Объемные 3d рисунки на стенах

Главная / Дизайн потолка / Дизайнерские решения / Как создаются объемные 3d рисунки на стенах

Роспись стен – один из древнейших способов украсить свой дом. Однако, с течением времени технологии рисования менялись и усложнялись, Сейчас, одним из самых современных вариантов такого декора являются 3д рисунки, изображенные на стенах в квартире. Это весьма необычный вариант оформления, позволяющий не просто преобразить пространство, но и дающий возможность создать совершенно уникальный интерьер.

Как создается такое изображение

Существует несколько способов создать трехмерный декор в своём доме. Наиболее простым в плане реализации будет заказ готового изображения, нанесенного на ткань или другой материал. После изготовления, вам достаточно будет закрепить покрытие в нужном месте и наслаждаться результатом. Такие 3 д рисунки на стенах можно использовать где угодно – в ванной, на кухне или в гостиной. Нужно лишь правильно выбрать материал, на котором все будет нарисовано.

Еще один тип готовых картин – специальная разновидность обоев. Здесь также ничего самостоятельно делать не придется. Нужно лишь пойти в магазин и купить подходящее покрытие. Стоимость подобных обоев может очень сильно варьироваться, в зависимости от того, насколько реалистичным будет эффект объема. Есть варианты покрытий, в которых изображение дополняется особыми материалами, имитирующими песок, штукатурку или другие подобные материалы.

Следующим способом, позволяющим украсить свой дом, разместив 3д рисунки на его стенах, будет покупка обоев с картинами, нанесенными особенной краской. Эффект объема проявляется на них только тогда, когда картина освещена ультрафиолетовым светом. Под обычным освещением, это ничем не выделяющиеся покрытия, иногда даже вовсе без видимых орнаментов. Однако, стоит включить ультрафиолетовую лампу, изображение становится трехмерным и приобретает совершенно другие очертания.

Последний тип такого декора подойдёт только тем, кто обладает художественным талантом – создать объемный рисунок на стене своими руками. При этом, есть несколько техник, включающих в себя не только использование красок. Можно создать картину из декоративной штукатурки, вылепить ее из гипса или использовать метод аппликации – способов очень много. Важно лишь решить, какой из способов позволит получить наиболее достойный результат, учитывая ваши собственные таланты.

Готовые изделия

Наиболее простое решение для украшения своего дома трехмерной картиной. Если выбрать обои с таким эффектом, нужно помнить, что от того, насколько ровным и гладким будет основание напрямую зависит реалистичность изображения. Поэтому, стены придется тщательно выровнять и подготовить под наклеивание покрытия. Дальше все будет не сложнее, чем наклеить обычные обои и процесс ничем не отличается от работы со стандартным покрытием такого типа.

Для объемных узоров, проявляющихся под воздействием ультрафиолета, необходимо будет приобрести специальную лампу и подключить ее. Кроме того, источник света нужно будет расположить так, чтобы он освещал поверхность полностью. Придется поискать место для установки лампы и решить, как она будет смонтирована – на постоянной или временной основе. Следует помнить, что держать ее включённой постоянно нельзя, так как ультрафиолет воздействует на глаза и они очень быстро устают.

Самостоятельное изготовление

Даже если вы очень хорошо рисуете, следует понимать, что нарисовать обычный и объемный рисунок на стене – две совершенно разные по сложности исполнения задачи. Даже простой, не имеющий объемного эффекта узор на большой поверхности изобразить непросто, а работать с объемными картинами намного сложнее. Придется изучить технику нанесения подобных орнаментов и потренироваться, прежде, чем переходить непосредственно к украшению стен своего дома.

Намного проще выглядит декорирование реально объемными деталями. Их можно вылепить из гипсовой смеси, декоративной штукатурки или создать реалистичную 3д аппликацию. Помимо того, что создать нечто подобное своими руками намного проще, это еще и наиболее недорогой вариант декора – материалы стоят не слишком дорого и доступны в любом строительном магазине.

Картины для интерьера своими руками 75 фото идей

Декором завершают оформление обстановки дома, но с него же начинается, пожалуй, самый увлекательный и творческий этап. В современных интерьерных решениях стало модным заменять приобретенные элементы на созданные собственноручно. Техника handmade становится ошеломительно популярной. Вещицы не только делают для себя, но и дарят близким, а особо талантливые мастера даже продают работы. Если открытые полки можно заставить сувенирами, привезенными из путешествий и милыми вещицами (вазами, статуэтками), то декорирование стен порой ставит в тупик. Обычно на их поверхность наносят слой шпатлевки, а затем штукатурки или обоев. Однако «сплошные» стены, пусть и с красивыми покрытием, все равно кажутся «голыми» и создают ощущение незавершенности.

Необычным украшением станут картины для интерьера, сделанные своими руками. Они преобразят домашнюю обстановку и добавят креативные нотки в убранство комнаты. Самой известной и сложной техникой создания картин, которая первой приходит на ум, является живопись. Искусство рисовать изображения красками не каждому по силам, но существует ряд других вариантов, к одному из которых талант может проснуться совершенно неожиданно. Оригинальные картинки могут получиться из подручных материалов: ткань, крупы, цветы, веточки, кожа, бисер, бумага, фурнитура, нитки. Техник создания подлинных шедевров масса, а творческий процесс настолько увлекателен, что затянет словно в водоворот.

С чего начать и где искать вдохновение

Вы загорелись идеей создать картину собственными руками, но совершенно потерялись и не знаете, с какого конца развязывать этот узел. Попробуйте зайти в комнату, где предполагается размещение полотна. Сама обстановка помещения, его убранство должно навеять нужные мысли или хотя бы задать вектор. Выберите стену, где повесите картину. Оцените цветовое решение, фактуры материалов, игру света. Закройте глаза, и попробуйте нарисовать набросок в воображении. Если вы простояли столбом посреди комнаты, но так и не смогли ничего придумать, то самое время обратиться за помощью к работам других авторов. Чужие арт объекты порой становятся кладезем интересных идей.

Изучите технику, определите уровень сложности понравившейся работы, подберите необходимые материалы. Но, пожалуй, самое главное — верно оценить свои возможности и таланты декоратора. Если ваш уровень ниже среднего, близкий к начальному, то лучше пробу пера проводить на простых вариантах. Одного желания мало, в полный комплект входят еще талант и мастерство. Если последнее придет со временем после упорных практических занятий, то отсутствие дара полностью компенсировать старанием невозможно. Муза, как известно, дама с характером и по первому зову не приходит. Таинство ее призыва не предполагает проведения особых обрядов. У каждого человека свои источники вдохновения, однако большинство из нас черпает его из природы: ее запахов, звуков и видов. Будь это дерево, цветочный букет, птичьи трели, ароматы свежескошенной травы, игра солнечных лучей на стеклах или щупальца тумана на утреннем поле. Этот источник вдохновения неисчерпаем. К нему можно припадать постоянно.

