Картина из гипса: как сделать своими руками

Если речь идет о постройке дома с нуля или же просто о ремонте – внимание должно быть уделено, как внешней, так и внутренней его отделке. Неправильно, когда все внимание уделяется исключительно внешнему виду здания, ведь на то, какая атмосфера будет царить внутри дома, влияет внутренний интерьер. Исходя из этого, можно понять, что декор может быть нескольких типов:

Фасадный декор (внешняя часть здания)

Фасадный декор – этот вид декора способен подарить внешнему виду постройки нужный шарм, иногда солидность, и сделать его особенным, по сравнению с другими зданиями, которые его окружают. Важно следить за тем, чтобы внешний вид здания был опрятным и элегантным, ведь как говорят – «встречают по одежке!». Фасад любого здания и есть его одежка, поэтому, не обращать на него внимания – значит делать ошибку. Многие полагают, что между фасадным и интерьерным видом декора нет никаких связующих линий, но это не так! Сегодня часто можно встретить дома, фасадный декор которых имел сильное влияние на внутренний.

Интерьерный (внутренний) декор

Интерьерный (внутренний) декор – грамотно подобранные декоративные элементы – залог комфортной и уютной обстановки дома. Каждому человеку приятно проводить время в роскошно — обставленном помещении, где все, даже самые мелкие детали идеально вписываются в общую картину и дополняют друг – друга, даже если им характерны разные стили.

Какие декоративные элементы можно использовать

Сегодня, посетив строительные магазины, на полках можно найти огромное количество различных декоративных элементов, которые могут быть использованы как при фасадном, так и при интерьерном декоре. Среди них часто выделяют:

• статуи, скульптуры, колонны;
• цветы из гипса;
• декоративные фонтаны и водопады;
• декоративное дерево;
• гипсовое панно;
• перила;
• карнизы и многое другое.

Изделия из гипса для украшений

На сегодняшний день, для фасадного и внутреннего декора актуальной является лепнина из гипса. Гипс – материал, с которым очень удобно работать и создавать различные изделия:

• цветы,
• панно,
• картину,
• рамку для картин или панно,
• любую часть для скульптур: руку, ногу, и многое другое).

Как сделать украшения из гипса своими руками?

Сегодня каждый желающий имеет возможность посетить специальные мастер – классы, на которых мастера – педагоги рассказывают и показывают, что можно сделать из гипса своими руками. С помощью таких курсов, человек получает возможность ознакомиться с разными техниками работы, получает все необходимые навыки и знания.

Для того чтобы создать гипсовую картину, стоит запастись следующими приспособлениями:

1. Губка.
2. Карандаш (для создания эскиза).
3. Прозрачная пленка.
4. Кисти.
5. Краски.

Консультация с профессионалами

Каким бы сильным ни было желание создать картину своими руками, без определенных навыков и умений в этой области можно просто не получить желаемого результата. Но всегда можно обратиться к мастерам. Выбирая помощь профессионалов, Вы получаете не только гарантию качества декоративного изделия, но и кроме этого, возможность получить консультацию и ценные советы, которые пригодятся в дальнейшем при декоре помещений.

Картина-барельеф на гипсокортоне | Мастер класс

Картина-барельеф на гипсокортоне | Мастер класс

Барелье́ф — это разновидность скульптурного выпуклого рельефа, в котором изображение выступает над плоскостью фона не более, чем на половину объёма. Делаются изображения из различных материалов, это может быть глина, штукатурка и т.д.
Барельефы начали делать ещё до н.э., первые барельефы высекали на скалах, также и в наше время барельеф стал достаточно распространён. Сегодня мы с вами рассмотрим мастер класс по барельефу и научимся делать красивую картину на гипсокартоне, а научит нас и покажет как правильно всё сделать Светлана Кириченко.

Для изготовления картины барельеф потребуется:
* Штукатурка.
* Лак на водной основе.
* Веревочка чтобы посетить картину.
* Инструменты.
* Рамка.
* Жидкие гвозди.
* Карандаш.
* Сетка-серпянка.

* Малярный скотч.
* Гипсокартон.
* Акриловые краски.
* Кисти.
* Губка.

Способ изготовления барельефа:
Для изготовления барельефа возьмем вот такую штукатурку и лак на водной основе.

Также приготовим инструменты и верёвочку чтобы потом повесит нашу картину.

В куске гипсокартона делаем две дырочки.

Продеваем веревочку и завязываем веревку на лицевую сторону (узелок для удобства сдвигаем в сторону).

Вот и штукатурка, уже готовая к применению.

Мажем штукатуркой и накладываем на неё сетку-серпянку.

Замазываем сетку полностью и даем ей высохнуть.

А это вид сзади.

Рисуем эскиз картины карандашом.

Сверху на гипсокартон клеим на жидкие гвозди раму (здесь Светлана взяла пластиковый молдинг, а муж помог, отпилил уголки под 45*).

Раму заклеиваем малярным скотчем и начинаем лепить….

Вот такая картина-барельеф должна в итоге получится.

Немного пошкурим, чтобы стало гладко.

Край гипсокартона мажем штукатуркой.

Вот такой краешек должен получится….. Потом его надо будет подкрасить под цвет рамы…

А сейчас начинается все самое интересное и цветное !!!! Светлана использовала для раскрашивания акриловые краски.

Сначала закрасим фон у картины.

На фон наносим немного теней губкой и красим все листочки.

Зеленый цвет может быть разным, по вашему желанию ))))

Покрасили все листочки и можно добавить оранжевого цвета.

Вот так очень красиво получается.

Продолжаем наносить различные оттенки и цвета на картину-барельеф.

Добавим объемчик.

Вот готов ананас и виноградик.

А это рисуем другой сорт винограда.

А вот так появляются фрукты.

Рисуем картину на наш вкус и желание.

А вот и готовый вид…..Сверху покрываем лаком . Все картина-барельеф готова. Размер картины 1 м. Х 70 см.

Благодарим автора за увлекательный мастер класс по барельефу и ждём новых интересных идей.

Copyright © Внимание! Сайт mnogo-idei.com защищен законом об авторском праве. Копирование текста и фотографий может быть использовано только с разрешения администрации сайта и указанием активной ссылки на сайт. 2018 Все права защищены.

цветные фигурки. Мастер-класс > Поделки своими руками для детей на Саблезубка.ру

27 августа 2013    20

У меня дочь обожает возиться с гипсом – всегда сама с удовольствием достает из шкафа гипс, тащит внушительных размеров коробку на кухню, перемешивает раствор.

Мы обычно заливали всякие гипсовые фигурки и потом их расписывали гуашью. Но захотелось чего-то новенького. И решили мы покрасить не готовую фигурку, а сам раствор.

• Гипс или алебастр (продается в строительных магазинах)
• Гуашь (можно старую и засохшую)
• Вода
• Палочка или ложка для перемешивания
• Формочки для заливки
• Ёмкость для раствора (у меня пластиковая баночка)

Я использовала силиконовые формы – они идеальны для гипса, т.к. гипс может крошиться, если его вынимать не очень осторожно, а из силиконовой формы готовая фигурка выходит легко, что очень важно для ребенка. Раньше мы использовали обычные детские формочки для песка и из некоторых затейливых формочках было особенно сложно выковырять гипсовую фигурку, не повредив её. Силиконовые формы я также использую и для мыловарения.

Сначала наливаем в ёмкость немного воды, потом постепенно насыпаем нужное количество гипса – я сыплю “на глазок”.

Вода в начале нужна для того, чтобы гипс не давал облака гипсовой пыли – он хоть и экологически безвреден, но лишний раз дышать им смысла нет. Затем, помешивая, разводим водой до консистенции жидкой сметаны и можно заливать в формочки.

Для цветных поделок сначала я развела старую гуашь.

В баночку налила немного теплой воды, закрыла крышкой и тщательно потрясла для лучшего растворения гуаши.

Теперь выливаем в нашу емкость для приготовления раствора содержимое разведенной гуаши.

Насыпаем гипс.

Перемешиваем до тех пор, пока не уйдут комочки.

Консистенцию раствора я делаю как у жидкой сметаны. Если делать гуще, то ребенок толком и помешать раствор не успевает, также можно не успеть залить формочки, если количество раствора большое. А если раствору будет “перебор” с жидкостью, она просто скапливается вверху в уже залитой формочке. Её можно аккуратно слить или же, если гипс ещё жидкий, то аккуратно положить в формочку уголок тонкой салфетки – она быстро впитает ненужную влагу.

Теперь заливаем гипс в форму. Зелененькими мы сделали вот таки листочки.

И теперь, когда листочки залиты – ставим на просушку.

Немного зеленого раствора осталось – дочка захотела из залить сердечко.

Мы с ребенком, как правило, делаем поделки вечером, часа через 2-3, пока поедим, мультики посмотрим, помоемся, спать уляжемся – и гипс засох. Если влаги нет в формочке, значит можно уже вынимать готовые фигурки из формы.

Вот в такую формочку мы решили залить синий раствор.

Также мы использовали старую гуашь – баночка была почти пустая, лишь сухие остатки краски по бокам – разбавили водой.

В полученную синюю жижу добавляем гипс.

Тщательно перемешиваем.

И заливаем в форму.

И на “десерт” у нас осталась формочка с кошкой.

Дочь, особо не мучаясь с выбором цвета решила в розовой форме сделать розовую кошечку.

В расход пошла, опять, же старая засохшая красная гуашь.

Добавляем гипс и перемешиваем.

Заливаем в форму.

И у нас осталось немного раствора, и мы его залили в плоскую круглую плошку.

Вот уже просохшие поделки из гипса в формах.

Вот результат наших трудов.

На одном из листиков виден небольшой скол – это кусок плохо растворившейся гуаши.

Красивый голубенький цветочек решили не расписывать, а оставить как есть.

Кошечка получилась не такая яркая, как хотелось, но дочка все равно осталась довольно результатом.

Ну а “тарелочка” ждет своего часа, чтобы её расписать.

В процессе изготовления поделок из гипса ребенок

• Совершенствует навыки работы с сыпучими материалами
• Повторяет / изучает цвета
• Развивает мелкую моторику

Расскажи друзьям

Рельефная роспись своими руками из декоративной штукатурки (фото и пошаговое описание) | Сделай сам

МЕТОДИКА ДЕКОРАТИВНОЙ ШТУКАТУРКИ ПОЗВОЛЯЕТ СОЗДАТЬ ИНТЕРЕСНЫЕ ФАКТОРСКИЕ ИЗОБРАЖЕНИЯ, РАЗНЫЕ ПО ОБЪЕМУ И РАЗМЕРУ. ЭТО МОЖЕТ БЫТЬ ПАНЕЛИ, ФОТОГРАФИИ, ОТДЕЛКА МЕБЕЛИ ИЛИ СТЕН ВНУТРИ ПОМЕЩЕНИЯ. Эта техника не слишком сложна, хотя требует определенной усидчивости и навыков. МАСТЕР ТАША РОМАНОВА ЖЕНА МАСТЕРА ВО ВСЕХ РУКАХ СЕРГЕЯ РОМАНОВА ИЗ D. MOVA PREMRIA REGION ПРЕДЛАГАЕТ освоить азы этого вида творчества.

