с поверхностью.

Акцент на материалах и процессах сегодня очевиден в совершенно разных методах художника-фигурала Даны Шутц и абстракциониста Марка Гротьяна. Их экспрессивные, очень субъективные картины кажутся пойманными в ловушку краски, в то время как недавние неопреновые повороты Карин Дэви являются трехмерными переводами широких жестов ее живописи. Для создания своих ярких высокодекоративных работ бразильская художница Беатрис Мильхазес рисует контрастные геометрические узоры на ширмах и наносит их незаметными слоями на холст.

Майкл Бевилаква включает артефакты в свои инсталляции натюрмортов, которые связывают современных старых мастеров, таких как Джорджио Моранди, с панк-группами, такими как Ramones, в то время как керамист Бетти Вудман, которая опирается на различные искусствоведческие источники, начала прикреплять застекленные настенные росписи к новым картинам. Джоан Уоллес превращает двухмерные картины в трехмерную среду. В одной картине, Piece of Cake (for Jack Goldstein) , 2004, она вставила сине-желтое видео в плоскую сине-желтую композицию. Джереми Блейк создает видео с интенсивными цветами, которые воспроизводятся на мониторах с плоским экраном, как картины с цветовым полем в движении.

Компьютер вполне может быть источником плоских рисунков синтетическими красками для принтеров, которые используют такие художники, как Такаши Мураками, Джефф Элрод и Инка Эссенхай, хотя и с совершенно другим эффектом.

Художники уже давно присваивают стратегии, образы и формы предыдущих поколений или движений, перефотографируя, составляя коллажи, переворачивая, добавляя или стирая, чтобы освежить старое новым предложением или перспективой. «Это большое вдохновение для меня, компьютер», — говорит Мэри Хейлманн, которая использует его для создания своих обманчиво декоративных абстрактных картин. «Это все нарциссизм; Я просто играю со своим собственным искусством, так что это своего рода аутоэротика». Фабиан Маркаччо, возможно, был в чем-то прав, когда давал название «маляры» (или «картины-мутанты») своим желеобразным панорамным средам из красок, объектов и цифровых изображений, которые редко содержат края их подставок.

В том же духе, но в другом мире, Мэтью Ричи сочетает математическую теорию с мифологическими символами в придуманном повествовании о сотворении мира, которое простирается на его полотнах и растекается по полу яркими виниловыми завихрениями. В этом месяце в мастерской и музее тканей в Филадельфии (до 29 мая) Ричи представляет такие интерактивные работы, как Proposition Player , своего рода игру в кости, в которой движения зрителя запускают анимированные варианты его картин на проекционных экранах поблизости.

«Маркаччо и Ричи находятся примерно на середине пути того, что мы ожидаем от современных художников», — говорит Дэн Кэмерон, старший куратор Нового музея современного искусства в Нью-Йорке. «То есть играть с живописью на ее периферии, где живопись перестает быть живописью».

Ричи — один из восьми художников на выставке «Удаленные просмотры: изобретенные миры в новейшей живописи и рисовании», которая откроется в музее Уитни в июне. Организованный куратором Уитни Элизабет Сассман, он уделяет особое внимание тому, как такие художники, как Джули Мерету, Франц Акерманн и Ати Майер, освобождают живопись от ее традиционной рамы и расширяют ее масштаб, чтобы покрыть стену или растянуться на полу. «Каждый из этих художников использует абстракцию как элемент более масштабных амбиций», — говорит Сассман о группе, в которую также входят Стив ДиБенедетто, Александр Росс, Терри Уинтерс и Кэрролл Данхэм. «Их интересуют пространства в мире, которые вы не можете себе представить, но которые возникают благодаря форме».

Другими показательными элементами шоу и этого момента являются определенное предпочтение многослойного, замысловатого рисунка и переход к тому, что Сассман называет «нехромофобией», когда художники используют цвет и масштаб на службе свободному, но поддающееся обнаружению визуальное повествование, похожее на работы Лари Питтман. По мнению Сассмана, использование художниками повторяющихся идей отличает их от Джеймса Сиены, Яёи Кусамы, Филипа Тааффе и Эли Садбрака (художника, также известного как Assume Vivid Astro Focus), чьи работы включают в себя вызывающие транс паттерны. В сериале, по словам Сассмана, «вы теряетесь в воображаемом».

По совпадению, Луис Грачос, директор Художественной галереи Олбрайт-Нокс в Буффало, Нью-Йорк, в июле монтирует «Экстремальную абстракцию». Но эта выставка, которую он устраивает вместе с младшим куратором Клэр Шнайдер, не ограничивается живописью. Современные работы множества художников со всего мира заполнят кампус учреждения, в помещении и снаружи, наряду с произведениями из его постоянной коллекции Пита Мондриана, Джексона Поллока, Марка Ротко, Фрэнка Стеллы, Ричарда Серры и Сола Левитта.

«Я очень очарован тем, как Катарина Гроссе заново изобретает пространство с помощью живописи, — говорит Грачос. А что касается болтовни Полли Апфельбаум о бархатных дисках, он говорит: «Как вы можете не думать о Поллоке?» Еще одна художница, участвующая в шоу, Дженнифер Стейнкамп, создает крупномасштабные видеоролики — движущиеся изображения неподвижных изображений или неподвижные изображения движущихся объектов, — которые лучше всего понимать как проецируемые картины.

В похожем ключе польский художник Доминик Лейман проецировал движущиеся силуэты далеких фигур на узорчатые холсты, которые он называет «картинами, основанными на времени». Галерея Luxe в Нью-Йорке недавно продала их как отредактированные работы — не совсем новое явление, ставшее возможным благодаря технологиям. Прошлой осенью, например, Peres Projects в Лос-Анджелесе и John Connelly Presents в Нью-Йорке взяли психоделическую среду, которую Садбрек разработал для биеннале Уитни 2004 года, и разделили ее на компоненты, которые продавались в «электронных изданиях», включая сертификат подлинности и дизайн на компакт-диске, в цифровом файле. Компоненты, которые варьировались от наклеек за 2500 долларов до сегмента пола, потолка и стен за 15 000 долларов, вместе стоили 150 000 долларов; пять скульптур стоят от 5000 до 15000 долларов каждая.