Способы создания картины

Методик созданий картин масса. С каждым годом появляются все новые оригинальные техники. Среди популярных способов отмечают:

• Силуэтные картины;
• Техника мозаики из стеклышек или яичной скорлупы;
• Объемные композиции;
• Картины из бисера, кабошонов, лент шибори, кристаллов, пайеток;
• Изображения из пенопласта;
• Подсвеченный декор;
• Изображения из лоскутков ткани, лент и фурнитуры;
• Нити и гвоздики в качестве основы;
• Композиции из зерен, круп и бобовых;
• Экологичные изделия из натуральных материалов;
• Гербарии на бумаге;
• Вышивка.

Это список только популярных методов, а весь перечень их названий не уместится и на нескольких страницах. Любой материал может использоваться разными способами, и каждый результат будет совершенно непохож на готовую композицию, созданную в другой технике. Для большинства работ потребуются только ножницы, нож канцелярский, иглы и клей. Базовый набор инструментов найдется в каждом доме.

Абстракция

Для абстракционизма не характерно отображение окружающей действительности. Это направление искусства передает скорее восприятие мира автором. В большей степени абстрактность зациклена на ощущениях человека, который уже что-то увидел или услышал и решил этим откровением поделиться с другими. В традиционной живописи зрителям предлагают самостоятельно интерпретировать композицию, которую ценят за точность передачи цветов и линий. Абстрактность не вынуждает художника к гиперреализму, поэтому вид искусства подходит для начинающих. В основе полотна часто лежат геометрические узоры, ломанные или закругленные линии, странные цветовые сочетания, неясные силуэты. Для картин с размытыми чертами используют акварель, так как она отлично передает подобное настроение. Чтобы получились более точные детали, берут акрил, темперу или гуашь. Последняя гораздо дешевле, поэтому подойдет для первых робких попыток найти себя в мире искусства.

Световая картина

Световые картины эффектно смотрятся ночью, они также выполняют функцию декоративных светильников. Подготовьте шаблон с рисунком. Каждый элемент вырезают отдельно и переносят его контуры на лист пластика. Не рекомендуют использовать полностью прозрачный материал, но и плотный лист МДФ не подойдет. Найдите усредненный вариант, который будет пропускать свет. Картина должна иметь несколько уровней, для объемного эффекта, поэтому композицию из пластиковых деталей дробят на слои. Между ними прокладывают ленточки из пенопласта. Все слои приклеивают друг к другу и к основе. После высыхания ее вставляют в рамку. С оборотной стороны в ней выпиливают специальный паз под провод. Затем по периметру протягивают RGB ленту. Паз необходим для вывода контроллера. Картина готова, чтобы оценить ее красоту достаточно выключить свет и нажать пару кнопок на пульте управления.

Картина из нитей

Лет двадцать назад эти произведения стали новым словом в искусстве. Вам потребуется деревянная основа, мелкие гвоздики, молоток и нитки. Сначала конечно нужно нанести набросок на полотно. Затем по его контуру забивают гвоздики. Расстояние между ними обычно не превышает 0,5 см. Чем ближе будут стоять гвоздики друг к другу, тем меньше «пустот» образуется в картине. Начинать советуют с простых форм, чтобы набить руку. Затем берут первую нитку, аккуратно закрепляют ее и начинают оборачивать каждый гвоздик. Отдельные модули выполняют в разных цветах. В другой технике используют толстые шерстяные нитки. На основу с нанесенным рисунком их начинают приклеивать. Конец нитки прикрепляют к центру элемента и начинают оборачивать ее вокруг него, образуя концентрические круги. Готовые полотна получаются мягкими, объемными и приятными на ощупь.

Стильные картины-силуэты

Пожалуй, это лучший вариант для тех, кто умеет рисовать только цветочки на задних страницах тетрадей. Картины-силуэты универсальны и походят как к классическим стилям, так и к современным. Выполняют их из бумаги, используют краски или маркер. Чтобы сделать подобный элемент достаточно подготовить исходник. Образец переносят на холст самостоятельно или дублируют с шаблона, а затем закрашивают. Чтобы из обычного портрета получить силуэтный для исходника, необходимо подкорректировать настройки контрастности в любой простенькой программке-фотошопе.

Эко-картины

Для создания эко-картин используют любые натуральные материалы: кусочки дерева, веточки, камни, травинки, листья, мох. Составляющие приклеивают на плотную основу и помещают в рамочку. Необычно и красиво смотрятся триптихи, состоящие из нескольких модулей. К примеру, в основе декора лежит три цвета: серый, черный и фиолетовый. Возьмите сухие ветки и разделите каждую поперек на три части. Самый нижний «пучок» плотно скрепляют ниткой. Его окрашивают в фиолетовый, приклеивают к черному холсту и окружают серой рамкой. Следующий модуль будет чуть поменьше. Внутри фиолетовой рамки располагают вторую часть черных веточек на сером холсте, который служит продолжением предыдущей композиции. Последний модуль состоит из «верхушек». Веточки окрашивают в серый, помещают в черную рамку на холсте фиолетового цвета. Триптих размещают вертикально со смещением в одну сторону. Закрывать стеклом подобную композицию не рекомендуется, так как ее рельеф смотрится естественно и органично. Своеобразными картинами из мха можно украсить спальню или зал. Арт объект принесет гармонию в комнату, сделает ее более умиротворенной.

Картина из бумаги

Работа с бумагой представлена множеством техник. В последние годы настоящий «бум» пережил квиллинг: создание изображений с помощью ленточек, скрученных особым образом. Готовое изделие получается объемным, а набившие руку мастера могут воссоздавать огромные полотна с точностью в мелких деталях. Также можно сделать рельефное покрытие из папье-маше (размоченной бумажной массы). Полотно сверху красят и помещают в рамку. Из материала создают отдельные элементы в технике оригами, которые после приклеивают к основе. Великолепно смотрятся модульные картины из маленьких бумажных кусочков, сложенных в объемные треугольники или квадраты в этой же технике.

Картина из бобовых

Для изделий этого типа, пожалуй, самый короткий мастер-класс. Все, что потребуется для работы, так это основа, крупы (бобовыми можно не ограничиваться) и клей. На холст наносят набросок рисунка. Затем его отдельные части промазывают клеем, а сверху на него накладывают сыпучий декор. Использовать можно не только фасоль нут или горох, но и макароны, рис, гречку, кофейные зерна и даже соль.