Понадобилось: кусок ДСП размером 40х40 см, бумажная лента, канцелярский нож, шпаклевка (для отделочных работ), мастихин, краски акриловые, кисти (щетина) наждачная бумага (мелкое зерно), лак на водной основе, два винта, проволока.

ИЗОБРАЖЕНИЕ СВОИМИ РУКАМИ – ПОШАГОВАЯ

1. Работа начинается с разработки эскиза. Вы можете использовать свой рисунок или сделать рисунок по фотографии. Для первой работы лучше выбрать простую небольшую композицию, чтобы прочувствовать технику, ее возможности и трудности.

2. Основной принцип техники – создание желаемого декоративного рельефа на ограниченном трафаретом участке. Последний сделан из бумажной ленты. Если контуры изображения неровные, используйте скотч (лучше иметь рулоны разной ширины), приклейте нужную поверхность (с нахлестом 2-3 мм), скальпелем или канцелярским ножом срежьте необходимый изгиб (фото 1, 2)

3. Далее замазываем место, освобожденное от бумажной ленты. Мастихином создаем желаемую фактуру (фото 3). Сразу после нанесения шпатлевки аккуратно снимите скотч. Это нужно сделать до высыхания нанесенного рельефа.

4. Все текстуры выполнены мастихином. Хорошо использовать в работе разные текстуры, при этом каждую из них лучше применять не один раз. Например, волосы ангела, крыша дома и трава имеют схожую текстуру. Ангельские перья и элементы разных цветов. В результате работа будет смотреться более гармонично.

5. Когда работа высохнет, по ее поверхности можно пройтись наждачной бумагой.Жесткой кистью смести пыль и крошки и приступить к покраске (фото 4). Для работы выбрал приглушенный бежево-коричневый цвет. Чтобы не ошибиться, лучше заранее нарисовать эскиз в цвете.

6. Сначала цвета очень яркие и жесткие. Но вся прелесть декоративной штукатурки в том, что с ее помощью наждачной бумагой можно удалить часть краски (верхний слой) и придать приглушенный цвет. В углублениях шпатлевки остаются частички краски, а интересные рельефы поверхности подчеркиваются белесыми пятнами.

7. Последний этап – покрытие работы лаком. Есть пара тонкостей. Сначала покрываем белые участки, иначе краска более темных тонов может оставить разводы на светлом фоне. Во-вторых, лак нужно наносить либо губкой, либо кистью аккуратными небольшими движениями, иначе могут остаться цветные следы. Обычно я покрываю работы в 2-3 слоя с промежуточной сушкой. С обратной стороны рисунка прикручиваем два коротких самореза и наматываем к ним провод. Готовый шедевр вешаем на стену.

ФОТО ИЗ АКРИЛОВОЙ ШТУКАТУРКИ И КРАСКИ – ФОТО

---

Смотрите также: Мозаичная роспись своими руками

---

ОБЪЕМНОЕ ИЗОБРАЖЕНИЕ ИЗ ДЕКОРАТИВНОЙ ШТУКАТУРКИ – ВИДЕО

Записал Николай Головачёв. Фото Таши Романовой

ИНСТРУМЕНТЫ ДЛЯ МАСТЕРОВ И МАСТЕРОВ, И ТОВАРЫ ДЛЯ ДОМА ОЧЕНЬ ДЕШЕВЫЕ. БЕСПЛАТНАЯ ДОСТАВКА. ЕСТЬ ОТЗЫВЫ.

Ниже другие записи по теме «Как сделать своими руками – домохозяину!»

---

Подписывайтесь на обновления в наших группах и делитесь.

Давай дружить!

Полное руководство по различным художественным средам – ​​ARTDEX

«Кто работает руками, головой и сердцем, тот художник» – Святой Франциск Ассизский

На протяжении всей истории искусства люди использовали различные материалы для самовыражения. Художники всегда выбирали концепции и техники, соответствующие их навыкам и художественному выражению. Этот квест начался с пигментированного порошка, который использовался для рисования на стенах пещеры Альтамира, и прошел долгий путь к внедрению современных технологий в создание искусства.

Наш полный справочник по художественным средствам проинформирует вас о различных художественных материалах, которые люди использовали с течением времени. Это также укажет на то, на чем вы должны сосредоточиться при выборе идеального носителя для вашего изобразительного искусства. Следующая статья поможет вам выбрать наиболее подходящую вам художественную среду, независимо от того, начинаете ли вы художественную карьеру, выбираете художественную школу или хотите заново изобрести свой художественный стиль.

Фрагмент из “Идеализированного портрета дамы” (1480 г.), яичная темпера на панно из тополя, работы САНДРО БОТИЧЕЛЛИ (1445-1510) | Источник: artyfactory.ком

Различные типы традиционной живописи и стилей рисования

Из-за большого разнообразия техник рисования и стилей рисования, средства рисования и инструменты рисования требуют отдельного раздела в любом исчерпывающем руководстве по различным средствам искусства. Есть множество поверхностей, на которых можно рисовать и рисовать.

Темпера

Темпера – это термин, обозначающий краску, смешанную со связующими материалами, такими как яичный желток, и описывающий стиль рисования и художественную среду.Этот материал делает темперу быстросохнущей и долговечной художественной средой, о чем свидетельствуют работы темперы, относящиеся к I веку нашей эры

.

Масляная живопись

Это традиционная художественная техника, которая начала признаваться в качестве художественной среды в Европе 15 века. Масляные краски, как следует из названия, обычно содержат льняное масло, благодаря которому они сохнут медленнее, чем другие. Продолжительное время высыхания является преимуществом использования масляной живописи в качестве художественной среды. Он предлагает художникам возможность изменить некоторые сегменты своей работы или нарисовать другую сцену в целом, добавив еще один слой краски на холст.

Акриловая краска

Что касается времени высыхания, то акриловые краски сохнут быстрее, чем масляные краски, и после высыхания они становятся водостойкими. Однако вы можете растворить акриловую краску водой перед тем, как нанести ее на холст, чтобы добиться эффекта гуаши или акварели. Рисование акрилом позволяет художникам добавлять слои или текстуры к своим произведениям, усиливая глянцевитость и придавая им глубину. Или они могут добавить воду, чтобы добиться матового эффекта на своих картинах.

Акварель

Использование акварельной краски в качестве художественного средства может быть сложной задачей для начинающих в мире искусства. Многие художники любят акварель из-за кажущейся бесконечной цветовой палитры. После того, как вы нанесете их на бумагу, вы мало что сможете сделать, чтобы изменить результат. Однако акварель придает картинам полупрозрачность и идеально подходит для фиксации смены света.

Древесный уголь

Это один из старейших художественных средств рисования.Угольные палочки сделаны из порошкообразного органического материала, связанного воском или жевательной резинкой. Углем можно делать бледные линии или сильные, выразительные. Этот художественный материал легко стирается, поэтому рекомендуется наносить фиксирующие средства на рисунки углем, чтобы обеспечить долговечность произведениям искусства.

Пастель

Эти художественные среды состоят из красочного пигмента, аналогичного пигментам масляных красок, и связующего материала. Использование пастели в рисовании и живописи стало популярным в 18 веке.Художники могут использовать комбинацию разных пастелей в зависимости от желаемого эффекта. Например, мягкая пастель отлично подходит для смешивания, в то время как вы используете твердую пастель для создания резких контуров или набросков более крупной композиции. Существуют также панастели, современная версия этой художественной среды, наносимая мягкой губкой. Вы можете работать с масляной пастелью, которая обеспечивает интенсивность цветов, или с водорастворимой пастелью, если вам нужны более тонкие слои полупрозрачных цветов, которые легко смешиваются.

Мел

Вот еще один органический материал, который художники использовали для рисования с эпохи палеолита. Художественный мел обычно бывает трех вариантов: черный, белый и сангина, в зависимости от материала. Черные мелки содержат мягкий черный камень, белые – из известняка, а сангина – красную охру. Мел изначально использовался для создания эскизов, но в эпоху Возрождения стал независимым художественным средством.

Карандаши графитные

Они использовались в качестве художественной среды с 17 века во Франции. Вы можете использовать графит для рисования, обводки или штриховки. Существуют графитовые карандаши различной твердости, которые можно использовать для создания изобразительного искусства. Это удобный художественный носитель, потому что он позволяет переделывать вашу работу, стирая части рисунка или всю работу.

Карандаши цветные

В детстве все использовали цветные карандаши для рисования и раскрашивания, делая первые попытки проявить себя творчески. Цветные карандаши прошли долгий путь от детской игрушки до профессионального художественного средства.Они завоевали значительное внимание и уважение в мире современного искусства благодаря многочисленным преимуществам, которые они предлагают. Рисунки цветных карандашей выразительны, глубоки и люминесцентны. В то же время эта художественная среда дает художникам возможность создавать фотографически реалистичные произведения искусства.

Перо и чернила

Это также знакомая художественная среда, где вы используете перо для обводки и добавления цвета в художественные формы, такие как перьевой рисунок или рукописный текст и каллиграфия. Вы можете выбирать между различными типами ручек, такими как графические ручки, перьевые ручки или ручки для рисования, в зависимости от того, что вы хотите с ними делать. Чернила – мощное, но неумолимое средство для рисования, поэтому вам действительно нужно овладеть навыками рисования чернилами, прежде чем вы начнете с их помощью. Что делает рисунки, выполненные пером и тушью, такими выразительными, так это соотношение пустых и заполненных чернилами пространств на бумаге.

Сейчас мы собираемся двигаться дальше и исследовать, какие другие виды художественной среды использовали художники на протяжении всей истории для выражения своих идей и эмоций.

Уникальные формы непрерывности в космосе Умберто Боччони (1912-1913) под разными углами, через zbrushcentral.com | Источник: antheamissy.com

Эволюция трехмерного искусства

Наиболее распространенное определение трехмерного произведения искусства – это произведение искусства, которое можно наблюдать в измерениях высоты, ширины и глубины. С незапамятных времен люди создавали скульптуры с использованием различных концепций, техник и художественных материалов. Инсталляции, перформанс и декоративное искусство также попадают в эту категорию вместе со скульптурой, которая является воплощением трехмерного искусства.

Самым старым произведением трехмерного искусства является скульптура Венеры Берехат Рам. Эта вырезанная из камня фигура датируется 230000 лет до нашей эры. Он представляет собой символ женского плодородия и является одним из множества подобных фигурок, разбросанных по Европе. Считается, что эти первые образцы доисторических скульптур играли важную роль в ритуалах и церемониях.