Швейцарский художник Урс Фишер, известный в основном своей скульптурой, также издавал «картины» — лазерные отпечатки безымянных пейзажей или интерьеров, создающие почти абстрактный эффект треснувшего зеркала с неровными полосами красного, белого или черного цветов, художник добавляет от руки, используя тонкую кисть или фломастер. Лазерная печать на холсте Роба Винна, концептуалиста из Нью-Йорка, представляет собой уникальное увеличение пейзажа, нарисованного на фарфоровой чайной чашке XIX века. «Вы не можете сказать, что это такое», — говорит Винн о работе, название которой вышито, Ароматическая мантия звездного света и тишины (2005). «Это похоже на картину. Это картина. Это не так, но это так».

Рудольф Стингель, концептуалист до мозга костей, за последние два десятилетия написал несколько картин на холсте, но он также представил промышленные, иногда окрашенные, ковры как монументальные модернистские монохромы, которые, как он настаивает, можно читать только как картины— картины, которые по своей сути задаются вопросом, какой должна быть картина.

Ковры Стингеля на самом деле служат скорее вмешательством в окружающую архитектуру, в манере, близкой к методам французского художника Даниэля Бюрена, который установил свои
полосатая краска
ngs и баннеры на стенах, потолках, окнах, витринах и уличных скамейках, отчасти для того, чтобы привлечь внимание к их окружению, как физическому, так и политическому. (Его нынешняя выставка в нью-йоркском музее Гуггенхайма посвящена как истории, так и структуре здания Райта.)

Работа Ричарда Таттла также привлекает меньше внимания к себе, чем к своему окружению; Предметом Таттла является само восприятие. Он иллюзионист, который заставляет нас видеть то, что в противном случае мы могли бы не заметить. Если он нарисует, например, кусок дерева и повесит его возле пола, это картина или скульптура?

Элизабет Мюррей некоторое время путала этот вопрос. Это не ново. Но, как говорит Сторр, курирующая ретроспективу карьеры Мюррея для Нью-Йоркского Музея современного искусства в конце этого года, «она первый человек, который имеет дело непосредственно с топологическими поверхностями сюрреалистической живописи. Она изгибает, скручивает и складывает свои картины так, как мы никогда раньше не видели и чего не делал ни один сюрреалист. В ее картинах удивительные противоречия: выходит поверхность и входит изображение, так что то, на что смотришь, выходит из стены как объем, а не просто поверхность».

Лаура Хоптман, куратор Carnegie International 2004, которая также организовала выставку «Рисуем сейчас» для Музея современного искусства в 2002 году, говорит: «Для меня наиболее интересными сейчас являются художники, которые верят в живописи до ее логического завершения, то есть к сверхидеалистической абстракции».

В связи с этим она цитирует «уродливые, трогательные маленькие картины» Томмы Абтс, художницы немецкого происхождения, ныне живущей в Лондоне, которую Хоптман включил в Интернационал. «Ее работа бескомпромиссна, — говорит Хоптман. «Это глубоко необъективно. Это означает, что вы думаете, что сочетание формы и цвета на двухмерной поверхности может иметь такое же значение, как и история. Потребовалось 50 лет, чтобы развеять безумную мысль Барнетта Ньюмана о том, что можно нарисовать Бога. Теперь, во времена великих экзистенциальных потрясений, оно возвращается. Это очень интересно.”

Какой бы значимой ни была абстракция для кураторов, репрезентативная живопись — это то, что в настоящее время движет рынком, и большая ее часть вполне традиционна. Между концом 1980-х и началом 90-х, говорит Мэтью Хиггс, директор White Columns, старейшего пространства альтернативного искусства в Нью-Йорке, «такие художники, как Пьер Хьюг и Риркрит Тиравания, переосмыслили концептуальную практику, а такие художники, как Элизабет Пейтон и Питер Дойг, переосмыслили традиционную живопись. Теперь я думаю, что есть группа художников, концептуально работающих с фигуративной живописью». Но, добавляет Хиггс, «существует также новая ортодоксальность репрезентативных образов, и мне кажется, что когда что-то становится ортодоксальным, все кончено».

Понятно, что когда Рассел Фергюсон, старший куратор Музея Хаммера в Лос-Анджелесе, выбрал «Неоткрытая страна» в качестве названия для недавнего обзора репрезентативной живописи в этом учреждении, он придерживался совершенно иного мнения. «Идея полного разрыва с прошлым — сейчас я не вижу ничего подобного», — говорит он. «И я не думаю, что кто-то из этих художников считает живопись беспроблемной областью», — говорит он о выставке, в которой участвовали Фэрфилд Портер, Виджа Целминс и более молодые художники, такие как Эдгар Брайан, Мари Истман, Йохен Кляйн и Мама Андерссон. «Но они прошли через это, чтобы получить то, что они хотят. Если люди думали, что это консервативное шоу, они не смотрели на него внимательно».

Дэн Кэмерон остался под впечатлением. «Но нам необходимо принять расширенное определение живописи», — говорит он. «Мне нравится, когда Джефф Кунс делает свои струйные работы и называет их картинами. Это требует мужества, но заставляет меня думать о рисовании так, как я раньше не мог».

Так что же делает картину картиной?

«Это одна из идей, которые я хотел исследовать в этом шоу, — говорит Фергюсон. «Но каждый раз, когда вы придумываете ответ, вы можете придумать что-то, что ему противоречит».

Линда Яблонски — пишущий редактор ARTnews.

Чтение: Живопись | Оценка искусства

Живопись — это нанесение пигментов на опорную поверхность, создающее изображение, рисунок или украшение. В искусстве термин «живопись» описывает как действие, так и результат. Большинство картин создается с помощью пигмента в жидкой форме и наносится кистью. Исключениями являются рисование песком навахо и рисование тибетских мандал, где используются порошкообразные пигменты. Живопись как медиум существует уже тысячи лет и является, наряду с рисунком и скульптурой, одним из древнейших видов творчества. Он используется в той или иной форме культурами по всему миру.