Картина из пенопласта

Полотна из пенопласта выполняют в двух популярных техниках. Оба типа используют вспененный пластик исключительно в качестве основы, для декорирования которой необходима ткань. Первый способ позволит создать абстракции, которые сложной геометрией подчеркнут особенности интерьера. На пенопласт особой формы (чаще квадратной) накладывают цельные куски ткани с различными узорами. Полотно обрезают по краям, которые заворачивают к оборотной стороне основы и закрепляют на ней (скрепки или клей). В рамах подобные картины не нуждаются. На стене обычно красуются композиции из нескольких холстов. Другая техника — кинусайга потребует большего терпения. На пенопластовую основу наносят карандашом рисунок. Начните с простых геометрических узоров. Затем по контуру проводят канцелярским ножом. Тканевые лоскутки чуть больше по размеру, чем сам элемент, накладывают на него. Их края вдавливают в надрезы тонким, плоским инструментом (металлическая линейка, пилочка) таким образом, чтобы на поверхности не было складок. После того, как простая картина будет готова можно попробовать более сложные изображения со «рваными» чертами.
Важно знать. Техника кинусайга, как становится понятно из названия, появилась с Японии. Обычно таким образом вторично использовали ткани из старых кимоно, которые не принято выбрасывать.

Объемная картина

Для создания объемных полотен используют любые материалы, имеющие рельеф. Однако более изящно смотрятся картины из шелковых лент, кожи и фоамирана. Чем лучше элемент будет держать форму, тем проще составить композицию. Из кожи могут получиться весьма аккуратные картинки. Отдельные куски ткани просто приклеивают к основе, сохраняя при этом складочки для объема. Из шелковых лент создают роскошные букеты. Преимущество материала в его податливости: достаточно закрепить нитками ткань в определенном положении, и она его сохранит. Некоторые добиваются объема путем дублирования деталей. Обычно выполняются изделия из бумаги. Вырезают два одинаковых элемента. К лицевой стороне одного прикрепляют несколько «ножек» из пенопласта. Их приклеивают к изнанке второй аналогичной детали. Получается эффект объема. Оригинально смотрится подобный прием в плоских картинах, где отдельные участки становятся акцентными.

Картина-гербарий

Почти каждый в свое время собирал кленовые листья в осенних парках и засушивал особо красивые цветы между страничками книг. О «тайничке» многие забывали и спустя годы находка, случайно выпав, напоминала о временах беззаботной юности. Цветы и листья для гербария перед процессом заготовки нужно просушить. Их укладывают между слоями рисовой бумаги или салфеток. Материал отлично впитывает лишнюю влагу. Затем компоненты будущего гербария в окружении нескольких слоев картона помещают под пресс. Примерно недели будет достаточно для качественного просушивания и выравнивания.

На основу цветы и листья прикрепляют клеем для декупажа. Композиция зависит только от фантазии создателя. Это могут быть букетики из полевых цветов, декорированные шелковыми лентами или абстрактные картины. Чтобы полотно сохранилось дольше, его покрывают слоем лака или эпоксидной смолой. Эффектно смотрятся декоративные холсты с цветами сакуры на нарисованных гуашью ветках. Подобной картиной можно украшать интерьеры, оформленные в японском стиле или минимализме.

Картина бисером и кристаллами

Изделиями из бисера и стекляруса уже никого не удивишь. Украшения из них стали популярными еще лет тридцать назад. Для работы лучше приобрести качественные материалы, одинаковых размеров, которые помогут сделать аккуратную картину. Лучшим считается якутский бисер и японский тоно. Для создания акцентных элементов рекомендуют использовать кабошоны соответствующих расцветок. Полудрагоценные и драгоценные камни шлифуют особым образом. В результате они получаются выпуклыми, но с плоской основой. Бисерные картины вышивают. Вместо ниток лучше использовать тонкую леску: она крепче и надежнее. Картины кристаллами продаются в наборах. В стандартный комплект входят кристаллы в индивидуальных пакетиках под номерами, два вида пинцетов, лоток для мелких деталей, специальный клейкий брусочек, в который обмакивают палочку для прижимания «алмазов» к полотну, и холст с нанесенным на него изображением. В каждой упаковке присутствует инструкция. Холст заранее покрыт специальным липким слоем, который отлично держит кристаллы. Последние могут быть круглой или квадратной формы. Чаще полотна получаются сплошные без пустот, но иногда на эффектном черном фоне создают блестящие рисунки-очертания зверей, птиц, людей. Готовую работу покрывают тканью и закрепляют, пройдясь скалкой по поверхности с усилием. Главное преимущество картин из кристаллов: они не выгорают в отличие от вышивки и сохранят свой первоначальный вид даже спустя годы.

Декор из бисера тоже стоит делать по готовой схеме. Ее можно найти на просторах интернета либо купить в специальных магазинах для рукодельниц.

Картины на ткани

Тканевые картины обычно выполнятся из лоскутков. Начинают работу с натягивания полотна-основы на подрамник. Процедуру выполняют аккуратно, избегая образования ненужных складочек. Затем на холст карандашом наносят рисунок. Если талантом художника вы не обладаете, то можно воспользоваться шаблоном. Продаются даже специальные наборы, где на полотне уже есть рисунок с пронумерованными зонами для отдельных цветов. Затем для работы понадобятся ножницы, нитки, иголка и кусочки ткани. Лоскутки вырезают по форме элемента, который будут ими «закрывать» с небольшими запасами и пришивают к основе.

Заключение

Картины в интерьере станут центром, изюминкой обстановки. Оригинально выполненный декор не получится использовать в качестве фона, он будет приковывать к себе чужие взгляды. Попробовав себя в роли декоратора один раз, многие этим не ограничиваются и продолжают творческие эксперименты. Когда масштабы работ выходят за рамки удовлетворения личной потребности в декоре, их начинают дарить близким, а после даже продают в качестве авторских картин.

Пейзажи на стене объемные. Потрясающая роспись стен с 3Д эффектом в закладки 17

Пейзажи на стене объемные. Потрясающая роспись стен с 3Д эффектом в закладки 17

Один из способов “обмануть” присутствующего в интерьере – это трехмерные изображения на стенах, выполняемые художниками со времен античности. Сейчас этот вид декора интерьера не менее актуален, нежели во времена Витрувия. Художники с присущим им одним чутьем и знанием законов светотени расписывают участки стен так, что издали невозможно догадаться – настоящая лепнина на стене или нет!

По прежнему эта техника актуальна в классическом интерьере – в виде росписей различных гипсовых деталей и элементов декора. Художники с помощью красок часто имитируют колонны с капителями, портики, балюстраду балконов.

Также, используется роспись с мотивами пейзажей, якобы находящихся по ту сторону стены. Что ни говори – а выглядит потрясающе!

3Д рисунки на стене. Как сделать 3D-стену в своей квартире?

Как сделать 3D-стену в своей квартире? Оказывается, это не настолько сложно, как вам могло бы показаться на первый взгляд.

3D-стена

Что добавить в комнату, чтобы она была необычной? Конечно же, объемный эффект.

Если вы находитесь в городе, то это не значит, что оформление вашей квартиры должно быть скучным и унылым. С помощью некоторых хитрых приемов вы сможете, не выходя из дома, перенестись в любую точку мира словно по мановению волшебной палочки.

Тут сразу же возникает множество вопросов.