Три стандартных типа скульптур, которые признает мир искусства:

• Отдельно стоящая скульптура, на которую можно смотреть с любой стороны и под любым углом, обходя ее.
• Барельеф – это когда форма вырезана так, что она немного выделяется на фоне исходного материала.
• Горельефные формы вырезаны, чтобы выделяться на фоне.

Самыми традиционными художественными средами, используемыми для создания трехмерных произведений искусства, были дерево и камень. В настоящее время вы можете использовать современные материалы, такие как стекло, пенопласт и пластик, чтобы превратить их в настоящее произведение искусства. Художники используют множество техник для создания трехмерной интерпретации своего художественного видения.

Резьба – вырезание кусков материала, обычно дерева или камня, до получения желаемой формы.

Литье – заливка жидкой художественной среды, такой как железо, в специально разработанные формы для создания частей большой скульптуры.

Моделирование – манипулирование и преобразование мягких художественных материалов, таких как глина или гипс, и их затвердевание до нужной формы. Современные художники также используют различные методы моделирования для создания фантастических произведений искусства из стекла.

Строительство – это творческий процесс, в котором художники собирают скульптуру, комбинируя различные материалы и используя клей, проволоку или сварку, чтобы удерживать элементы вместе.

Новое время принесло современные вариации трехмерного искусства. Например, стекло стало важным художественным средством, используемым в скульптуре, инсталляции и декоративном искусстве. Концепции и приемы, используемые при создании художественных изделий из стекла, определяют их тип. Многие художественные формы из стекла включают использование методов горячего стекла, таких как выдувное стекло, скульптурное стекло и литое стекло.Как видно из названия, художники работают с горячим стеклом, придавая ему форму, выдувая или отливая в формы.

Творческий процесс теплого стекла включает нагревание стекла в духовке или печи. Два доминирующих метода изменения формы теплого стекла – это опадание и сплавление.

Вы также можете работать с холодным стеклом для создания произведений искусства. Стекло можно шлифовать, полировать или гравировать, чтобы добиться желаемого эффекта. Существует также техника травления, которую вы можете применить в искусстве стекла, чтобы изменить текстуру стекла.Вы можете добиться этого с помощью пескоструйной обработки или кислотного травления.

Еще одна из этих современных версий – искусство инсталляции, где художники комбинируют аудиовизуальные эффекты и различные материалы для решения важных проблем, которые их волнуют. Художественные инсталляции могут быть сосредоточены, например, на политике, правах человека или окружающей среде. Самым распространенным является искусство световых инсталляций, где свет и скульптура смешиваются для создания великолепного художественного эффекта.

Артисты, занимающиеся исполнительским искусством, используют свое тело или тела других участников как идеальное средство выражения своих основных ценностей и передачи своего уникального сообщения аудитории.

Слева: Пабло Пикассо – Макет для гитары, 1912 г. / Справа: Макет для гитары на выставке скульптур Пикассо в МоМА | Источник: widewalls.ch

Техники смешанной техники и нетрадиционное художественное выражение

Искусство продолжает развиваться, принося на сцену многочисленные авангардные художественные движения. Художники, которые хотят выделиться, ищут нетрадиционные художественные среды, которые выражают их эстетические принципы и бросают вызов глубоко укоренившимся определениям изобразительного искусства.

Искусство смешанной техники основано на идее, что вы можете использовать все и вся для создания удивительного произведения искусства. Пикассо и Брак первыми использовали различные материалы и предметы повседневного обихода для создания инстинктивных коллажей как удивительных примеров искусства смешанной техники.

• Коллажи – это произведения искусства, которые вы создаете, комбинируя различные материалы, например бумагу, ткань, вырезки из газет и предметы повседневного обихода, для создания уникальных произведений искусства. Вы даже можете создать цифровой коллаж из произведений искусства в Интернете.
• Assemblage – трехмерная версия искусства смешанной техники, созданная путем размещения различных объектов и материалов на определенной поверхности. Такие художники, как Джаспер Джонс и Роберт Раушенберг, восприняли это как антиэстетический подход к созданию искусства сборки, которое стало широко использоваться в 1950-х и 1960-х годах.
• Найденные предметы – это смешанная медиа-форма, в которой художники используют повседневные предметы и превращают их в произведения искусства, помещая их в определенную художественную концепцию.
• Измененные книги Техника предполагает физическое изменение книги и ее использование в качестве средства художественного творчества. Вы можете вырезать страницы из книги, чтобы изменить ее, или можете использовать вырезанные страницы как материал для отдельных иллюстраций.
• Художественный дневник представляет собой способ обогатить ваши записи о различных событиях, воспоминаниях и мыслях, добавив к ним художественного акцента. Вы можете использовать широкий спектр художественных концепций и техник в журнале смешанного искусства или вы можете активизировать свою игру и начать со смешанного ведения журнала, также называемого нежелательным журналом.Эта версия художественного журнала включает в себя различные предметы, такие как открытки, билеты на концерты, ленту васи, декоративную бумагу или изображения из журналов. Вы можете использовать различные переработанные предметы в качестве подсказок художественного журнала. Вы можете начать с ведения журнала о цифровом искусстве, если вы страстный поклонник цифровых технологий и изучаете широкие возможности применения технологий в создании искусства.

Фотография как искусство

С момента своего изобретения фотография оказала значительное влияние на то, как люди воспринимают историю и повседневную жизнь.Эта мощная среда сохранила некоторые захватывающие моменты времени, чтобы отметить периоды революционных социальных изменений.

Развитие технологий предоставило людям множество возможностей для выражения своих художественных принципов с помощью фотографии. Художники имеют возможность повлиять на окончательную презентацию, выбирая различные камеры, объективы или пленки и задавая параметры кадрирования и времени, прежде чем они сделают снимок. Фотографическое оборудование и методы, используемые в творческом процессе, во многом зависят от предмета, тона и оригинального впечатления, которое художник хочет достичь своей работой.Например, художники-портретисты, которые сосредоточены на съемке отдельных объектов, предпочтут более крупные камеры с малой глубиной резкости, чтобы сохранить фокус на объекте. Пейзажные фотографы выберут совершенно противоположную камеру и технику.

То же самое касается работы с черным и белым, а не с цветами. Черно-белая фотография оставляет неизгладимое впечатление, выделяя линии, текстуру и тон.

• Документальная фотография направлена ​​на то, чтобы запечатлеть важные моменты истории или повседневной жизни, которые будут точно отображать эпоху.Этот вид фотографии тесно связан с фотожурналистикой и играет важную роль в освещении острых социальных проблем.
• Пейзаж возникла из пейзажной живописи. Здесь фотографы сосредотачиваются на окружающей среде, фотографируют природные и городские окрестности и используют методы кадрирования и кадрирования для создания необычных композиций.
• Портретная фотография существует с момента изобретения дагерротипа. Этот художественный стиль фотографии заменил портретную живопись как гораздо более быстрый и доступный способ запечатлеть чье-то изображение.Технический прогресс позволил художественным фотографам выйти на улицу и использовать естественное окружение и свет для создания завораживающих портретов.
• Фотография обнаженной натуры восходит к изобретению этой художественной среды, и изначально обнаженные фотографы хотели вызвать классический идеал красоты, изображая своих героев как нимф или древних героев. В отличие от этого, обнаженные авангардисты представляли человеческое тело как независимую сущность, свободную от всех условностей искусства.
• Цифровая фотография появилась с развитием цифровых технологий, предлагая множество новых возможностей для создания фантастических произведений искусства.Теперь фотографы могут создавать, редактировать и ретушировать свои работы с помощью передовых программ и приложений.

Artist Refik Anadol использует большие коллекции данных и алгоритмы машинного обучения для создания завораживающих и динамичных инсталляций. | Автор Wired на YouTube

Передовые технологии позволяют создавать необычные художественные материалы

Это время беспрецедентного прогресса в цифровых технологиях. Идея использования новых компьютерных технологий в создании искусства появилась в шестидесятых годах, когда появились первые образцы цифрового искусства. Позже некоторые энтузиасты техники и искусства начали использовать цифровые технологии в своих художественных инсталляциях. Но революционным событием, открывшим новые миры для цифровых художников, стало появление и расцвет Интернета в девяностые годы. Это позволило художникам создать свое искусство и представить его мировой аудитории с помощью различных платформ социальных сетей.

В настоящее время на сцене современного искусства наблюдается бум художников, которые включают инновации цифровых технологий в свои художественные инсталляции, чтобы выразить свою озабоченность по поводу значительных проблем.Некоторые художники используют лазеры для создания фантастических мультимедийных проектов, представляющих идеальное сочетание света и звука. Другие используют 3D-принтеры для воплощения своих художественных идей и создания незабываемых художественных представлений. Таким образом, передовые технологии заново изобретают художественную сцену, вводя необычные художественные среды в качестве средств художественного выражения.

Заключительные слова

Мы составили это полное руководство по различным средам, которые вы можете использовать при создании своего искусства, чтобы представить краткий обзор различных средств искусства на протяжении всей истории искусства.Мы также сосредоточились на важных вопросах, на которые вам нужно ответить, прежде чем вы начнете поиск идеального носителя для своих произведений искусства. Делаете ли вы свои первые шаги в мире искусства или являетесь опытным художником, ищущим новое художественное выражение, вам нужно мудро выбирать среду.

Материалы, которые вы будете использовать для создания произведений искусства, должны отражать вашу уникальную идею и оригинальное послание, которое вы хотите передать миру. Кроме того, убедитесь, что вы используете материалы, с которыми вам нравится работать, потому что создание искусства должно приносить радость и удовлетворение художнику, а не заставлять его постоянно бороться.Имея это в виду, вы можете выбрать художественную среду, которая будет соответствовать вашей художественной идентичности.

Сезанн Мы забыли, как видеть

Есть художник Поль Сезанн и крестный отец Поль Сезанн. Есть несбалансированные, увесистые яблоки и груши; потом есть их наследие, даже более весомое.

Только глазами вы можете погрузиться в его натюрморты и карточные игроки, плотно набитые купальщики, блочные виды на Мон-Сент-Виктуар. Просто посмотрите, и его разбитые взгляды раскрывают его проницательный интеллект в действии.Но просто смотрю: эээ, это не так-то просто. Не тогда, когда молчаливый художник был возведен в звание мастера-учителя, а его искаженные пространства – в стартовый пистолет модернизма. В частности, Музей современного искусства на протяжении большей части своей истории относился к Сезанну как к сдаче / провалу вступительного экзамена – выставив унылую «Купальщицу» примерно 1885 года на открытии своих коллекционных галерей, лишенного стража, охраняющего Пикассо, Матисс и остальные.