Три самых узнаваемых образа в истории западного искусства — это картины: «Мона Лиза» Леонардо да Винчи, «Крик» Эдварда Мунка и «Звездная ночь» Винсента Ван Гога . Эти три произведения искусства являются примерами того, как живопись может выходить за рамки простой миметической функции, то есть только имитировать то, что видно. Сила великой живописи в том, что она выходит за пределы восприятия, отражая эмоциональные, психологические и даже духовные уровни человеческого состояния.

Материалы для рисования чрезвычайно универсальны, поскольку их можно наносить на множество различных поверхностей (называемых опорами ), включая бумагу, дерево, холст, гипс, глину, лак и бетон. Поскольку краска обычно наносится в жидком или полужидком состоянии, она способна впитываться в пористый материал основы, что со временем может ослабить и повредить его. Чтобы предотвратить это, подложку обычно сначала покрывают грунтом , смесью связующего и мела, которая при высыхании создает непористый слой между подложкой и окрашенной поверхностью. Типичный грунт – левкас.

Существует шесть основных материалов для рисования, каждый из которых имеет свои индивидуальные характеристики:

• Энкаустика
• Темпера
• Фреска
• Масло
• Акрил
• Акварель

Все они используют следующие три основных ингредиента:

• Пигмент
• Связующее
• Растворитель

Пигменты представляют собой гранулированные твердые вещества, добавляемые в краску для придания цвета. Связующее , обычно называемый средством , является собственно пленкообразующим компонентом краски. Связующее удерживает пигмент в растворе до тех пор, пока он не будет готов к диспергированию на поверхности. Растворитель регулирует расход и нанесение краски. Его смешивают с краской, обычно кистью, чтобы разбавить ее до необходимой вязкости или густоты перед нанесением на поверхность. После того, как растворитель испарится с поверхности, остатки краски закрепляются на ней. Растворители варьируются от воды до продуктов на масляной основе, таких как льняное масло и уайт-спирит.

Давайте рассмотрим каждый из шести основных материалов для рисования:

1. Краска Encaustic смешивает сухой пигмент с нагретым связующим на основе пчелиного воска. Затем смесь наносят кистью или распределяют по опорной поверхности. Повторный нагрев позволяет дольше манипулировать краской. Энкаустика восходит к первому веку нашей эры и широко использовалась в портретах погребальных мумий из Фаюма в Египте. Характеристики энкаустики включают сильные, резонансные цвета и чрезвычайно прочные картины. Из-за связующего пчелиного воска, когда энкаустика остывает, она образует прочную пленку на поверхности картины. Современные электрические и газовые инструменты позволяют длительное время нагревать и манипулировать краской.

Ниже приведен пример энкаустики Хосе Марии Кано.

Хосе Мария Кано, деталь картины, выполненная энкаустикой, 2010 г.

2. Краска темпера сочетает пигмент со связующим на основе яичного желтка, затем разбавляется и растворяется водой. Как и энкаустика, темпера использовалась тысячи лет. Быстро высыхает, образуя стойкое матовое покрытие. Картины темперой традиционно наносятся последовательными тонкими слоями, называемыми глазурями, кропотливо наносимыми с помощью сети перекрестных штрихованных линий. Благодаря этой технике темперные картины известны своей детализацией.

Дуччо, Мадонна Креволе, ок. 1280. Темпера на доске Museo dell’Opera del Duomo, Сиена, Италия. Изображение находится в свободном доступе

В раннем христианстве темпера широко использовалась для написания изображений религиозных икон. Итальянский художник эпохи Возрождения Дуччо (ок. 1255–1318), один из самых влиятельных художников того времени, использовал темперную краску при создании картины «Мадонна Креволе» (вверху). Вы можете увидеть четкость линий и форм в этой хорошо сохранившейся работе, а также детали, которые он передает в тонах лица и кожи Мадонны (см. подробности ниже).

Дуччо, Мадонна Креволе (фрагмент), ок. 1280. Темпера на доске. Museo dell’Opera del Duomo, Сиена, Италия. Изображение находится в свободном доступе

Современные художники до сих пор используют темперу в качестве материала. Американский художник Эндрю Уайет (1917–2009) использовал темперу для создания «Мира Кристины», шедевра деталей, композиции и таинственности.

3. Роспись Fresco применяется исключительно на оштукатуренных стенах и потолках. Среда фрески использовалась на протяжении тысячелетий, но больше всего она связана с ее использованием в христианских изображениях в период Возрождения в Европе.

Существует две формы фрески: Buon или «мокрая» и secco , что означает «сухая».

Техника фрески Буона состоит в рисовании пигментом, смешанным с водой, на тонком слое влажного свежего известкового раствора или штукатурки. Пигмент наносится на влажную штукатурку и впитывается ею; через несколько часов гипс высыхает и вступает в реакцию с воздухом: именно эта химическая реакция фиксирует частицы пигмента в гипсе. Из-за химического состава гипса связующее не требуется. Фреска Buon более устойчива, потому что пигмент становится частью самой стены.

Картина Доменико ди Микелино «Данте и Божественная комедия» из 1465 года (ниже) является превосходным примером buon fresco. Цвета и детали сохранились в высохшей гипсовой стене. Микелино изображает итальянского писателя и поэта Данте Алегьери, стоящего с открытой копией «Божественной комедии» в левой руке и указывающего на иллюстрацию истории, изображенную вокруг него. Художник показывает нам четыре разных царства, связанных с повествованием: царство смертных справа, изображающее Флоренцию, Италия; небесное царство, обозначенное ступенчатой ​​горой в левом центре – вы можете увидеть ангела, приветствующего спасенные души, когда они входят от подножия горы; царство проклятых слева – с сатаной, окруженной пламенем, приветствующим их внизу картины; и царство космоса, выгибающееся над всей сценой.

Доменико ди Микелино, «Божественная комедия» Данте, 1465 г., фреска, Дуомо, Флоренция, Италия. Это изображение находится в общественном достоянии

Фреска Secco относится к рисованию изображения на поверхности сухой штукатурки стены. Для этой среды требуется связующее, поскольку пигмент не смешивается с влажной штукатуркой. Яичная темпера является наиболее распространенным связующим веществом, используемым для этой цели. Было обычным делом использовать фреску secco поверх фресок buon fresco, чтобы исправить повреждения или внести изменения в оригинал.