• Что можно нарисовать в своей квартире?
• Как сделать так, чтобы это хорошо смотрелось в интерьере?
• Какие материалы при этом стоит использовать?

Один из главных вопросов касается стоимости подобных услуг. Ведь далеко не каждый человек, стремящийся оригинальным образом оформить свою квартиру, обладает для этого достаточными художественными навыками, чтобы справиться с данной задачей своими силами.

Рисунки на стенах

Можно ли рисовать на стенах? Конечно же, да. Не стоит бояться экспериментировать и привносить в свой интерьер новые интересные мотивы.

И если раньше подобные желания и намерения могли расценить в качестве хулиганства, то теперь это является на полном серьезе новым модным направлением в дизайне интерьера.

И если ваш ребенок рисует на обоях, то не стоит его ругать за это.

Возможно, таким образом он проявляет свои творческие способности. Возможно, чтобы не погубить талант своего малыша, его стоит отдать на занятия в художественную школу.

А можно поступить немного другим образом: обустроить детскую таким образом, чтобы стены могли расцениваться как полноценные холсты для творчества.

Хорошо, если у вас есть хорошие художественные способности. Тогда вы можете сами справиться с непростой задачей разнообразить свой интерьер при помощи объемных рисунков.

А что делать, когда художественных способностей нет? Стоит ли отказываться от такой необычной идеи?

Конечно же, не стоит. Прежде всего, вы можете позвать к себе домой профессионального художника, чтобы он смог воплотить все ваши пожелания в жизнь.

Однако, это является довольно дорогостоящим удовольствием. Что делать, если вы не можете позволить себе подобную услугу по финансовым соображениям?

Мы спешим вам обрадовать. Для подобных случаев предусмотрены специальные трафареты .

Пользоваться ими будет довольно просто. Фактически рисунок уже готов. Осталось только нанести его на стену с помощью красок.

Вы можете приобрести подобные трафареты в специализированных магазинах уже в готовом виде. А если вы хотите сэкономить еще больше, то вы можете изготовить их самостоятельно.

Для этого вам понадобятся следующие материалы:

• картон;
• ватман;
• бумага высокой плотности.

Для закрепления трафарета на поверхности стены рекомендуют пользоваться малярным скотчем. Так вы избавите себя от досадных недоразумений, которые могут возникнуть, если вы будете держать подобную форму руками.

Да и руки не будут уставать. Да и тем более они вам еще понадобятся: это произойдет непосредственно в процессе рисования.

Для нанесения изображения на стену лучше всего использовать специальные краски, продающиеся в баллончиках. Распыление позволит вам нанести их максимально ровно.

Для того, чтобы краска не попала на те места, где ее не должно быть, вы можете закрыть их при помощи газет или полиэтилена.

Обязательно дайте краске высохнуть. Возможно, что для большей яркости вам нужно будет нанести краску в несколько слоев.

Как разнообразить интерьер

Добавление необычных элементов в интерьер способно придать новые краски вашей старой квартире. Здесь можно упомянуть различные изображения, обладающие объемным эффектом.

Прежде всего, составьте 3D-рисунок комнаты . Он поможет вам сориентироваться, каким образом лучше будет подойти к оформлению своего помещения, чтобы все элементы в нем гармонично сочетались между собой.

Фотообои не самое дешевое удовольствие. Особенно, если они покупаются не в готовом виде в специализированном магазине, а производятся в индивидуальном порядке на заказ с учетом всех ваших пожеланий.

А уж что говорить о том, чтобы заказать услуги профессионального художника, чтобы он смог оформить стены вашего помещения реалистичными изображениями с 3D-эффектом? Однако, все затраченные финансовые средства не пропадут даром, если взамен вы получите интерьер своей мечты.

Источник: https://mdmstroyproekt.ru/stati/obemnye-peyzazhi-na-stene-potryasayushchaya-rospis-sten-s-3d-effektom-v-zakladki-17

Как рисовать на стене. Рисунок на стене. Больше 100 лучших дизайнерских идей

Стремитесь создать оригинальный интерьер? Похвально! Часто мы встречаем однотипные помещения, которые похожи между собой, словно близнецы. Однако, если проявить фантазию, комната может получить свой характер. Одним из необычных инструментов создания оригинального интерьера стали рисунки на стенах.

Отличный способ оживить интерьер – это рисунки на стенах. Но какой же вариант выбрать?

Абстракция

Создать картину на стене сможет только профессиональный художник либо человек, который прекрасно рисует сам. Чтобы результат вам понравился, надо четко понимать, чего вы хотите – сложный либо простой рисунок, определиться со стилем. Для начала подробно все распланируйте, а потом можно начинать творить!

Крупные цветы и тропические листья

Жителям городов зачастую не хватает отдыха, а потому цветочный рисунок на стене создаст ощущение единения с природой, подарит гармонию и умиротворение.

Трафаретный рисунок

На стену узор можно наносить при помощи трафарета. Подобная техника предоставляет широкий простор для фантазии, дает возможность играть на контрасте цветов. Этот тип украшения стен подходит для мелкого формата и монохромного рисунка. Трафарет можно купить либо самостоятельно подготовить контур на принтере, который потом переводится на плотный картон.

Трафаретный рисунок подходит для оформления стильных детских комнат, поскольку простая технология позволяет работать над украшением интерьера даже детям. Очень необычно смотрятся рельефные рисунки и классические изящные узоры в стиле модерн, ретро и абстракции.

Жидкие обои

Еще одним нововведением в декорировании стен стал рисунок жидкими обоями. Здесь можно использовать трафареты и масштабировать контуры на стену. Раскрашивать стену нужно поэтапно после того, как высыхают смежные части рисунка.

Рисунки валиком

Рельефный либо стандартный рисунок можно наносить специальным валиком с двумя цилиндрами. Процесс мало чем отличается от привычной покраски стен. Однако фантазию можно проявить, используя раскрашенный участок стены для зонирования помещения.

3D изображения

Такую работу выполняют строительными гипсовыми смесями и шпателями. На заранее нарисованный эскиз наносят раствор там, где требуется объем. Процесс сродни работе скульптора, а потому требует терпения и внимательности. После высыхания объемной композиции ее можно красить, однако этот вовсе не обязательно.

Роспись по декоративной штукатурке

Идеальной основой для художественной композиции считается фактурная и текстурная штукатурка. Она дает возможность создания оригинального зрительного эффекта. Некоторые из работ напоминают рельефную картину либо старинную фреску.

Если грамотно сочетать рисунок и тип поверхности, картины будут максимально реалистичными. Это искусство требует опытности и правильного соблюдения технологий.

Рисунки в разных комнатах

В гостиной

Здесь прекрасно выглядят городские, природные и морские пейзажи. В эту комнату подбирают нейтральные картинки, создающие легкую приятную обстановку.