Трудно удержать этих двух Сезаннов; Я, конечно, борюсь.Он был первым художником, которого я любил, когда был подростком. Однако в наши дни у меня есть дурная привычка относиться к Сезанну как к математическим задачам, суммируя их тяжелые мазки кистью как многие вехи на пути в 20-й век. Итак, среди множества изумлений «Рисунок Сезанна», обширного и чрезвычайно важного летнего шоу МоМА, одно перекрывает все: оно вернуло мне Сезанна в человеческом масштабе, освобожденного от грядущих событий.

Этот прародитель современной живописи – «отец всех нас», как якобы говорили и Пикассо, и Матисс, – тоже рисовал.Почти каждый день в течение 50 лет. Плотные массы фруктов, которые мы думаем, что знаем, появляются здесь только как тени. Плотные комки тел купающихся превращаются в дрожащие очертания. В его менее возвышенных рисунках (а также картинах на бумаге) грубые отметины и незавершенные участки становятся свидетельством того, как день за днем ​​должен создаваться новый вид искусства.

Сосредоточение внимания на рисунках – около 280 из них, которые кураторы Джоди Хауптман и Саманта Фридман тщательно разложили по темам, – вновь открывает сезаннийские перспективы, которые мы (МоМА и я?) Слишком долго замуровывали. К многослойному восприятию картин «Рисунок Сезанна» добавляет отдельные моменты взгляда. Движению вперед он добавляет классического вдохновения. Чтобы раскрасить, он добавляет линию спинки. Все, что было здесь, внутри и вокруг Сезанна-современного-крестного, но это шоу потребовалось, чтобы напомнить нам. Во всех этих серых карандашных пометках, этих скудных мазках акварели вы найдете здесь не столько Сезанна, которого мы не знаем, сколько Сезанна, которого мы разучились видеть.

С чего начать? Начни с себя.Примерно в 1880 году, когда ему было за 40, Сезанн посмотрел в зеркало и изобразил себя в профиль в три четверти: его брови изогнуты, губы слегка поджаты, пышная борода контрастирует с лысой макушкой. На том же листе, примерно в том же масштабе, что и его лоб, он сделал еще один рисунок. Это яблоко с ямочками, слегка затемненное внизу, где может быть стол. Человек и объект, воспринимающий и воспринимаемая вещь явно уравновешены.

Как может этот листок с таким невзрачным предметом иметь такой авторитет? Для того, чтобы громко плакать, это просто яблоко!

Ну, это яблоко, а не яблоко. То, что Сезанн показывает нам на этом рисунке, и то, что вы видите на протяжении всего шоу, – это то, что само по себе яблоко или собственное лицо художника не вызывают особого беспокойства. Что имеет значение, так это его восприятие яблока (и его лица) и стиль, с которым он передает эти восприятия. За столетия до Сезанна величайшим европейским искусством было искусство, которое наиболее точно изображало мир с точностью, иллюзией, элегантностью, спреззатурой. Сезанн все это бросил. Вместо этого он использовал искусство, чтобы придать форму процессу видения этого мира индивидуально и глазами и мозгом.

Именно это могло сделать яблоко таким захватывающим предметом, как Мадонна в скалах – и именно через рисунок, даже больше, чем живопись, Сезанн наиболее ясно сделал , как он видит в искусстве. На другом листе суровая мадам Сезанн также приравнивается к производству; ее бестелесная голова изрезана и затвердевает так же, как круглый плод, с которым она делит страницу. Небольшой гипсовый патто, который Сезанн имел в своей мастерской – знакомый по одному из его величайших натюрмортов, усыпанных фруктами, в лондонской галерее Курто, – несколько раз появляется здесь как неровное, громоздкое собрание.День за днем, карандашом или акварелью, в галереях Лувра или на открытом воздухе в Провансе его чувства превращали объекты и людей в неглубокую массу без перспективы.

Это был настойчивый подход, и довольно холодный. В «Рисунке Сезанна» лица и тела имеют бесстрастие натюрморта. («Будь яблоком!» – как известно, он говорил своим моделям.) В особенности у купальщиц тела превращаются в вещи. Торсы похожи на глину. Ягодицы как груши. Фигуры с более классическими пропорциями можно было объединить на одной странице в пару с приземистыми, более крупными грудами плоти.

Вслед за импрессионистами Сезанн и его купальщики хотели запечатлеть эффекты света, игру углов, индивидуальную, а не идеальную перспективу. Но вопреки мимолетным представлениям Моне или Дега эти акты взгляда прибавили в весе. Их объединение становится механизмом, с помощью которого Сезанн мог изобрести новое искусство, не отказываясь от традиций – и рисунки классической скульптуры на протяжении всей выставки подтверждают, что то, что оказалось революцией в изображении, не имело таких разрушительных целей.«Нельзя заменить прошлое, – писал он другу в 1905 году. – Можно только добавить новую ссылку».

Это шоу о процессе и практике, и вы можете не любить «Рисунок Сезанна» так сильно, как я, если вы стремитесь к совершенству. По сравнению даже со своими коллегами-постимпрессионистами – например, с Ван Гогом или особенно с Сёра – Сезанн не был настолько искусен в рисовании линий, что даже не стал лучше в этом за десятилетия. Рисунок Геракла и другой крестьянский крестьянин не так-то легко отличить.Купальщица на полномасштабном чертеже демонстрирует не намного больше изящества, чем купальщица, нарисованная на бухгалтерской квитанции. Его друг и коллега Эмиль Бернар назвал рисунки Сезанна «документами без уловок», как будто они на самом деле вовсе не искусство.

И все же именно отсутствие уловки, ощущение, что вы наблюдаете за работой Сезанна, когда он рисует, делает листы такими современными. Потратьте некоторое время на изучение «Меркурия после Пигалей» примерно 1890 года, одного из бесчисленных рисунков, сделанных художником по мотивам неоклассической скульптуры.Шаткие линии перекручиваются одна в другую, а контуры дрожащие и неуклюжие. Никаких следов ластика, слабое ощущение отделки. Никакого героизма классической обнаженной натуры. Однако в этих строках вы становитесь свидетелями проявления всего художественного сознания, а вместе с ним и нового вида искусства с сознанием в его центре.

В акварелях больше элегантности, они кажутся более знакомыми, чем рисунки карандашом. (Хотя я предполагаю, что это тоже «рисунки»; на этих листах линии иногда накладываются на акварель, карандаш и кисть работают вместе.Натюрморты с яблоками, грушами и т. П. Являются одними из наиболее проработанных композиций в этом шоу, хотя белые пустоты придают их массам дополнительную напряженность. Еще больше белого проникает в простыни Сент-Виктуар, вершины Прованса, которую Сезанн разделил на слоистые цветные блоки и неровные ломаные линии.

Листы, на которые я смотрел дольше всего, – это пленэрные акварели Сезанна, изображающие скалы на юге Франции, размытые и открытые, почти неузнаваемые как геологические образования. В этом шоу их 10 на одной стене, а шепчущиеся контуры камней настолько близки к абстракции, насколько этот перцептуалист когда-либо мог позволить.

На одном из нескольких рисунков, которые он сделал из скал вне грота рядом с Сент-Виктуар, он покидает блок за блоком белого пространства, используя пустую бумагу, чтобы составить скалу. Маленькие пятна зеленого и оранжевого цвета покрывают края валунов, но центры остаются пустыми. Сезанн был заядлым исследователем геологии, и единственные среди его рисунков эти камни – единственный объект, который под его глазом кажется легче, а не тяжелее. Камни словно сублимируются. Твердые частицы растворяются в воздухе.

«Яблоко – это не очень интересно», – сказал однажды канадский фотограф Джефф Уолл, оправдывая свои сомнения в стиле Сезанна в том, что сюжет художника имеет большое значение.Сейчас в современном искусстве, конечно, , все предметом. Ни одна работа не обходится без обосновывающих объяснений, прикрепленных к ней; форма, цвет и линия никого не волнуют.

Но здесь, в акварелях Сезанна, изображающих скалы Прованса – расплывчатые пейзажи, превращенные в текучие камни камни – все еще остается мастер-классом для художников, работающих в полностью изменившемся климате, с точки зрения культуры и экологии. Острый взгляд из Экс открыл путь для века современных художников, которые хотели изменить мир, но вы не можете ничего изменить ни в своем обществе, ни в своей атмосфере, если сначала не придадите ему форму.Форма – это свадьбы и похороны, форма – это марши и движения, форма – это разница между тем, что вы прокручиваете, и тем, что длится. Форма – это то, как вещи, которые вы видите, становятся важными, при этом даже ежедневный улов от овощного магазина вкладывается в силу истины.

Cézanne Drawing
До 25 сентября в Музее современного искусства, 11 West 53rd Street, Манхэттен. (212) 708-9400, moma.org.

BU Bridge News – неделя от 5 февраля 1999 г.

Отделения Новости и особенности Искусство Аналитические записки В новостях Доска объявлений BU Вчера Свяжитесь с нами Расценки на рекламу