Картина Леонардо да Винчи Тайная вечеря (ниже) была выполнена с использованием фрески secco.

Леонардо да Винчи, Тайная вечеря, 1495–1498 гг., сухая фреска на гипсе. Церковь Санта-Мария-делле-Грацие, Милан. Это изображение находится в общественном достоянии

4. Масляная краска является наиболее универсальной из всех материалов для рисования. В нем используется пигмент, смешанный со связующим из льняного масла. Льняное масло также можно использовать в качестве носителя вместе с уайт-спиритом или скипидаром. Считалось, что масляная живопись возникла в Европе в пятнадцатом веке, но недавние исследования фресок, найденных в пещерах Афганистана, показывают, что масляные краски использовались там еще в седьмом веке.

Некоторые из качеств масляной краски включают в себя широкий выбор пигментов, ее способность разбавляться и наноситься в виде почти прозрачных глазурей, а также использоваться прямо из тюбика (без использования носителя), наноситься толстым слоем слои называются impasto (это можно увидеть во многих работах Винсента Ван Гога). Одним из недостатков использования импасто является то, что со временем тело краски может расколоться, оставив сеть трещин вдоль самых толстых частей картины. Поскольку масляная краска сохнет медленнее, чем другие материалы, ее можно растушевывать на опорной поверхности с мельчайшими деталями. Это увеличенное рабочее время также позволяет вносить коррективы и изменения без необходимости соскребать участки засохшей краски.

В натюрморте Яна Брейгеля Старшего можно увидеть многие из упомянутых выше качеств. Богатство самой краски проявляется как в резонансных огнях, так и в чернильно-темных тонах работы. Работа с краской позволяет создавать множество различных эффектов, от мягкости цветочных лепестков до отражения в вазе и множества визуальных текстур между ними.

Картина Ричарда Дибенкорна Cityscape #1 1963 года показывает, как художник использует масляную краску в более плавной и выразительной манере. Он разбавляет среду, чтобы получить качество и жест, которые отражают солнечную, свежую атмосферу калифорнийского утра. Дибенкорн использовал слои масляной краски, один поверх другого, чтобы просвечивать нижний слой картины и плоское, более геометрическое пространство, стирающее грань между реализмом и абстракцией.

Ян Брейгель Старший, Цветы в вазе, 1599 год. Дерево, масло. Художественно-исторический музей, Вена, Германия. Используется в соответствии с лицензией GNU Documentation Licensing

Картины маслом Джорджии О’Киф показывают диапазон обработки от мягкого и строгого до очень подробного и вызывающего воспоминания. Вы редко видите ее мазки, но она в совершенстве владеет масляной краской.

Художники-абстракционисты раздвинули границы возможностей масляной краски. Их внимание было сосредоточено на акте 9.0034 живописи в той же мере, что и предмета. Действительно, для многих из них не было никакого различия между ними. Работа Виллема де Кунинга оставляет запись о том, как масляную краску сбрасывали, капали, соскабливали и вытирали в безумии творческой деятельности. Эта идея остается актуальной в картинах Селии Браун.

5. Акриловая краска была разработана в 1950-х годах и стала альтернативой маслам. Пигмент суспендирован в акриловой полимерной эмульсии и использует воду в качестве носителя. Акриловый полимер имеет такие же характеристики, как резина или пластик. Акриловые краски обладают телесным, цветовым резонансом и долговечностью масел без затрат, беспорядка и проблем с токсичностью, связанных с использованием тяжелых растворителей для их смешивания. Одним из основных отличий является относительно быстрое время высыхания акрила. Они растворимы в воде, но после высыхания становятся непроницаемыми для воды или других растворителей. Кроме того, акриловые краски прилипают ко многим различным поверхностям и чрезвычайно долговечны. Акриловый импастос не трескается и не желтеет со временем.

Американский художник Роберт Коулскотт (1925–2009) использовал акриловые краски для создания крупномасштабных картин. Он использует тонкие слои подкрашивания, шелушения, высококонтрастных цветов и сочных поверхностей, чтобы выявить весь спектр эффектов, которые предлагает акрил.

6. Акварель является наиболее чувствительным материалом для рисования. Он реагирует на малейшее прикосновение художника и может мгновенно превратиться в перегруженный беспорядок. Существует два вида акварельных носителей: прозрачный и непрозрачный . Прозрачная акварель работает в обратном отношении к другим средствам рисования. Он традиционно наносится на бумажную основу и зависит от белизны бумаги, чтобы отражать свет обратно через нанесенный цвет (см. Ниже), тогда как непрозрачные краски (включая непрозрачные акварели) отражают свет от кожи самой краски. Акварель состоит из пигмента и связующего вещества гуммиарабика, водорастворимого соединения, получаемого из сока акации. Он легко растворяется в воде.

Изображение Кристофера Гилдоу. Используется здесь с разрешения.

Акварельные картины создают ощущение непосредственности. Среда чрезвычайно портативна и отлично подходит для картин небольшого формата. Бумага, используемая для акварели, обычно бывает двух типов: горячего прессования, дающая более гладкую текстуру, и холодного прессования, дающая более грубую текстуру. Техники прозрачной акварели включают использование заливки ; область цвета, нанесенная кистью и разбавленная водой, чтобы она растекалась по бумаге. Мокрый по мокрому Окраска позволяет цветам перетекать друг в друга, создавая плавные переходы между ними. Сухая кисть При рисовании требуется мало воды, и кисть проходит по верхним краям бумаги, что приводит к прерывистой цветовой линии и большому количеству визуальных текстур.

Примеры техники акварельной живописи: слева смывка. Справа эффект сухой кисти. Изображение Кристофера Гилдоу. Используется здесь с разрешения.

Бруклинский мост Джона Марина (1912) показывает широкое использование стирки. Он делает массивный мост почти невидимым, за исключением опорных башен по обеим сторонам картины. Даже линия горизонта Манхэттена окутана туманными абстрактными формами, созданными размытыми цветами.