В спальне

Рисунки в этой комнате должны располагать к спокойствию и уюту, а потому для композиции выбирают пастельные нежные тона. Изображение может напоминать облака на небе, райских птиц, веточки сакуры, изящных бабочек. Главное придерживаться теплой и мягкой гаммы цветов.

В кухне

Дизайнеры не советуют здесь расписывать стену около плиты, чтобы пар не повредил работу. В кухне отлично смотрятся ветки плодовых деревьев, этнические орнаменты и скандинавские узоры.

В ванной

Учитывая высокую влажность, в этой комнате роспись делают акриловыми водостойкими красками. Для росписи подходит пейзаж морского дна, фонтаны, жемчужины, римские термы.

В прихожей

Переступив порог вашего дома, гости могут увидеть стильный рисунок, созданный в нужном стиле. Вы можете выбрать природную картинку, геометрические мотивы или абстрактный узор.

Видео объемные КАРТИНЫ на стене

Объемные картины своими руками: техника 3D в доме (52 фото)

Украшение интерьера – это завершающая стадия ремонта или смены обстановки. Конечно, превыше всего ценятся эксклюзивные украшения, но они очень дороги и не всегда подходят к отделке помещения. А ведь многие красивые и современные вещи можно сделать своими руками. Например, такое модное и необычное украшение как объемные картины. Их можно сделать из самых разных материалов: бумаги, картона, кожи, шерсти, бисера, шпаклевки. Несомненно, в каждом доме найдутся ненужные остатки от каких-либо работ, а недостающие легко купить в магазинах для творчества.

Объемные картины из бумаги своими руками

С бумажной картины начать проще всего – бумага дешевая, купить ее нетрудно, а ассортимент в магазинах огромен. Для создания объемной картины нам понадобятся:

• бумага;
• канцелярский нож;
• ножницы, краски;
• цветной картон;
• клей ПВА;
• рамка с невысокими бортиками;
• подходящий сюжет.

Из рамки вытащим стекло и оклеим подложку однотонной бумагой. Она будет служить фоном. Создание объемных деталей заключается в том, чтобы вырезанную из бумаги или картона деталь согнуть и частично приклеить к фону. Отдельные детали перед наклеиванием нужно покрасить и дать высохнуть.

Красиво выглядят наклеенные таким образом бабочки, цветы, фигурки животных, букеты. Аппликацию удачно дополнят отдельные элементы, выполненные в технике квиллинга. Так называются составленные в композицию узкие, скрученные в спиральки, длинные полоски бумаги. Готовую объемную картину уберем обратно в рамку и определим на постоянное место.

Объемные картины из кожи

Для создания такой картины совсем не обязательно покупать дорогую новую кожу. В дело пойдут целые кусочки от износившихся вещей: сумки, сапог, плаща и даже перчаток. Кожу можно красить акриловыми красками, если не нашлось подходящей по цвету. В целом технология создания объемной картины из кожи ничем не отличается от такой же из бумаги.

Объемные картины из ткани

У каждой рукодельницы имеются запасы тканей и множество лоскутков, оставшихся от шитья. Хорошая хозяйка всегда найдет им применение. Пэчворк – техника лоскутного шитья – известна издавна и сочетает в себе красоту удачно подобранных лоскутков и практичность. Умелая швея сможет создать из них настоящее произведение искусства, которое захочется долго рассматривать.

Для создания объемной картины из ткани нам понадобятся:

• рамка;
• лоскуты тканей;
• ватин;
• разноцветные нитки;
• иголки;
• швейная машина с функцией зиг-заг;
• понравившийся сюжет.

Для начала нужно разобрать рамку: вытащить стекло и задник. Задник обтянуть ватином и пока оставить. Подобрать подходящий по цвету и размеру большой лоскут ткани, который будет фоном. На этот фон нужно с помощью копировальной бумаги перенести контуры будущей картины. Потом еще раз перенести контуры на кальку и вырезать. Так мы получили «выкройку», для которой подберем подходящие по цвету и размеру лоскутки. Этот процесс может занять довольно много времени, пока лоскутки не сложатся красиво.

Теперь частички картины нужно настрочить на фон на швейной машине, используя мелкий зиг-заг и подбирая нитки в тон либо контрастные. Отдельные мелкие элементы картины можно вышить вручную. В конце готовую аппликацию из ткани аккуратно натягивают на задник поверх ватина и закрепляют на обратной стороне с помощью клея. Теперь можно собрать рамку, вставив стекло и задник с готовой картиной.

Еще одна техника создания объемных картин из ткани заключается в том, чтобы вырезать из плотного картона отдельные части картины, наклеить на них поролон такого же размера и сверху обтянуть тканью. После того как все части будут обтянуты тканью, их следует собрать на подложке и приклеить плотно друг к другу, не оставляя щелей.

Объемные картины из бисера

Нам понадобятся:

• бусинки нужного цвета и размера;
• нитки;
• иголки;
• готовый сюжет для вышивки;
• рамка.

Если вы никогда раньше не имели дела с вышивкой и бисером, можно пойти простым путем: купить готовый набор для вышивания бисером. Если готовы взяться за работу посложнее, то нужно будет выбрать рисунок для будущей картины и самостоятельно подобрать к нему необходимый бисер в магазине.

Работа будет заключаться в том, чтобы нанизывать бисер на иглу и делать бисерные стежки на тканевой основе с нанесенными на него линиями рисунка. Эта работа очень похожа на обычную вышивку гладью. По окончании вышивки также обрамляем получившееся объемное изображение в рамку.

Объемные картины из шпаклевки

Вам наверняка уже приходилось работать с шпаклевкой. Например, заделывать швы перед покраской или выравнивать трещины в стенах перед наклейкой обоев. Имея минимальные навыки работы со шпателем, можно попробовать сделать объемную картину из шпаклевки своими руками.

Нам понадобятся:

• шпаклевка;
• грунтовка;
• шпатели разной ширины;
• водоэмульсионные и акриловые краски.

В первую очередь необходимо подготовить поверхность: выровнять, заделать трещины, загрунтовать и зачистить наждачной бумагой. Далее нанести с помощью копировальной бумаги контуры будущей картины. Затем отмерьте нужное количество шпаклевки, разведите водой и тщательно размешайте до образования однородной массы.

Самый простой вариант создания объемного изображения из шпаклевки – это работа шпателем. С его помощью можно создать несложные орнаменты, абстракции, ветки деревьев, цветы. Небольшое количество шпаклевочного состава наберите на шпатель и нанесите в нужном месте.

Лишнее потом можно счистить, а сейчас необходимо нанести состав везде, где это нужно.

Через некоторое время состав несколько отвердеет, и ему легче будет придавать нужную форму. Пройдитесь влажной кистью по готовому изображению, это сгладит все неровности и придаст мягкие очертания.

После высыхания следует зачистить все лишнее куском наждачной бумаги, стараясь не убрать лишнего. Готовая картина еще раз прокрашивается грунтом. Затем можно приступать к работе красками и кистью. Напоследок нанесите на изображение лак из акрила. Теперь картина не будет бояться воды.