Неделя от 5 февраля 1999 г. Т. II, №22 Функция Артикул . Нери наполняет мастер-класс по изобразительному искусству духом сотрудничество Эрик МакГенри Скульптор Мануэль Нери вышел из залива Сан-Франциско области 1950-х, где он учился живописи с Марком Ротко, обучил этому Джерри Гарсиа и устроил Аллену Первое публичное прочтение Гинзбергом «Воя».Это было идеальное время и место, чтобы стать художником, с множеством дисциплина и чувства сходятся, чтобы питать Другая. Проведение мастер-класса в воскресенье, 31 января, в Школа искусств, Нери, казалось, смоделировала такую окружающая среда в микромире: в то время как студенты использовали топорики и шила, чтобы изменить их гипсовые фигуры в натуральную величину, он остановился на портативную стереосистему, чтобы заменить Бьорк Моцартом, затем вернулся к своим передвижным инструкциям. Через полчаса он – спросила Мария Юлия Клименко – его соратница, муза и давняя модель – прочитать отрывок из ее стихов, пока скульпторы работали. Скульптор Мануэль Нери (на переднем плане) дает предложения аспиранту Ричарду МакКауну (SFA’99) в однодневном мастер-классе по изобразительному искусству. Фото Кальмана Забарского “Я думаю, что это разделение, которое происходит в искусство – смертоносная вещь », – говорит Нери, которая с 29 января до 31 года был резидентом SFA.”Я хочу поддержать больше перекрестного опыления – музыка, поэзия и другие виды письмо, актерское мастерство, танец. Должны быть компромиссы среди дисциплин. Мы должны познакомиться с другими артистами и подвергать себя их работе “. «Что важно, – добавляет Клименко, – то, что мы с Мануэлем пытаюсь передать, заключается в том, что эти жанры позволяют себе будь таким замкнутым. Если вы работаете в отделе творческого письма, вы можете пройти всю свою карьеру в колледже и никогда не увидеть рисование.Мы пытаемся это раскрыть. Я читал стихи Мануэлю на протяжении большей части 26 лет, которые я моделировал для него “. Нери, единственный скульптор, связанный с влиятельными Художники изобразительного искусства области залива 50-х и 60-х годов – это художник с мировым именем. Он наиболее известен своим текстурированные, часто частичные, а иногда и окрашенные женские обнаженные тела в гипсе, мраморе и бронзе. Хью О’Доннелл, SFA профессор изобразительного искусства и председатель выездного комитет художников, утверждает, что постоянное центральное место Клименко к работе Нери свидетельствует его «замечательное качество сочувствие его модели. Это религиозные отношения с его предмет, правда. “ Трехдневная резиденция Нери в SFA была первой рассрочка в серии мастер-классов этого года. Это началось с лекцией в пятницу вечером 29 января в Центр фотоники и продолжил в выходные с двумя дневные мастер-классы для студентов изобразительных искусств. О’Доннелл говорит он создал серию, чтобы удовлетворить «потребность в расширенных спектакль », занимающий центральное место в развитии молодых художников. “Замечательно иметь сильный, стабильный канон, который является неотъемлемой частью обычной учебной программы, – говорит О’Доннелл. программа становится поистине замечательной, когда можно ускорить учащиеся в расширенной, свободной форме деятельности с художником исключительного таланта и репутации. «Благодаря модульной системе и кредитованию SFA. структура, – говорит он, – студенты изобразительного искусства получают трехчасовую классы, и у них сложная учебная программа. я хотел разработать что-то, что дополняло бы эту учебную программу, но не мешайте этому. Так что мне пришла в голову идея классы, которые не были бы кредитоспособными, это были бы чисто для практики, и это будет работать по выходным “. На данный момент участие в мастер-классах ограничивается визуальными художниками: пространство, как правило, в цене, интерес был высоким, и студенты SFA получили первые взломать листы регистрации.Однако в конечном итоге О’Доннелл хотелось бы, чтобы мастер-классы проходили с достаточным количеством регулярность того, что студенты из других частей университета может быть включен. «Идеально – создать столько, чтобы они не были больше обязательно ограничивается изобразительным искусством SFA », – говорит он. “Я бы хотел, чтобы они были открыты для других дисциплин в рамках Университет – студенты писательского мастерства, студенты киноискусства, любые студенты, которым интересно. « Вера в важность взаимодействия между дисциплинами это не единственное понятие, которое разделяют Нери и О’Доннелл. Над за последние 30 лет, по словам Нери, карьера в изобразительном искусстве стали прибыльными для некоторых, и в результате возникло чувство конкуренция среди художников во многих местах вбила клин между преподавателями и их учениками. Он тоже рекламирует идея расширенного спектакля, в котором опытные артисты и их учеников объединяет стремление к общему страсть. «Когда я учился в школе, – говорит он, – была близость между студентами и профессорами, которых я мало видел поскольку. И я действительно думаю, что это во многом связано с тем, что что никто ничего не продавал. Вот почему людям нравится Ротко собирались преподавать в Университете Калифорния-Беркли. Им нужны были деньги. Они были голодал в середине 50-х. И поэтому было ощущение, что мы были все вместе.Конечно, мы были там за советом и указания от наших учителей, но мы все видели друг друга как работающие художники. Я стараюсь подходить к этим мастер-классам с таким же отношением: мы все здесь художники, пытаемся выручайте друг друга ». Предполагается несколько дополнительных мастер-классов. запланировано на этот семестр. Художники-резиденты будут включают английского художника Кристофера Ле Бруна в феврале группа английских художников-граверов в феврале и марте, и Голландский графический дизайнер Антон Бике в апреле.Вступая в ее второй год, серия до сих пор была подписана Гуманитарный фонд Бостонского университета. О’Доннелл говорит, что надеется, что успех таких визитов, как завещание Нери помочь закрепить за серией место в годовом бюджете отдел изобразительного искусства. “Мы надеемся, что в будущем это станет “здесь, в университете”, – говорит он. Для получения дополнительной информации о серии мастер-классов, пожалуйста, свяжитесь с Хью О’Доннеллом по телефону 617-353-4320 или по электронной почте hodonnel @ bu.edu. Поэт Мария Юлия Клименко была Мануэлем Сотрудница, модель и муза Нери с 1972 года. Фото Кальмана Забарского

Изготовление гипсовой повязки | «Домашняя керамика для начинающих» (paulacasellabiase)

О видео: Изготовление гипсовой повязки

Резюме

«В этом уроке вы увидите, насколько просто сделать гипсовые слепки самостоятельно.В этом случае мы сделаем небольшую миску, но вы можете сделать их разных размеров, они прослужат годами, если вы будете хорошо за ними ухаживать, поэтому вы можете делать кусочки разных размеров и использовать их по своему усмотрению. ”

В этом видеоуроке Паула Казелла Биасе обращается к теме «Изготовление гипсовой повязки», которая является частью онлайн-курса «Доместика»: Керамика в домашних условиях для начинающих. Изучите техники лепки и эмалирования для создания декоративных предметов.

Частичная транскрипция видео

«Изготовление гипсовой повязки Hi.В этом уроке вы узнаете, как создать гипсовую повязку для нашей грибницы. Мы будем использовать, как мы уже упоминали в нашем классе материалов, сухой гипсовый порошок. Мыло для посуды или мыло для рук, используемое в качестве средства для снятия формования, и миска, наполненная водой. Я наполнил его вместимостью маленькой миски, которую мы будем использовать для формы. Я добавил столько же воды. На самом деле вы будете использовать немного меньше, потому что мы добавим силу сухой штукатурке, а у нас будет слишком много. Так сделаем на всякий случай.Просто чтобы вы знали, это может случиться с вами. И это нормально. Так что дальше … »

Мы автоматически генерируем эту стенограмму, и она может содержать ошибки.

---

Краткое содержание курса: Домашняя керамика для начинающих

• Уровень: новичок

• 98% Положительные отзывы (1124)

• 44191 студент

• 5 единиц

• 21 урок (3ч 51м)

• 1 загрузка

• Категория

  Ремесло

• Площади

  Дизайн аксессуаров, Керамика, Ремесла, Изобразительное искусство

---

Паула Казелла родилась в Аргентине и в настоящее время проживает в Испании.У нее степень изящных искусств, степень магистра образования и более чем 15-летний опыт работы преподавателем, художником-монументалистом и дизайнером керамики.

Как любительница природы и кулинарии, она объединяет свои две страсти в своей керамической мастерской Bambucito, где вы можете насладиться вкусной едой на посуде ручной работы, которую она делает сама.

---

Испанский с субтитрами на английском

• 98% Положительные отзывы (1.1K)

• 44191 студент
• Онлайн и в удобном для вас темпе
• Аудио: испанский
• Уровень: Новичок

• 21 урок (3ч 51м)
• Доступно из приложения
• Испанский, английский, португальский, немецкий, французский, итальянский, польский, голландский
• Безлимитный доступ навсегда
• Сертификат по окончании курса

---

Области

Как начать бизнес по обучению искусству

Начните бизнес по урокам искусства, выполнив следующие 10 шагов:

Вы нашли идеальную бизнес-идею и теперь готовы сделать следующий шаг.Создание бизнеса – это нечто большее, чем просто его регистрация в государстве. Мы составили это простое руководство, чтобы начать свой бизнес по урокам искусства. Эти шаги гарантируют, что ваш новый бизнес будет хорошо спланирован, правильно зарегистрирован и соответствует законам.

Ознакомьтесь с нашей страницей «Как начать бизнес».

ШАГ 1. Спланируйте свой бизнес

Четкий план важен для успеха предпринимателя. Это поможет вам наметить специфику вашего бизнеса и обнаружить некоторые неизвестные.Следует рассмотреть несколько важных тем:

К счастью, мы провели для вас много исследований.

Какие затраты связаны с открытием бизнеса по урокам искусства?

Сколько стоит открыть свой бизнес, во многом зависит от того, где вы будете проводить уроки. Например, многие люди преподают вне дома, если у них достаточно места для этого, и это полностью избавляет от необходимости платить дополнительную ежемесячную арендную плату.Если вы сдаете в аренду другое помещение, подумайте об аренде небольшой квартиры внутри дома. Это позволяет вам получить отдельное пространство гораздо дешевле, чем аренда коммерческой недвижимости, и, хотя цены варьируются в зависимости от региона и размера, вы, вероятно, можете арендовать такое пространство менее чем за 1000 долларов в месяц. Одна художница сообщила, что аренда и ремонт такого помещения изначально обходились ей в 5000 долларов, но это включало изрядную сумму за покраску, уборку и штукатурку, за которые она платила профессионалам помимо таких вещей, как гарантийный депозит для обеспечения безопасности места.Однако, помимо оплаты места, ваши единственные реальные расходы – это стоимость ваших материалов, и, хотя это зависит от того, на чем вы специализируетесь, вы сможете начать работу менее чем за 500 долларов. Вы можете создать веб-страницу бесплатно, если хотите, хотя большая часть вашей настоящей рекламы будет осуществляться через социальные сети, такие как Facebook и Instagram, и такая реклама может быть совершенно бесплатной.

Каковы текущие расходы на бизнес по урокам искусства?

Пожалуй, самое лучшее в этом бизнесе – отсутствие настоящего постоянного опыта. Как упоминалось ранее, большое количество учителей изобразительного искусства преподают на дому, поэтому ваши единственные реальные расходы связаны с материалами и пробегом, которые вполне подходят для вас, чтобы взимать плату с клиентов. Таким образом, ваши единственные реальные наличные расходы могут заключаться в форме традиционной рекламы, которую вы выбираете, и гонорарах за любых специалистов, которых вы продолжаете нанимать, таких как бухгалтер для вашего бизнеса. Это означает, что при достаточном количестве клиентов это может быть очень прибыльное предприятие.

Кто является целевым рынком?

В некотором смысле младшие дети будут вашими лучшими клиентами.Их умы одновременно открыты для новых идей, но восприимчивы к прямым инструкциям, и они с меньшей вероятностью будут чрезмерно критически относиться к своей собственной работе. Это не всегда верно для подростков и взрослых, что иногда может помешать вашим урокам.

Как бизнес на уроках искусства приносит деньги?

Очевидно, что бизнес, специализирующийся на уроках искусства, зарабатывает деньги, взимая с клиентов плату за уроки искусства. Точная сумма, которую вы взимаете, будет зависеть от предмета, времени урока, места проведения, а также от того, является ли это полностью частным уроком или нет.

Сколько вы можете взимать с клиентов?