Мальчик в красном жилете  французского художника Поля Сезанна создает форму с помощью нюансов цветов и тонов. То, как акварель наложена на бумагу, отражает чуткость и обдуманность, присущие картинам Сезанна.

Поль Сезанн, Мальчик в красном жилете, ок. 1890. Бумага, акварель. Это изображение находится под лицензией GNU Free Documentation License

Акварель Эндрю Уайета указывает на пейзаж земляными тонами и локализованными цветами, часто с эффектными участками белой бумаги, оставленными нетронутыми. Брендивайн-Вэлли — хороший пример.

Непрозрачная акварель, также называемая гуашью , отличается от прозрачной акварели тем, что частицы крупнее, отношение пигмента к воде намного выше, а также присутствует дополнительный инертный белый пигмент, такой как мел. Из-за этого гуашевая краска дает более сильный цвет, чем прозрачная акварель, хотя имеет тенденцию высыхать до чуть более светлого тона, чем при нанесении. Гуашевая краска плохо держится, как паста, имеет тенденцию трескаться и отваливаться от поверхности. Он хорошо держится в более тонких приложениях и часто используется для покрытия больших площадей цветом. Подобно прозрачной акварели, высохшая гуашевая краска снова станет растворимой в воде.

В картинах Джейкоба Лоуренса гуашь используется для оформления композиции. Большие области цвета, включая синий и оранжевый, доминируют над фигуративными формами на переднем плане, в то время как оливково-зеленые и нейтральные тона оживляют фон с меньшими формами, изображающими инструменты, скамейки и столы. Характеристики гуаши затрудняют ее использование в областях с деталями.

Гуашь также используется в традиционной живописи других культур. Zal Consults the Magi, часть иллюминированной рукописи из Ирана шестнадцатого века, использует яркие цвета гуаши вместе с тушью, серебром и золотом, чтобы создать яркую композицию, полную замысловатых узоров и контрастов. Тушь используется для создания лирических каллиграфических пассажей вверху и внизу работы.

Другие средства для рисования , используемые художниками, включают следующее:

Эмаль Краски образуют твердую оболочку, обычно с глянцевой поверхностью. Они используют тяжелые растворители и чрезвычайно долговечны.

Порошковое покрытие Краски отличаются от обычных красок тем, что они не требуют растворителя для удержания пигмента и связующего в суспензии. Они наносятся на поверхность в виде порошка, а затем отверждаются при нагревании, образуя прочную пленку, более прочную, чем большинство других красок. Порошковые краски наносят в основном на металлические поверхности.

Эпоксидные краски представляют собой полимеры, созданные путем смешивания пигмента с двумя различными химическими веществами: смолой и отвердителем. Химическая реакция между ними создает тепло, которое связывает их вместе. Эпоксидные краски, такие как порошковые покрытия и эмали, чрезвычайно долговечны как в помещении, так и на открытом воздухе.

Эти краски промышленного класса используются для окраски вывесок, морской среды и окраски самолетов.

 

проверить

Просмотреть арты и найти похожие совпадения

Попробуйте Visual Search

Категория

AllpaintingSphotographyDrawingsNew-MediasculptureCollagePrintmakingDigitalinStallationVideo

---

Filter

SORD

. Высокая цена: от высокой до низкой

---

Ищете ли вы оригинальную картину или высококачественную художественную печать, Saatchi Art предлагает более 2 472 801 оригинальной картины начинающих художников со всего мира. Подробнее

---

---

Filter

Category

AllPaintingsPhotographyDrawingsNew-MediaSculptureCollagePrintmakingDigitalInstallationVideo

---

Abstract

Fine Art

Modern

Abstract Expressionism

Expressionism

Figurative

Impressionism

Realism

Conceptual

Portraiture

Minimalism

Поп-арт

Сюрреализм

Illustration

Art Deco

Street Art

Photorealism

Folk

Cubism

Documentary

Dada

Show More

---

Subject

Abstract

Landscape

People

Portrait

Animal

Природа

Цветы

Женщины

Натюрморт

Фэнтези

Ню

Морской пейзаж

Архитектура

Cities

Body

Botanic

Love

Beach

Culture

Geometric

World Culture

Pop Culture/Celebrity

Erotic

Men

Children

Celebrity

Cartoon

Places

Музыка

Религия

Популярная культура

Классическая мифология

Интерьеры

Вода

Политика

Дерево

Boat

Garden

Fashion

Food

Horse

Religion

Mortality

Graffiti

Performing Arts

Outer Space

Family

Fish

Aerial

Food & Drink

Cats

Юмор

Каллиграфия

Дом

Путешествия

Собаки

Автомобиль

Свет

Сельская жизнь

Узоры

Sailboat

Seasons

Automobile

Time

Cinema

Sport

Kids

Sports

Science/Technology

Comics

Science

Politics

Health & Beauty

Ship

Language

Транспорт

Бизнес

Велосипед

Технологии

Типография

Образование

Коровы

Самолет

Cuisine

Train

Aeroplane

Wall

Yacht

Kitchen

Motorcycle

Bike

Motorbike

Motor

Show More

---

Medium

Acrylic

Oil

Watercolor

Ink

Краска

Аэрозольная краска

Грунтовка

Пастель

Гуашь

Бумага

Цвет

Карандаш

Digital

Marker

Charcoal

Enamel

Tempera

Graphite

Airbrush

Household

Resin

Wood

Fabric

Wax

Chalk

Plaster

Metal

Textile

Black & White

Шариковая ручка

Фото

Найденные предметы

Латекс

Манипуляции

Conte

Пластик

Stencil

Glass

Fiber

Stone

Clay

Screenprinting

Full spectrum

3D Sculpting

Vector

Neon

Environmental

Monotype

Encaustic

Paper mache

Gelatin

Мозаика

Керамика

Ксилография

Перенос краски

C-тип

Мрамор

Silverpoint

Бронза

Photogram

Interactive

Engraving

Lights

Crayon

Algorithmic Art

Steel

Timber

Rubber

Fiberglass

Lithograph

Leather

Fractal

Etching

Linocuts

LED

Aquatint

Kinetic

Platinum

Drypoint

Polaroid

Sound

Granite

Giclée

Pottery

Robotics

Taxidermy

Lenticular

Pinhole

Pen and Ink

Mezzotint

Decoupage

Show More

---

Material

Canvas

Paper

Other

Wood

Картон

Мягкий (пряжа, хлопок, ткань)