Объемные картины из дерева

Такие картины роскошно смотрятся, но требуют больших усилий и усидчивости. Для работы понадобятся стамески, специальный нож-косяк, мебельный лак, морилка и деревянное полотно. Нужно перенести рисунок на дерево и вырезать по контуру ножом желобки разной глубины, чтобы придать изображению объема. Морилка разных цветов придаст еще большую объемность. Готовую картину покройте лаком.

Как мы видим, возможностей создать своими руками красивую уникальную вещь множество. Главное, чтобы работа доставляла вам удовольствие, а готовая объемная картина вписалась в интерьер и стала предметом гордости за свои умелые и трудолюбивые руки.

Объемные картины на стену своими руками. Как делают картины из шпатлевки

Ручная работа всегда востребована, поэтому многие дизайнеры интерьеров предпочитают самостоятельно создавать оригинальные полотна на стенах комнат. Для этого используется хорошо известная многим шпаклевочная масса. С его помощью довольно легко создать красивое творение. Главное – проявить творческий подход и дать волю своей фантазии.

Композиции для изготовления картин – что предлагает рынок?

Рисование своими руками – занятие, требующее усидчивости и внимания.Однако результатом терпения и проделанной работы станет уникальная картина, которая сделает вашу комнату поистине неповторимой.

Для создания холста можно использовать самые разные составы, независимо от их основы. Среди наиболее популярных материалов выделяются:

• Минеральная смесь – продукт на основе извести, гипса и цемента. Этот материал отличается низкой пластичностью и непродолжительным сроком службы. Стоимость – от 500 до 1 тысячи рублей. для банки;
• Акриловая смесь – это материал на основе акрила, который отличается высокой пластичностью и длительным сроком службы.Цена за банку от 1200 до 2600 рублей;
• Силикатная смесь – изготовлена ​​на основе жидкого стекла, благодаря чему обладает средней пластичностью и длительным сроком эксплуатации. Стоимость – от 1050 до 3 тысяч рублей;
• Силиконовая смесь – изготовлена ​​на основе силиконовой смолы. Эти материалы обладают высокой пластичностью и длительным сроком службы. Стоимость – от 2100 до 3 тысяч рублей. для банки.

Не всегда нужно использовать шпатель для рисования. Однако для работы необходимы перчатки.Они защитят кожу рук от попадания смеси, но в них вы не сможете в полной мере ощутить рельеф полотна. Кроме того, пальцы необходимы для создания миниатюрных элементов панно.

Правильная подготовка поверхности

Как и в случае с другими отделочными работами, перед изготовлением полотна следует тщательно подготовиться к работе. Перед использованием смеси вам необходимо будет сделать стену максимально гладкой и ровной. Таким образом, ваша картина не будет испорчена различными дефектами и повреждениями.Подготовительные мероприятия включают:

1. 1. Смазка поверхности грунтовкой;
2. 2. После высыхания необходимо нанести на поверхность фоновое покрытие;
3. 3. Далее можно перенести холст на стену.

Следует обратить внимание на то, какую смесь вы используете для работы. Например, акриловая грунтовка достаточно быстро сохнет, поэтому вы можете закончить набросок через 2 часа после нанесения. Для этого следует сделать эскиз будущего полотна.Карандаш служит для этого основным инструментом.

На вашем рисунке могут быть нарисованные от руки бабочки, цветы, деревья или животные. Если у вас есть определенные навыки в изобразительном искусстве, то вы вполне можете «качаться», чтобы создать более сложный холст, включающий замысловатые элементы.

Изображение, подготовленное на шероховатой поверхности, лучше всего переносить с помощью копировальной копии. С его помощью вы сделаете меньше ошибок, а готовая поверхность будет выглядеть оригинально и аккуратно.

Стебель со шпателем – техника создания

Изготовление стеблей раствором можно производить двумя способами. В первом случае алгоритм выглядит так:

1. 1. Сначала нарисуйте линию на поверхности. Для этого нужно выполнять плавные движения шпателем, отводя его от себя и прижимая под определенным углом. Таким образом, смесь стечет до области контура карандаша и уместится по длине стебля;
2. 2.Если материал нанесен с образованием излишков, то излишки смеси нужно сразу удалить при помощи бесплатного инструмента;
3. 3. Когда закончите с первой частью, дайте полотну полностью высохнуть. Через несколько часов вы можете продолжить работу со второй частью стены.

Второй способ тоже нельзя назвать сложным. Порядок работы следующий:

1. 1. Средство наносить смесью параллельно стене, на которой уже расположен контур будущего полотна. Устройство должно быть направлено перпендикулярно линии ствола, а не вдоль нее;
2. 2. Удалите лишний материал с помощью свободного инструмента;
3. 3. С помощью бесплатного инструмента сформируйте стебель и дайте полотну высохнуть.

Так же создаются цветы и другие простые творения. Правда, и в таких случаях для работы следует использовать валик. С его помощью можно быстро окрасить лепестки цветной краской.

Если у вас нет навыков создания объемного рисунка, то перед работой следует потренироваться на шероховатой поверхности, используя листы гипсокартона в качестве «черновика».

Техника изготовления канвы шприцем

Еще один популярный метод изготовления рисунка из подготовленной замазки – использование обычного строительного приспособления. Этот метод отлично подходит как для рисования маленьких, так и для больших объектов. При этом его детали получатся достаточно точными, а руки останутся чистыми. Работа выполняется в следующем порядке:

1. 1. Для начала медленно вытащите поршень из инструмента, заполнив его полость массой;
2. 2.После этого аккуратно выдавите смесь, перетаскивая инструмент по нарисованным линиям;
3. 3. Когда контуры изображения полностью обведены массой, начинаем рисовать мелкие элементы холста;
4. 4. Затем оставляем рисунок сохнуть;
5. 5. Далее приготовьте красящий состав на водной основе с разными пигментами и аккуратно нанесите краску на холст с помощью поролоновой губки. В этом случае можно оставить неокрашенными мелкие элементы;
6. 6. Когда фон полностью закончен и высохнет, можно начинать рисовать мелкие детали тонкими кистями.Они помогут сохранить четкость линий и схематичность.
7. 7. К выполнению каждого из этапов следует подходить творчески, по максимуму используя свою фантазию. Также у вас есть возможность поэкспериментировать с разными красителями.

В большинстве случаев результатом проделанной работы являются оригинальные авторские полотна. Конечно, возможны неудачи, но не стоит сдаваться и останавливаться. Продолжайте творить и «набивать руку» в аналогичном случае.