Со временем вы определите лучшую цену, которая подходит для вашей конкретной области. Тем не менее, хорошее практическое правило – брать от 40 до 100 долларов за час индивидуального обучения и от 25 до 50 долларов за час занятий в небольших группах на каждого студента. Если вы хотите путешествовать к клиентам, вам следует либо взимать дополнительную плату вперед, либо просто выставлять им счет на дополнительную сумму за пройденные или пройденные мили.Наконец, вам следует рассмотреть бизнес-модель, в которой вы предлагаете несколько недель занятий по более низкой цене (на 25-50% ниже) за час; это делает для людей более привлекательными с финансовой точки зрения быть вашими клиентами в течение более длительного времени и, в конечном итоге, приносит пользу вашей прибыли.

Какую прибыль может принести бизнес по обучению искусству?

В зависимости от количества ваших клиентов это может быть очень прибыльным бизнесом. Если вы представите себе «стандартный рабочий день», состоящий из восьми часов преподавания и взимания со студентов минимальной суммы в 50 долларов в час, тогда эта работа может легко принести более 100000 долларов в год, с очень небольшими накладными расходами и возможностью контролировать свои собственные часы и выполнять что ты любишь.Свобода расписания означает, что вы также можете пополнять свой бизнес-доход, продавая собственное искусство и / или преподавая в местных колледжах (что также является еще одним способом эффективно рекламировать себя).

Как сделать свой бизнес более прибыльным?

Убедитесь, что название вашей компании броское, а страницы в социальных сетях интересны и ярки. Держите свой дом или другое пространство студии в тепле и профессионализме. Никогда не забывайте показывать своим ученикам, насколько развиваются их навыки в перерывах между уроками; это развивает ваше взаимопонимание с клиентами, даже если подтверждает их решение нанять вас, чтобы помочь им развить свои навыки.

Как вы назовете свой бизнес?

Выбор правильного имени важен и непрост. Если вы еще не придумали имя, посетите наше руководство «Как назвать бизнес» или получите помощь в мозговом штурме с помощью нашего Генератора бизнес-имен

«Уроки искусства».

Если вы являетесь индивидуальным предпринимателем, возможно, вы захотите работать под другим названием, чем ваше собственное имя. Посетите наше руководство для администраторов баз данных, чтобы узнать больше.

При регистрации названия компании мы рекомендуем изучить название вашей компании, отметив:

Очень важно защитить свое доменное имя до того, как это сделает кто-то другой.

ШАГ 2: Создайте юридическое лицо

Наиболее распространенными типами бизнес-структур являются индивидуальное предпринимательство, товарищество, общество с ограниченной ответственностью (ООО) и корпорация.

Создание юридического лица, такого как LLC, или , корпорация , защищает вас от личной ответственности в случае судебного преследования вашего предприятия, занимающегося уроками искусства.

Прочтите наше руководство по созданию собственного ООО

Выберите Ваш StateAlabamaAlaskaArizonaArkansasCaliforniaColoradoConnecticutDelawareDistrict Of ColumbiaFloridaGeorgiaHawaiiIdahoIllinoisIndianaIowaKansasKentuckyLouisianaMaineMarylandMassachusettsMichiganMinnesotaMississippiMissouriMontanaNebraskaNevadaNew HampshireNew JerseyNew MexicoNew YorkNorth CarolinaNorth DakotaOhioOklahomaOregonPennsylvaniaRhode IslandSouth CarolinaSouth DakotaTennesseeTexasUtahVermontVirginiaWashingtonWest VirginiaWisconsinWyoming

ИЩИ СЕЙЧАС

Получите форму профессионального обслуживания в ООО для вас

Два таких надежных сервиса:

Вы можете создать ООО самостоятельно и оплатить только минимальные расходы штата на ООО или нанять одну из лучших услуг ООО за небольшую дополнительную плату.

Рекомендовано: Вам необходимо выбрать зарегистрированного агента для вашего ООО. Пакеты регистрации ООО обычно включают бесплатный год услуг зарегистрированного агента. Вы можете нанять зарегистрированного агента или действовать как собственный.

ШАГ 3: Зарегистрируйтесь в налоговой

Вам необходимо зарегистрироваться для уплаты различных государственных и федеральных налогов, прежде чем вы сможете начать бизнес.

Чтобы зарегистрироваться для уплаты налогов, вам необходимо подать заявление на получение EIN.Это действительно просто и бесплатно!

Вы можете получить свой EIN бесплатно через веб-сайт IRS, по факсу или по почте. Если вы хотите узнать больше об EIN и о том, как они могут принести пользу вашему LLC, прочтите нашу статью Что такое EIN ?.

Узнайте, как получить EIN, в нашем руководстве «Что такое EIN» или найдите свой существующий EIN с помощью нашего руководства по поиску EIN.

Налоги на малый бизнес

В зависимости от того, какую бизнес-структуру вы выберете, у вас могут быть разные варианты налогообложения вашего бизнеса. Например, некоторые LLC могут получить выгоду от налогообложения как S-корпорация (S corp).

Вы можете узнать больше о налогах на малый бизнес в этих руководствах:

Существуют особые государственные налоги, которые могут применяться к вашему бизнесу. Узнайте больше о государственном налоге с продаж и налогах на франшизу в наших руководствах по налогам с продаж штата.

ШАГ 4. Откройте коммерческий банковский счет и кредитную карту

Использование специализированных банковских и кредитных счетов для бизнеса имеет важное значение для защиты личных активов.

Когда ваши личные и бизнес-счета смешаны, ваши личные активы (ваш дом, автомобиль и другие ценности) подвергаются риску в случае предъявления иска к вашему бизнесу. В коммерческом праве это называется прорывом корпоративной завесы.

Кроме того, изучение того, как создать бизнес-кредит, может помочь вам получить кредитные карты и другое финансирование на имя вашего бизнеса (вместо вашего), более высокие процентные ставки, более высокие кредитные линии и многое другое.

Открыть коммерческий счет в банке

• Это отделяет ваши личные активы от активов вашей компании, что необходимо для защиты личных активов.
• Это также упрощает ведение бухгалтерского и налогового учета.

Рекомендовано: Прочтите наш обзор «Лучшие банки для малого бизнеса», чтобы найти лучший национальный банк, кредитный союз, банки, ориентированные на ссуду бизнесу, один со множеством обычных офисов и многое другое.

Открыть счета net-30

Когда дело доходит до получения кредита вашему бизнесу, лучше всего подходят поставщики net-30. Термин «нетто-30», который популярен среди продавцов, относится к соглашению о коммерческом кредитовании, при котором компания платит продавцу в течение 30 дней с момента получения товаров или услуг.

Условия кредита

Net-30 часто используются для предприятий, которым необходимо быстро получить товарные запасы, но у которых нет наличных денег.

Помимо установления деловых отношений с поставщиками, о кредитных счетах net-30 сообщается в основные кредитные бюро (Dun & Bradstreet, Experian Business и Equifax Business Credit). Именно так компании создают бизнес-кредиты, чтобы иметь право на получение кредитных карт и других кредитных линий.

Получите бизнес-кредитную карту

• Это поможет вам разделить личные и деловые расходы, объединив все расходы вашего бизнеса в одном месте.
• Он также создает кредитную историю вашей компании, которая может быть полезна для сбора денег и инвестиций в дальнейшем.

Рекомендовано: Прочтите наше руководство, чтобы найти лучшие кредитные карты для малого бизнеса.

ШАГ 5. Настройка бухгалтерского учета

Запись различных расходов и источников дохода имеет решающее значение для понимания финансовых показателей вашего бизнеса.Ведение точной и подробной отчетности также значительно упрощает вашу ежегодную налоговую декларацию.

ШАГ 6: Получение необходимых разрешений и лицензий

Неполучение необходимых разрешений и лицензий может привести к крупным штрафам или даже к закрытию вашего бизнеса.

Требования к лицензированию местного и государственного бизнеса

Для ведения бизнеса по урокам искусства могут потребоваться определенные государственные разрешения и лицензии. Узнайте больше о лицензионных требованиях в вашем штате, посетив ссылку SBA на государственные лицензии и разрешения.

Большинство предприятий обязаны взимать налог с продаж на товары или услуги, которые они предоставляют. Чтобы узнать больше о том, как налог с продаж повлияет на ваш бизнес, прочитайте нашу статью «Налог с продаж для малого бизнеса».

Для получения дополнительной информации о местных лицензиях и разрешениях:

Свидетельство о занятии

Уроки рисования, как правило, проводятся в студии .Компании, работающие вне физического местоположения, обычно требуют Сертификат занятости (CO). СО подтверждает, что соблюдаются все строительные нормы и правила, законы о зонировании и постановления правительства.

• Если вы планируете сдавать студию в аренду :
• Как правило, арендодатель несет ответственность за получение CO.
• Перед сдачей в аренду убедитесь, что у вашего арендодателя есть или он может получить действующий СО, который применим к бизнесу по урокам искусства.
• После капитального ремонта часто требуется оформить новый СО.Если ваше предприятие будет отремонтировано перед открытием, рекомендуется включить в договор аренды формулировку о том, что арендные платежи не начнутся до тех пор, пока не будет выдан действующий СО.

• Если вы планируете купить или построить студию на месте :
• Вы будете ответственны за получение действительного СО от местного органа власти.
• Изучите все строительные нормы и правила и требования к зонированию для местоположения вашего предприятия, чтобы убедиться, что ваш бизнес по урокам искусства будет соответствовать требованиям и сможет получить CO.

Лицензирование музыки

Чтобы воспроизводить музыку в деловой среде, необходимо получить разрешение от композитора или держателя лицензии. Как правило, можно получить «общую» лицензию, позволяющую предприятиям воспроизводить музыку, принадлежащую большому каталогу артистов и студий звукозаписи. Такие лицензии можно получить в организациях по защите прав на исполнение, таких как ASCAP или BMI.

Договор на оказание услуг

Компания, занимающаяся уроками искусства, должна требовать от клиентов подписания договора об оказании услуг перед началом нового проекта.Это соглашение должно прояснить ожидания клиентов и минимизировать риск юридических споров путем определения условий оплаты, ожидаемого уровня обслуживания и прав собственности на интеллектуальную собственность.

ШАГ 7. Получите страхование бизнеса

Как и в случае с лицензиями и разрешениями, вашему бизнесу необходима страховка, чтобы вести безопасную и законную деятельность. Business Insurance защищает финансовое благополучие вашей компании в случае покрываемого убытка.

Существует несколько видов страховых полисов, созданных для разных видов бизнеса с разными рисками. Если вы не уверены в типах рисков, с которыми может столкнуться ваш бизнес, начните с страхования общей ответственности . Это наиболее распространенное покрытие, в котором нуждаются малые предприятия, поэтому это отличное место для начала вашего бизнеса.

Узнайте больше о страховании гражданской ответственности.

Еще один важный страховой полис, в котором нуждаются многие предприятия, – это страхование компенсации работникам. Если в вашем бизнесе будут сотрудники, вполне вероятно, что ваш штат потребует от вас наличия страхового покрытия компенсации работникам.