Пластик

Алюминий

Стекло

Углеродное волокно

Бронза

Steel

Stone

Ceramic

Iron

Marble

Stainless Steel

Acrylic

Sound

oil

Linen

canvas board

oil paint

Panel

Paint

Resin

Ink

Акриловая краска

Деревянная панель

ДВП

Акварель

Сусальное золото

МДФ

Холст

Штукатурка

Mixed Media

Акрил на Canvas

Lenen Canvas

Varnish

Silk

Gesso

Масло на Can

Пастель

Бумага для акварели

Карандаш

Мастихин

фанера

нить

Акрил на холсте с галерейной намоткой

Stretched Canvas

Plexiglass

Watercolour

Oil Paints

Oil Pastel

Collage

airbrush

Papyrus

Wool

Fiberboard

Graphite

metal

handmade paper

khác

Canvas mounted на раме носилок

рисовая бумага

вода

мазонит

воск

стекловолокно

пчелиный воск

Brushes

Frame

Nails

Raw Canvas

gold

Texture

pigments

Canvas paper

Marble Dust

Sheet Music

dvp

vintage page

Leinwand

Epoxy

Marker

Масляная краска

Газета

Гипс

Эмульсионная краска

Оксид железа

Масло

Акрилико

Юпо бумага

Show More

---

Under $500

$500 – $1,000

$1,000 – $2,000

$2,000 – $5,000

$5,000 – $10,000

Over $10,000

Select Custom Price

---

Small

Medium

Large

Oversized

Выберите нестандартный размер

---

Ориентация

Горизонтальная

Вертикальная

Квадратная

---

---

Страна исполнителя

США

United Kingdom

Russia

Germany

Ukraine

France

Italy

Canada

Spain

Netherlands

Australia

Poland

India

Romania

Turkey

Serbia

Hungary

Болгария

Южная Корея

Греция

Израиль

Швейцария

Португалия

Бельгия

Бразилия

Mexico

Argentina

Czech Republic

Austria

South Africa

Ireland

China

Slovakia

Latvia

Georgia

Japan

Belarus

Sweden

Lithuania

Indonesia

Croatia

Вьетнам

Армения

Норвегия

Пакистан

Чили

Дания

Колумбия

Finland

New Zealand

Moldova

Thailand

Slovenia

Estonia

Kazakhstan

Cyprus

United Arab Emirates

Singapore

Egypt

Nigeria

Uruguay

Hong Kong

Macedonia

Филиппины

Малайзия

Шри-Ланка

Азербайджан

Венесуэла

Черногория

Коста-Рика

Taiwan

Lebanon

Bangladesh

Peru

Kenya

Ecuador

Ghana

Luxembourg

Albania

Bosnia and Herzegovina

Iceland

Malta

Uzbekistan

Morocco

Jordan

Puerto Rico

Малые отдаленные острова США

Кыргызстан

Саудовская Аравия

Катар

Тринидад и Тобаго

Dominican Republic

Saint Martin

Bahrain

Tunisia

Kosovo

Uganda

Panama

Jamaica

Palestinian Territory

Show More

---

Featured Artist

Saatchi Art Catalog

Inside The Studio

Rising Stars

One To Watch

The Other Art Fair

---

Искать Лимитированное и открытое издание
Репродукции для продажи

Природа 36

картины, 35,4 Вт x 35,4 H x 1,6 D в

$ 3 210

Лента 04

, 24,8 Вт x 32,7 H x 1,2 D. W X 23,6 H x 0,1 D в

$ 1,090

Отпечатки от 57

MindStream #157

, 15,6 W X 21,5 H x 0 D в

$ 710

Отпечатки $ 60 9000 3

Rosenthaler $ 710

отпечатки $ 60 9000 3

Rosenthaler $ 710

. 44,9 Вт x 59.1 H x 0,4 D в

$ 6 260

Весенний нежный дождь

Картины, 54 Вт x 28 H x 0,1 D в

$ 2600

Отпечатки от 80

Четыре угол 01

, 39,4 Вт. x 1.6 D in

$2,870

BLUSH

Paintings, 78.7 W x 70.7 H x 1.8 D in

$12,000

ALEBRIJE No.16

Paintings, 74.8 W x 74. 8 H x 2 D in

$8,410

Ручейный цветок (100–100 см)

Картины, 39.4 Ш x 39,4 В x 1,2 Г, дюйм

3 394 долл. США

Отпечатки от 134 долл. США

Символы 150 x 100 см.

Paintings, 39.4 W x 59.1 H x 0.8 D in

$1,520

Prints from $40

bananas

Paintings, 39.4 W x 55.1 H x 0.8 D in

$2,110

Balls and Stripes

Paintings, 47.2 Ш x 47,2 В x 1,6 Г в дюймах

4 950 долл. США

Репродукции от 70 долл. США

Краш

Картины, 39,4 Ш x 39,4 В x 1,6 Г в

$ 1,070

Punt

Картины, 12 Вт x 12 H x 1,5 D в

Sun King

, 20 Вт x 20 ч x 1,5 D в

Linger

, 11 W x 15 ч. D В

$ 240

Отпечатки от 40

Миральный декабрь – минимальный синий абстрактный абстрактный D in

1560 долларов

Идеальный шторм (диптих)

картин, 60 Вт x 22 H x 0 D в

$ 1 200

Черная красавица с серьгой

картин, 23,6 Вт x 31,5 ч x 1,4 дня в

$ 2210

Припечатки от 61

синяя пружина.