Трафаретная работа – легкий способ украсить стену

Можно сделать оригинальный холст на стене, используя обычную копию.Купить готовый продукт и получить сложную картину можно абсолютно без опыта. Вы также можете сделать картину самостоятельно, сэкономив при этом много денег. В этом случае рисунок переносится на плотную бумагу, из которой затем вырезается копия. После этого изделие нужно будет закрепить на стене с помощью малярного скотча, а подготовленной массой заполнить щели. План дальнейшей работы следующий:

1. 1. Как только масса немного подсохнет, бумагу нужно аккуратно удалить;
2. 2.Пустоты рисунка аккуратно заполняем массой и кистью;
3. 3. Рельеф следует обрызгать водой и смоделировать небольшой кисточкой. Также необходимо обрезать эскиз;
4. 4. Далее дождемся полного высыхания выкройки;
5. 5. Затем удалите все дефекты наждачной бумагой;
6. 6. Обработайте покрытие грунтовочным лаком для увеличения прочности;
7. 7. Покройте всю стену двумя слоями акриловой краски;
8. 8. Нарисуйте узор масляным фломастером или кистью.

Этот метод нетрудно реализовать. Все, что от вас требуется, – это немного терпения и внимания. В результате можно получить выкройку любой сложности и формы.

Ремесло всегда престижно и изысканно. Поэтому среди дизайнеров стало модным использовать в интерьере объемные картины на стене из шпаклевки. Сделать такой декор можно самостоятельно, главное иметь к этому желание, свободное время и немного творческой «жилки».

Общая информация

Прежде всего, нужно сказать, что эта работа не для ленивых и может занять не один день. Однако результатом работы станет уникальный декор, цена которого складывается только из стоимости шпатлевки.

Не беритесь сразу за сложную картину. Чтобы «набить руку» достаточно сделать своими руками небольшое панно из шпаклевки с самым простым рисунком. В этом случае выполнять шлифовку не нужно, а значит, не нужно дышать пылью.

Шпатель нужен не во всех случаях, так как, например, можно вылепить лепестки цветов своими руками. В идеале, конечно, на руки лучше надеть перчатки, однако в этом случае текстура ощущается намного хуже. Таким образом, вы также должны быть готовы к сухой коже и длительному процессу мытья.

Но пальцами можно оставить на стене самые разные формы. Например, можно сделать очень интересный контур, который будет изображать абстракцию или римскую фреску.

Совет! Для покраски лучше всего использовать финишную акриловую шпатлевку.

Малярное исполнение

Конечно, в первую очередь для завершения картины необходимо подготовить основу – стена или поверхность картины должны быть оштукатурены и ровны.

• Поверхность, на которую будет наноситься краска, должна быть загрунтована.
• После высыхания грунта необходимо сделать фон будущего узора; для этого на основание с помощью широкого шпателя наносится тонкий слой шпатлевки.
• После этого следует нанести рисунок на стену. Сохнет он довольно быстро, поэтому через пару часов можно нарисовать карандашом набросок, например, это могут быть бабочки со стрекозами или листики со стеблями. Если у вас есть художественные способности, то вы можете изобразить рисунок более сложным – городские улицы, портрет и т. Д.

Совет! Перенести рисунок на стены можно с помощью копировальной копии. Однако не стоит выбирать слишком сложное изображение, чтобы не усложнять процесс.

Изготовление стеблей шпателем

В качестве примера рассмотрим, как изобразить стебли на стене.

Сделать это можно двумя способами, первый из них выглядит так:

• Лопатку нужно поместить рядом с нарисованной линией, а затем плавно провести по ней инструментом. Таким образом можно нарисовать на стене контур. Шпатель следует прижимать под углом от себя, что позволит шпатлевке соскользнуть к линии карандаша и сформироваться в виде валика вдоль стержня.
• Излишки раствора необходимо удалить вторым шпателем. Как правило, они появляются на противоположной от шпателя стороне.
• Тогда нужно немного подождать, пока стебель высохнет.

По такому же принципу наносятся шпаклевкой на стены другие рисунки.

На фото – простой рисунок, сделанный шпателем

Второй вариант тоже довольно простой:

• ставится параллельно линии, проведенной на стене, однако, она должна быть направлена ​​не по линии, а перпендикулярно.Таким способом в карандашный набросок накачивается шпатлевка.
• Удалите излишки смеси вторым шпателем.
• Стебель тоже делается вторым шпателем; для этого инструмент рисуется по карандашному эскизу.

Так удобно формировать лепестки. После того, как картина высохнет, ее можно раскрасить красками.

Совет! Можно попрактиковаться в выполнении панели из шпаклевки своими руками на листе гипсокартона. Набив руку, вы также можете украсить стену в комнате.

Покраска шприцем

Другой распространенный метод покраски – это покраска шпаклевкой с помощью шприца. Это хорошо, потому что вы можете точно повторить контуры рисунка, к тому же ваши руки останутся чистыми.

Итак, инструкция выглядит так:

• Прежде всего, нужно без иглы вытащить поршень из шприца и заполнить полость замазкой. После этого поршень нужно вставить обратно.
• Затем следует осторожно выдавить состав из шприца и направить его по нарисованной линии.
• После того, как обозначены основные черты чертежа, нужно прорисовать мелкие детали.
• Затем получившуюся картину нужно оставить на некоторое время для высыхания.
• Далее необходимо разбавить краску на водной основе, например, бежевым красителем, и нанести ее на рисунок с помощью губки. Мелкие углубления можно оставить неокрашенными.
• После того, как фон бежевого цвета высохнет, можно приступать к прорисовке мелких деталей. Для этого используйте маленькие кисти, чтобы линии были как можно более схематичными. К написанию картины нужно подходить творчески и с фантазией, также можно экспериментировать с разными цветами.

Заключение

Как правило, результатом проделанной работы являются очень красивые и изящные картины из шпатлевки. Если с первого раза вам не удалось добиться желаемого результата, не отчаивайтесь. Посмотрите внимательно на существующие картины и попробуйте еще раз.

Дополнительную информацию по этой теме смотрите в видео в этой статье.

• Несколько слов о будущих работах
• Подготовка фундамента
• Рисование картины
• Другие способы украшения стен

Любая ручная работа всегда необычна и интересна.Результат неизменно вызывает гордость у мастера и восторг у зрителей. В последнее время многие стали использовать в отделке интерьеров объемные картины из шпаклевки на стенах. Самостоятельно проделать эту работу творческому человеку не составит труда. Для этого потребуется свободное время, простые инструменты и большое желание.

Несколько слов о будущей работе

Отделка стен – кропотливый процесс, требующий аккуратности и внимания. Однако уникальный декор, который станет результатом работы, стоит потраченного на него времени.Работать можно разными методами и инструментами. Выбор зависит от того, какой узор будет изображен, каков его объем и какие материалы используются.

Рисунок 1. Шпателем нанесите замазку по контурам рисунка.

Начинающему мастеру не стоит браться за создание сложной картины. Лучше остановить свой выбор на простом рисунке, детали которого можно выполнить не только шпателем, но и просто вручную. Таким способом будет проще освоить технику создания объемного узора из шпатлевки, ведь можно руками сделать на стене самые разные формы и формы.