ШАГ 8: Определите свой бренд

Ваш бренд – это то, что олицетворяет ваша компания, а также то, как ваш бизнес воспринимается публикой. Сильный бренд поможет вашему бизнесу выделиться среди конкурентов.

Если вы не уверены в разработке логотипа своего малого бизнеса, ознакомьтесь с нашим Руководством по дизайну для начинающих, мы дадим вам полезные советы и рекомендации по созданию лучшего уникального логотипа для вашего бизнеса.

Как продвигать и продавать бизнес уроки искусства

Как упоминалось выше, одними из лучших способов цифрового маркетинга вашего бизнеса являются Facebook и Instagram. Это позволяет вам взаимодействовать с вашим более широким сообществом, а также продемонстрировать работу ваших учеников, что является одной из самых лучших форм рекламы. Веб-страница – это хорошо, хотя бы в качестве формальности, чтобы люди могли быстро найти вашу контактную информацию и найти другую важную информацию.В зависимости от вашего сообщества реклама в газетах и ​​на радио также может быть эффективным способом привлечения клиентов.

Как удержать клиентов, возвращающихся

Один из способов удержать клиентов – смоделировать свои уроки после большего количества академических занятий. То есть вы можете преподавать определенные предметы на уровнях «Начальный», «Средний» и «Эксперт», поэтому тот, кто начинает с самого низкого уровня и видит, что его навыки развиваются, будет продолжать возвращаться к более продвинутым классам. Вы можете позаимствовать совет из корпоративного мира и предложить людям какую-то скидку или другую выгоду, если они успешно направят к вам нового клиента.Наконец, всегда защищайте своих клиентов: с гордостью демонстрируйте их работу офлайн и онлайн и старайтесь взаимодействовать с ними как с людьми, а не только с клиентами. Это помогает установить индивидуальный подход, который они ищут.

Все еще не уверены, какой бизнес вы хотите начать? Ознакомьтесь с последними тенденциями в области малого бизнеса, которые вдохновят вас.

ШАГ 9. Создайте свой бизнес-сайт

После определения вашего бренда и создания логотипа следующим шагом будет создание веб-сайта для вашего бизнеса.

Хотя создание веб-сайта – важный шаг, некоторые могут опасаться, что он окажется вне их досягаемости, поскольку у них нет опыта создания веб-сайтов. Хотя в 2015 году это могло быть разумным опасением, за последние несколько лет в веб-технологиях произошли огромные успехи, которые значительно упростили жизнь владельцев малого бизнеса.

Вот основные причины, по которым не следует откладывать создание сайта:

• У всех законных предприятий есть веб-сайты – точка.Размер или отрасль вашего бизнеса не имеет значения, когда дело доходит до вывода вашего бизнеса в Интернет.
• Аккаунты в социальных сетях, такие как страницы Facebook или бизнес-профили LinkedIn, не заменяют бизнес-сайт , которым вы владеете.
• Инструменты для создания веб-сайтов, такие как GoDaddy Website Builder, сделали создание базового веб-сайта чрезвычайно простым. Вам не нужно нанимать веб-разработчика или дизайнера, чтобы создать веб-сайт, которым вы можете гордиться.

Используя наши руководства по созданию веб-сайтов, процесс будет простым и безболезненным и займет у вас не более 2–3 часов.

Другие популярные конструкторы веб-сайтов: WordPress, WIX, Weebly, Squarespace и Shopify.

ШАГ 10. Настройте телефонную систему для бизнеса

Настройка телефона для бизнеса – один из лучших способов отделить личную и деловую жизнь от дел и уединиться.Это не единственное преимущество; это также помогает сделать ваш бизнес более автоматизированным, делает его легитимным и упрощает потенциальным клиентам возможность найти вас и связаться с вами.

Предпринимателям, желающим установить систему служебной телефонной связи, доступно множество услуг. Мы изучили лучшие компании и оценили их по цене, характеристикам и простоте использования.

Жизнь Алекса Каца в искусстве

Отказ от пузыря был «немного шоком», – признал Кац, но это не остановило его. Он не сомневался в своей работе, и всегда были люди, которые в него верили. В пятидесятые годы и позже он был близок с Фрэнком О’Хара, Джеймсом Шайлером, Джоном Эшбери и другими нью-йоркскими поэтами. «Им понравились мои картины, а мне понравились их стихи», – сказал он. О’Хара положительно оценил работу Каца в ARTnews и других изданиях и купил две его картины в 1960 году. «Я думаю, что Кац – один из самых интересных художников в Америке, – писал О’Хара. «У него есть упорство« великой американской традиции »перед доминирующим лицом европейских влияний.«Однажды в четыре часа утра О’Хара был в студии Каца и говорил ему, что делать, – вспоминает Кац. «Я сказал:« Послушай, Фрэнк, я знаю, насколько я хорош », а он сказал:« Не жди меня. Ты тот, кому придется висеть рядом с Матиссом ». Карьера Каца могла бы пойти по другому пути, если бы О’Хара, который стал помощником хранителя в Музее современного искусства в 1960 году, не умер в 1966 году. Однажды ночью на Файер-Айленде его сбил пляжный багги.

«Бутон розы» 1967 года. Предоставлено Alex Katz Studio / Фотография Пола Такеучи.

Настоящим наставником Каца в те дни был Эдвин Денби, поэт и танцевальный критик.«Эдвин походил на мою аспирантуру, – сказал Кац. «Благодаря Эдвину я увлекся современным танцем». Денби и режиссер Руди Буркхардт увековечены в одном из скульптурных портретов из металла, которые Кац начал делать в конце пятидесятых; они сидят на складных стульях в его лофте на Западном Бродвее, лицом друг к другу, погруженные в дискуссию, настолько убедительную, что на мгновение я подумал, что они настоящие. Денби познакомил Каца с хореографом Полом Тейлором, и в течение трех десятилетий Кац создавал декорации и костюмы для танцевальной труппы Тейлора.В какой-то момент они поссорились из-за декораций Каца, которые не нравились Тейлору, но в конце концов они помирились и вместе работали над еще одним танцем. Падения у Каца не редкость. Он говорит именно то, что думает, в каждом случае, и его мнение может быть резким.

Огромный ночной пейзаж все еще висел на длинной стене в мастерской Каца через неделю после того, как он его написал. «Этот оказался настоящим победителем», – сказал он мне. «Несколько человек приходили, чтобы увидеть это». Одним из них был Ричард Армстронг, директор музея Гуггенхайма.«Я чувствовал дуновение ветра, – сказал мне Армстронг. «Это сложно сделать». Ультрамариновое ночное небо и черная листва на этот раз выглядели более четко очерченными. «Он сохнет, – объяснил Кац. «Больше всего я горжусь своей отделкой – отделкой картины. Через три месяца блеск уходит, но поверхность постоянно меняется. Масляная краска двигается, в отличие от акрила. Через пять лет он станет намного богаче, и вы сможете заглянуть в черное. Мне потребовались годы, чтобы добраться до этого конца ». Он объяснил, что за несколько дней до того, как он начал рисовать, его давний помощник в студии, художник Хуан Гомес, подготовил холст, нанеся пять грунтовок – три слоя левкаса и два слоя свинцово-белого цвета.«А под ними два слоя клея из кроличьей кожи на холсте», – сказал он. «Свет входит в него и возвращается обратно».

«Винсент и Тони», 1969 года. Предоставлено Чикагским институтом искусств.

Я спросил его, как часто он писал такую ​​большую картину, как эта. «Примерно раз в год», – сказал он. Один из них был на его последнем показе у Гэвина Брауна – пейзаж размером семь на четырнадцать футов под названием «Поле 1» с оттенками коричневой листвы на просторе бледно-желтой краски. («Тот, в котором ничего нет», – сказал Кац.) На этом позднем этапе своей карьеры, после целой жизни в фигуративной живописи, он занимается странным танцем с абстракцией. Последние три года он рисовал тени на траве – шесть больших версий были представлены ранее в этом году на персональной выставке в галерее Ричарда Грея в Чикаго. Тени зеленые, а трава в основном желтая, и почему-то это кажется правильным. «Рисунки с травой действительно сложны», – сказал он мне. «Людям они нравились, но я не получил того, чего хотел». Он планировал повторить попытку этим летом в штате Мэн.

Ретроспектива середины карьеры Каца в музее Уитни в 1986 году, включающая в себя подборку работ трех десятилетий, получила широкую и положительную оценку. «Картины выглядят легко, как Фред Астер сделал танцы легкими, а Коул Портер сделал слова и музыку легкими, но не давайте себя обмануть», – написал Джон Рассел в Times . «Когда дело доходит до искусства, которое скрывает искусство, Кац находится прямо там с этими двумя великими образцами». Однако, увидев так много его работ вместе, обнаружилось кое-что еще: неожиданный диапазон эмоций и сложности.Ада, не отказываясь от своего сфинксовского самообладания, могла бы быть множеством разных людей – кинозвездой в «Голубом зонтике 2», соблазнительницей в «Перевернутой Аде», шикарной женой и матерью из пригорода в «Аде и Винсенте в машине», »Валькирия в« Красной улыбке ». Друзья и незнакомцы, дети, сам Кац в нескольких поисках автопортретов – игроки в социальной панораме, которая проходит глубже, чем можно было бы предположить на плоских поверхностях и основных цветах. «Он сделал в живописи то, что Джон Апдайк и Джон Чивер сделали в литературе – хоровой портрет некой Америки», – сказал недавно художественный руководитель Нового музея Массимилиано Джиони.Жила юмора витает под поверхностью, а иногда и прорывается. В «Государственном парке Лосиный Рог» полностью рогатый лось поворачивается, чтобы посмотреть на нас через правое плечо. «Прямо как Бетти Грейбл», – предлагает Кац.

«Blue Umbrella 2» 1972 года. Предоставлено Alex Katz Studio / Peter Blum Gallery, Нью-Йорк.

Несмотря на хорошие отзывы, выставка Уитни мало что сделала для повышения его репутации или продаж, и прохладная реакция в мире искусства. сделал Каца более конкурентоспособным, чем когда-либо. «Я хотел переехать в место в искусстве, которое было нестабильным и пугающим», – сказал он.После многих лет сосредоточения на человеческой фигуре он начал рисовать то, что он описал как «окружающие пейзажи» – пейзажи настолько большие, что они окутывали зрителя. («Вы могли бы быть внутри них», как он выразился.) Он также начал серию ночных картин – городские пейзажи, черные здания с несколькими освещенными окнами, морские пейзажи и леса, предшественники того, что я видел, как он рисовал, все пойманный в момент, когда последний свет угасает и становится черным. Многие из лучших картин Каца запечатлели свет и атмосферу определенного времени дня – ничто не более захватывающе, чем его изображение девушки-подростка в 1982 году в картине «Трейси на плоту в 7:30».Его ночные картины исследовали внешние границы видимого света.