Картины, 12,6 Ш x 16 В x 0 Г в

Цвет 72

Картины, 82,7 Ш x 78,7 В x 1,2 Г в

1900 $

The Island, Series 30 W x 6s, #7

3 В x 1,5 Г, дюйм

1180 долларов

Счастье навсегда

картины, 58,3 Вт x 78,1 H x 0,1 D в

$ 8 701

---

Угол-лег

12345

Право на угол

1-25 из 2472,801 картины

25 Результаты на страницу 9000 3

25 Результаты. На странице

25 результатов на странице50 результатов на странице100 результатов на странице

---

Уменьшите количество результатов

Стиль

Изобразительное искусствоАбстрактноеСовременноеСтрит-артПоп-артИмпрессионизмФотореализм

Тема

ПортретПейзажПриродаНатюрмортПляжОбнаженнаяЦветыЖивотное

Материал

МаслоАкварельАкрилАэрографЦветныеЧернилаЛатекс

Похожие запросы

История живописи. Эволюция искусства

Как была изобретена живопись

История живописи. Живопись возникла в доисторические времена, когда кочевники рисовали на скалистых стенах. Они рисовали углем, оставляя следы в пещерах, через которые проходили.

Недавнее открытие, сделанное в Испании, показало, что самые старые обнаруженные на сегодняшний день картины, сделанные людьми, были сделаны более 42 000 лет назад.

История живописи – наскальное искусство

Кто написал первую картину?

Первая картина была сделана первобытными людьми, предположительно, Homo Neanderthalis в доисторическую эпоху. Археологические раскопки, проведенные в Европе, Африке и Азии, показывают, что первобытные люди были первыми художниками и скульпторами и демонстрировали с помощью этих искусств свою повседневную жизнь.

Археологи и антропологи изучали и датировали эти находки. Куски, извлеченные при раскопках, являются историческими документами, подлинными свидетельствами начала жизни человека в далекие времена и исчезнувших культур.

Недавнее открытие в пещере Нерха в Малаге, Испания, обнаружило картины возрастом более 42 000 лет, и они могут изменить наши представления об эволюции человечества.

История живописи – Живопись в пещере Нерха, Малага – Испания

Картины были найдены в пещерах Нерха, в 60 км к востоку от Малаги, в южной части Андалусии.

До сих пор археологи считали, что самое древнее искусство было создано в ориньякский период современными людьми.

Но они намного старше, гораздо более примитивны, чем те, что находятся в пещере Шове-Пон-д’Арк (самые старые рисунки, обнаруженные до сих пор, и им 32 000 лет)

История живописи – Пещера Шове-Пон-д’Арк

Мы думаем, что история искусства была исключительной для эволюционировавших людей, что наша чувствительность была «внутренней частью нас самих, разумных, потому что мы думаем, что мы мыслители». Этот вывод, если его подтвердят дальнейшие испытания, доказывает, что идея, ориентированная на разум, ошибочна.

Согласно имеющимся научным данным, эти изображения могли быть сделаны только Homo Neanderthalis, а не Homo Sapiens, что было совершенно немыслимо до этого открытия.

«Угли были рядом с тюленями, что не имеет аналогов в палеолитическом искусстве», и мы знаем, что неандертальцы питались тюленями. «И в этой части Пиренейского полуострова нет никаких признаков существования человека разумного, — говорят ученые.

Живопись Эволюция человека

Исследователи считают, что эта пещера была одним из последних мест в Европе, где нашли убежище неандертальцы, жившие от 120 000 до 35 000 лет назад.

Где была сделана первая картина?

Считается, что первая картина, известная также как наскальная живопись или наскальная живопись, была сделана в укрытиях, пещерах, которые кочевники использовали для защиты.

Первые росписи были нанесены на стены и потолки пещер.

Эти первые картины, обнаруженные археологами, представляют собой яркие картины с использованием более трех цветов. Это картины, которые пытались максимально реалистично имитировать природу, основанную на наблюдениях, сделанных во время охоты. В пещере Альтамира в Испании находится наскальный рисунок Бизона (предка Коровы), который впечатляет своими размерами, объемом и использованием техники светотени.

История наскальной живописи — Альтамира

В других местах рисунки, сделанные людьми, подчеркивают успехи охотников, в других — животные, отмеченные стрелами.

Какими бы ни были оправдания, желание заниматься искусством или желание запечатлеть повседневную жизнь того времени, наскальные рисунки, сохранившиеся на протяжении тысячелетий, позволили нам сегодня превратить эти места в первые музеи человечества.

Большая часть этих обнаруженных картин представляют собой фигуры животных, растений, предметов с разной степенью реалистичности, также встречаются графические и абстрактные изображения, сложные сцены, многие археологи и ученые обсуждают смысл этих картин. Но в целом они думают, что они могут быть связаны с ритуалами, призванными привлечь удачную охоту, плодородие, отогнать опасность или просто придать символический язык идеям, чувствам или повседневной жизни.

История живописи

Каково происхождение живописи?

Происхождение живописи в том виде, в каком мы ее знаем сегодня, историки считают, что она зародилась в период неолита, (X тысячелетие до н. Греции и усовершенствовали позже римляне.

Около 3000 г. до н.э. в континентальной Греции начали появляться небольшие деревни, и там началась традиция росписи керамических изделий, таких как вазы и горшки.

Со второго тысячелетия до н.э. в городе Крит сложилось монархическое общество со сложной урбанизацией, даже с дворцами, и там появляются первые признаки настенной росписи, но мало что сохранилось во времени.

Фреска «Прыгающий бык»

Эта фреска, часть Кносского дворца на Крите, Греция, была написана около 1400 г. до н.э.

Возникали города, и критские образцы настенной росписи стали стандартом для всей этой области. Были построены дворцы и большие здания, а стены были расписаны в фигуративном стиле, смешанном с геометрическими узорами, с изображением людей в различных видах деятельности, таких как сцены поклонения, игры, дворцовые церемонии, а также животные и пейзажи.

Местре Дипилон – Вазы, расписанные так называемым местре Дипилоном, знаменуют собой высшую точку геометрического периода и являются одними из древнейших форм погребального памятника.

Примерно в 11 веке до н.э. в Древней Греции развивалась живопись и привносилась несколько нововведений.

Развитие визуальной перспективы и объемного затенения для придания трехмерной глубины изображению сложных сцен. Картины стали более реалистичными, помимо того, что они разработали более естественную и идеалистическую модель человеческого тела, которая до сегодняшнего дня стала великой традицией для основы живописи, которую мы знаем сегодня.

В то время использовались такие материалы, как темперирование на яичной основе, эмалирование на основе воска, еще одно греческое новшество, и париетальная фреска с использованием минеральных и растительных пигментов в водной среде.

Предпочтительными цветами были белый, черный, охристо-желтый и красный; зеленый и фиолетовый были менее постоянными и менее используемыми тонами, а синий был очень дорогим, его производили путем измельчения полудрагоценного камня, лазурита.

История живописи – Саркофаг амазонки и похищение Персефоны

Все эти приемы и мотивы стали основой и основой римской, а затем и западной живописи, и до сих пор широко используются в практике современной живописи.

Искусство живописи стало вирусным, когда образовались города и общества, а также несколько школ, соперничающих друг с другом.

Многие художники, такие как Агатарх, Полигнот, Апеллес и Зевксис, прославились, их работы стоили целые состояния и жадно собирались греками и римлянами. Несмотря на свою важность, он известен в основном только своим наследием римлянам, которые позже передали его в недавние времена.

Раскрашенная деревянная табличка, найденная в Коринфе. 6 век до н.э. Национальный археологический музей Афин

Именно римляне обязаны большей частью своих нынешних знаний о том, что такое греческая живопись, из-за значительной потери материальных предметов из-за стихийных бедствий, разрушивших греческие города и все в них, они были только те, кто учился у греков, как их рисовали.

Хотя греки оставались основным ориентиром на протяжении всей истории римской живописи, римляне смогли привнести в общепринятую традицию свои собственные прочтения, создав индивидуальный язык и создав новые композиции.

Картина Свадьба Зефира и Клорис, Дом Навильо, Помпеи

Римляне провели греческие исследования трехмерности и построили городские сцены большой архитектурной и пространственной сложности, с впечатляющим пластическим эффектом и иллюзией, которые были написаны в несколько больших пространства, такие как аристократические дворцы и деревни. Они придавали большое значение пейзажу и натюрморту.

Они придавали большое значение пейзажу и натюрморту.

Его заключительные этапы показывают влияние восточного и египетского искусства и развили пышный и элегантный стиль, называемый «барокко».

Рубенс: Последствия войны 1637-38 гг. Палаццо Питти, Флоренция

Картины, вставленные в архитектурные декорации, демонстрируют любовь к деталям и сцены большой выразительной силы. Помимо фресок, римляне были пионерами и использовали другие типы материалов для выражения живописи, такие как ткань, дерево, слоновая кость, металл, камень и холст.

Наказание Иксиона: Дом Веттиев, Помпеи, Четвертый стиль (60–79 гг. Н.э.).

В конце своего пути, возможно, из-за растущего христианского влияния, они отказались от греческой ссылки. Скорее, то, что так присутствовало, как обнаженные люди и натуралистическое изображение, уступает место более иератическому и схематичному стилю, который позже служит основой для палеохристианской живописи.

История живописи

Раннехристианская живопись была водоразделом между живописью античности и средневековья, и она по-прежнему давала много субсидий художникам эпохи Возрождения, неоклассицизма и романтизма.

Древнейшее известное изображение Марии с Младенцем Иисусом. (2 век, катакомбы Санта-Присцилла, Рим)

История живописи

Какое значение имеет живопись?

Важность живописи обусловлена ​​тем, что она так же стара, как история человечества. Историки, философы, антропологи пытаются найти ответы на вопросы о нашем собственном существовании, и живопись — это один из способов, которыми они пытаются объяснить развитие вымерших цивилизаций и культур.

«Мы понимаем историю человечества через искусство»

Начиная с наскальных рисунков, сделанных первобытными народами, человек пытается выразить свои убеждения, свою деятельность, свою повседневную жизнь и то, как он видит окружающий мир. Вот почему историю искусства обычно организуют в периоды, следующие за самим развитием цивилизаций.

Реконструкция Australopithecus afarensis, гоминида, развившего прямохождение, но не имевшего большого мозга современного человека.

После роста христианства среди римлян они отказались от классического греческого стиля живописи и разработали живопись со своим собственным, более сложным языком, добавляя сценарии, пейзажи, натюрморты, которые позже послужат основой для того, что мы знаем. сегодня как Картина Модерн.

Тони Робер-Флери (1837-1911) – Последний день Коринфа – Робер-Флери описывает момент, когда римская армия вошла в разграбленный город.

Живопись настолько важна, что стала одной из основных форм изображения и общения от первобытных народов через эпоху Возрождения до наших дней.

Битва при Сан-Романо, часть войн между Сиеной и Флоренцией. Картина Паоло Уччелло , 1438 год, Лондонская национальная галерея

. Начиная с 19 века, с началом промышленной революции, станковая живопись потеряла свой рынок из-за появления фотографии.

И благодаря Художественным галереям она снова получает место, настолько, что живет своим пиком, художники начинают узнаваться в разных частях мира благодаря выставкам.

Анри Матисс, Galerie Maeght / Le Noir est un Couleur, 1946 / Энди Уорхол, Выставка величайшей звезды века, 1974

Благодаря эволюции современного искусства и новых технологий художники адаптировали методы, создавая новые формы представления и визуального выражения.

Некоторые художники экспериментируют с живописью с другими формами искусства, такими как, например, фотография, создавая коллажи и гравюры, таким образом рождаются новые направления в живописи, такие как дадаизм и поп-арт, создавая новые формы представления и визуального выражения.

В настоящее время живопись как никогда важна и ценится различными профессионалами, использующими ее в качестве основы для своей работы, такими как:

Дизайнеры, стилисты, иллюстраторы

Живопись преодолела территориальные и технические барьеры, заново изобрела себя на протяжении тысяч лет, от наскальной живописи до поп-арта, мы можем сказать, что важность живописи заключается в том, что она стала для человечества способом самовыражения и что она повлияла на нашу культуру, даже на политику и экономику.