В девяностые годы и позже Кац находил новые предметы для исследования: свет, падающий сквозь деревья или на поля цветов; танцоры и исполнители, чей личный стиль или манера движения привлекли его внимание. Европейский рынок его работ резко расширился в конце восьмидесятых. Молодые художники, оседлавшие новую волну фигурной живописи немецких и американских неоэкспрессионистов (Зигмар Польке, А. Р. Пенк, Джулиан Шнабель, Дэвид Салле), открыли для себя работы Каца и признали его своим союзником.Как недавно написала мне художница Жаклин Хамфрис: «Я вижу в работах Алекса так много того, что мне нравится в Мане: непосредственность, величие, плюс острый, вежливый и откровенный подход к предмету». Шара Хьюз, художница, которой за тридцать, сказала: «Он все делает правильно. Сначала я думал, что он скучный, пока не понял, как сложно быть таким простым. Теперь я все время на это смотрю ». Я спросил Каца, кажется ли ему, что он снова на пузыре. «Ага», – сказал он. «Думаю, я дважды прыгнул. Матисс сделал это со своими поздними выкройками, а Пикассо – нет.Послушайте, один пузырь – это чудесных ».

«Настенная роспись на Таймс-сквер», 1977 год. Предоставлено Alex Katz Studio.

Возможное оправдание того, что не воспринимает работу Каца всерьез, заключается в том, что он так хорошо проводит время, делая ее. Не признавая никаких табу, он волен экспериментировать со всем, что его интересует. У него даже был роман с модой высокого класса. «Вечность существует только в настоящем моменте», – решил Кац, и мода проложила прямую связь с настоящим. В начале восьмидесятых годов он написал несколько картин, изображающих манекенщиц в одежде Нормы Камали, и это привело в 1984 году к картине длиной двадцать два фута под названием «Элеутера», изображающей четыре пары женских пар из Камали. купальники.«Я хотел создать композицию из людей, которые касаются друг друга – как разные девушки касаются друг друга», – объяснил он. «Они сестры, спортсмены, лесбиянки, да что там, и все они по-разному трогают». Раньше мода и искусство считались несовместимыми, потому что мода была декоративной, а искусство якобы нет. Кац не возражает против украшения; Он говорит, что это аспект искусства, и подозревать, что он становится главным аспектом.

Когда я спросил его, считает ли он себя хорошим декоратором, он ответил: «Я честно.Я думаю, что мои картины слишком агрессивны, чтобы быть хорошим украшением ». А что насчет Уорхола? – поинтересовался я. «По сути, Уорхол – иллюстратор, – ответил он. «Ни одна из его картин не может считаться картинами. С точки зрения создания имиджа этот парень фантастический, и как декоратор он вместе с Твомбли ». Иногда бывает трудно следовать за ходом мыслей Каца, который движется непредсказуемо. По его словам, Джексон Поллок «является воплощением хорошей декоративной живописи». Фрэнсис Бэкон «идеально подходит для дома, но Франц Клайн не вторгся в дом – слишком много энергии.Я вспомнил Дэвида Хокни, фигуративного новатора британского происхождения, чья карьера, как и у Каца, неизменно выходила за рамки мейнстрима. «Хокни – иллюстратор, но в конце концов научился рисовать, – сказал Кац. «Я снимаю перед ним шляпу».

«Трейси на плоту в 7:30», 1982 год. Courtesy Colby College Museum of Art / Фотография любезно предоставлена ​​Питером Сигелом.

Этот дом в штате Мэн находится в трех милях от побережья красивого прибрежного городка Линкольнвилл. Он не изменился вообще – за исключением новой электрической плиты на кухне и современной сантехники – с тех пор, как Кац, Жан Коэн и Лоис Додд объединили свои ресурсы, чтобы купить его в 1954 году.Комнаты маленькие и тесные, потолки низкие. Мы с женой приехали из Нью-Йорка в июне. Парковаться было негде – передний двор и небольшое пространство через улицу были заняты тремя автомобилями Каца: Cadillac Eldorado 1975 года выпуска, который его брат Берни продал ему подержанным в начале восьмидесятых, грязный Oldsmobile и BMW, который временно вышел из строя. Катцы прибыли днем ​​раньше на чартерном самолете и на такси. Ада, которая двигалась с трудом из-за ушиба бедра, подошла к нам, когда Кац повел нас на короткую прогулку по лесу в свою студию.Мы миновали коттедж, где останавливаются их сын Винсент и его жена бразильского происхождения Вивьен. (У Винсента и Вивьен двое детей, мальчики-близнецы только что поступают в колледж.) Студия была построена двадцать лет назад, чтобы заменить оригинальную студию Каца, в красивом старом амбаре, примыкающем к дому; сарай был недостаточно велик для его все более крупных картин, и в жаркие дни в нем было душно. Новая студия, спроектированная японским архитектором по проекту Каца, представляет собой большую просторную комнату, пятьдесят футов в длину и тридцать футов в ширину, с высоким потолком и неокрашенными деревянными балками.В одно окно видно пресноводное озеро, в котором Кац плавает каждый день. «Он слишком мал для моторных лодок, и это здорово», – сказал он.

Ада, у которой есть способ быть там, а не там, ушла и посидела одна на скамейке снаружи. Она с самого начала дала понять, что не хочет давать интервью. («Я не участвую в этом», – сказала она.) «Я думаю, что иногда ей очень скучно, – признался Кац. «Мне немного сложно, потому что я делаю то, что хочу делать. Я провожу большую часть лета за рисованием, а она не особо общительна, поэтому большую часть времени проводит одна.Она много читает. Когда Винсент здесь, все в порядке, но Винсента здесь не так уж и много, и я не собираюсь прекращать рисовать, чтобы развлечь ее. Она когда-нибудь жаловалась на это? – спросил я его. «Нет, – сказал он. Он любит рассказывать о том времени, когда на одном из его открытий человек спросил: «Это художник?» а кто-то еще сказал: «Должно быть, он стоит с Адой».

«SoHo Morning», 1987 год. Предоставлено Alex Katz Studio / Фотография Пола Такеучи

Две дюжины натянутых холстов разных размеров были выстроены у стены первозданной студии, готовые к использованию.Единственная картина в комнате стояла на столе у ​​задней стены – изображение размером девять на двенадцать дюймов, темно-зеленые формы на желтом фоне, приковавшие взгляд через всю комнату. «Сегодня утром мне повезло, – сказал Кац, когда мы подошли к нему. «Я собиралась купаться, но по дороге кое-что увидела и решила зайти внутрь и вместо этого покрасить. Это то, что я искал три года. «Бинго», – сказал я. «Для меня это похоже на тени на траве». Я даже не знаю, будут ли они горизонтальными или вертикальными, но у меня есть тональная вещь, тональный диапазон.«Он собирался сразу сделать еще три маленькие версии на масоните, – сказал он, – прежде чем приступить к большому холсту». Кац, которому в июле исполнился девяносто один год, поддерживает форму благодаря ежедневному режиму плавания и строгим упражнениям. «Я делал двести приседаний, триста отжиманий и сто подтягиваний», – сказал он. (Его перекладина для подбородка находилась в дверях маленькой кухни студии.) «Я не могу сделать столько сейчас». Он пишет семь дней в неделю. «Я никогда не помню, чтобы он не работал», – сказал мне Винсент.

Мы вышли на дорогу, чтобы Кац показал нам дом, который он недавно купил.Он слышал, что владелец продал его, но контракт не был подписан, поэтому Кац предложил на пятьдесят процентов больше, чем покупная цена, и владелец согласился. Это был один из множества соседних домов, которые купил Кац, отчасти для того, чтобы сохранить конфиденциальность его и Ады, но также и потому, что он думает, что со временем он может превратить свою землю в место, где молодые художники могут приходить и работать. Местная недвижимость по-прежнему относительно дешевая. «Сельское хозяйство всегда было ужасным, – сказал Кац. «Мы живем в сельских трущобах.

Ужин в тот вечер был в ресторане Whale’s Tooth в Линкольнвилле. Ресторан выходит на скудную полосу пляжа, которая на нескольких картинах Каца гораздо менее скудна. Ада была более оживленной, чем раньше. Когда Кац говорил о своем агрессивном стиле в искусстве, она сказала: «Я буду очень агрессивна и скажу, что пора поесть». 1 февраля им исполнилась шестидесятая годовщина свадьбы. «Мы почти пропустили это», – сказал Кац.

«CK 4», 2017 год. Предоставлено Alex Katz Studio / Фотография Пола Такеучи

На следующий день мы вчетвером поехали в Художественный музей Колби-колледжа в Уотервилле, крыло которого посвящено Кацу.В музее хранится более девятисот его работ, в том числе гравюры и рисунки, многие из которых подарены художником. «Вот и я снова», – смиренно сказала Ада, когда мы проходили мимо ее металлического портрета на лужайке. Директор Шэрон Корвин впервые познакомила нас с современной коллекцией музея. Многие из его ключевых работ были подарены Фондом Алекса Каца, который покупает работы менее известных художников и передает их музеям, которые обещают держать их на виду. Алекс покупает – совета директоров нет – и решает, куда пойдут работы.«Ничего подобного относительно MoMA или мест, которые могли бы просто засунуть их в шкаф», – пояснил он. «Мне нравится делать покупки у художников, которым трудно за двадцать, потому что я помню, что это значило для моей уверенности как художника». Поскольку он живет скромно и не играет с лошадьми, это, кажется, одна из немногих его экстравагантностей.

Выставка Каца в крыле Пауля Дж. Шупфа периодически меняется. Самой выдающейся картиной для меня была «Каноэ» – изображение каноэ из искусственной бересты и его водянистого отражения 1974 года.Картина двенадцати футов в длину, размером с настоящее каноэ. Масштаб, цвет, свет, маслянистая поверхность, виртуозное владение краской, не привлекающее к себе внимания, – все это Кац высшего уровня. Еще одна достопримечательность – это «Па-де-де» длиной тридцать футов, в котором пять пар мужского и женского пола, большинство из которых являются друзьями Каца, касаются друг друга с разной степенью близости. Эта картина была подарена Полем Шупфом. Частный инвестор, который стал заядлым коллекционером работ Каца примерно в 1970 году, Шупф вложил половину финансирования в крыло, носящее его имя, и подарил ему несколько других важных картин, но он и Кац больше не разговаривают друг с другом. Другие.(Личная неприязнь – усиленная, по мнению Шупфа, недостаточной благодарностью Каца и чрезмерно раздутым чувством собственной правоты – положила конец дружбе.) В трех больших помещениях крыла были потрясающие картины с 1950-х годов до наших дней. Выставка показалась мне убедительным аргументом в пользу великой, разоблачающей ретроспективы Нью-Йорка, которую Кац хочет и заслуживает – и должен иметь, пока он еще здесь, но, вероятно, не появится.