Кроме рук для работы потребуются:

1. Шпатлевка.
2. Шпатели разных размеров и форм.
3. Грунтовка.
4. Кисть.
5. Карандаш.

Рисунок 2. Краска наносится на готовый рисунок только после полного высыхания.

Нередко действия выполняются двумя лопатками. Один используется для нанесения раствора на стены, а другой используется для нанесения замазки на основной инструмент и сбора размазанных остатков.Лучше выбирать шпатлевку, которая быстро не застывает. В случае возникновения недочетов или неточностей, возникших в процессе работы, будет достаточно времени на их исправление. Можно выбрать готовый раствор или использовать сухую смесь. Домашнему мастеру лучше использовать сухие смеси. У этого выбора есть несколько преимуществ. В случае прекращения работ на какое-то время сухая смесь может храниться длительное время и не терять своих свойств. При необходимости можно подмешать небольшое количество шпатлевки и сразу же использовать.

Что касается выбора грунтовки, то для помещений с повышенной влажностью (кухни, ванные комнаты) нужно выбирать раствор, способный защитить от плесени.Шпаклевку для таких помещений также следует подбирать соответствующим образом.

Вернуться к содержанию

Подготовка фундамента

Эффекта старения картины можно добиться с помощью кракелюра.

Перед тем, как приступить к творческому процессу, нужно подготовить поверхность, на которой вы планируете разместить будущую картину. Стена должна быть ровной, оштукатуренной и загрунтованной. Шпаклевку можно наносить только после полного высыхания грунтовки.

Для будущего рисунка необходимо подготовить основу, то есть нанести на стену слой шпаклевки.Если выбрана сухая смесь, в первую очередь готовится раствор. Лучше выбрать для этого небольшую емкость. Его ширина не должна мешать свободному проходу шпателя.

Порошок-замазка насыпается в емкость и небольшими порциями доливается вода. Раствор тщательно перемешивают.

Рисунок 3. Детали узора прорисовываются специальным фломастером.

В результате получается тестообразная однородная смесь. Он должен быть достаточно толстым, чтобы не капать с инструментов во время работы.

Широким шпателем наносится раствор на стену. Для удобства лучше использовать два инструмента. Толщина шпаклевочного слоя не должна превышать 1-1,5 мм. Эскиз картины можно наносить на стену только после того, как она высохнет. Это может быть стебель с листьями, мелкие цветочки, бабочки или простой орнамент. Те, кто умеет рисовать, могут нарисовать более сложный рисунок. Однако начинающему мастеру не стоит выбирать изображение с большим количеством деталей, чтобы не столкнуться с трудностями при нанесении шпаклевки.Вы можете набросать рисунок карандашом или перенести готовое изображение с помощью копировальной копии.

Вернуться к содержанию

Рисование рисунка

Перед тем, как рисовать на стене, лучше потренироваться на листе плотной бумаги или картона. Когда руки запомнили все движения, можно переходить к воспроизведению окончательного варианта на стене.

Мелкая наждачная бумага используется для создания плавных линий и гладкой поверхности.

Если вы планируете изобразить стебель с мелкими цветочками, то сделать это можно двумя способами.В первом случае шпатель располагается рядом с линией, обозначающей рисунок. Затем ее следует плавно перемещать по ней, рисуя очертания узора. Инструмент необходимо держать под углом к ​​стене, чтобы раствор мог стекать по карандашной линии, образуя небольшой валик (1). Любой излишек раствора, который появляется на другой стороне, удаляется вторым инструментом. Готовому стеблю нужно дать высохнуть (2). Все остальные детали рисунка наносятся аналогичным образом.

Рисунок из шпатлевки можно нанести и другим способом, прижимая шпатлевку к карандашным линиям.Шпатель с раствором располагается параллельно линиям, а движения направлены перпендикулярно им, как будто нанося шпатлевку небольшими мазками. Излишки нужно удалить вторым инструментом. Он также может участвовать в формировании стебля. Для этого нужно двигать его по карандашным линиям.

Этот метод также подходит для формирования лепестков. После того, как картина полностью высохнет, ее можно раскрасить красками.

Ручная работа всегда выглядит изысканно и «дорого».В последнее время дизайнеры часто используют в декоре барельефы и фактурные картины. Сделать такой неповторимый декор своими руками можно, только немного времени, креативная «жилка» и следующие материалы:

Финиш готовая акриловая шпатлевка

Белая краска на водной основе

2 краски: бежевый и серый

Шприц 20 кубиков

Клей ПВА

Тонкие кисти, губка, карандаш, шпатель

В качестве примера поверхности возьмем фрагмент листа гипсокартона.Предварительно грунтуем водой с ПВА (капнуть немного клея в небольшое количество воды, перемешать и нанести кистью плотным слоем на поверхность).

После высыхания грунтовки нужно из равномерного тонкого слоя шпатлевки сделать фон будущего рисунка (готовую акриловую смесь нанести широким шпателем).

Акриловая шпатлевка достаточно быстро сохнет и через пару часов можно нанести эскиз рисунка карандашом. В данном случае был выбран фрагмент старого здания.

Возьмите шприц без иглы, вытащите поршень и заполните полость замазкой. Вставьте поршень обратно и выдавите отделку по отмеченным линиям.

После того, как обозначите основные черты здания, нарисуйте мелкие детали, деревья, завитки на фасаде. Затем оставьте барельеф, чтобы материал полностью высох.

После высыхания бежевого фона можно приступать к прорисовке мелких деталей.Для этого используйте очень тонкие кисти, чтобы линии и перья были как можно более «прозрачными» и схематичными. Серая краска хорошо оттеняет листья растений, также ее можно использовать для рисования имитации брусчатки перед зданием, кирпичной кладки невысокого забора. В проеме арки будет интересно посмотреть на схематический рисунок очень светлого бежевого цвета – имитация перспективы уходящей вдаль дороги. Вы также можете нарисовать «намек» на дома и деревья вдоль дороги.

В общем, подходите к живописи с воображением, будьте внимательны и терпеливы в столь тонком творчестве. В результате вы получите потрясающе красивую и изящную картинку с подчеркнутой фактурой и игрой цвета.

Cecilia De Torres Ltd – Эдуардо Коста

Эдуардо Коста – Объемные картины: геометрические работы

С 1994 года работа Косты состоит из объемных картин. Стеновые и отдельно стоящие работы состоят из слоев акриловой краски, которые наносятся кистью и шпателем.Нет холста, дерева или какой-либо другой опоры.

На предыдущих презентациях в Нью-Йорке (в галерее Elga Wimmer в 1995 и 1998 годах) Коста демонстрировал как репрезентативные, так и абстрактные картины. На этой выставке работы представляют собой геометрические монохромы, которые выступают из стены на 42 дюйма в пространство. Коллекция включает объемные прямоугольники, сферы и треугольники, которые на самом деле представляют собой «сформированные» куски краски. Они убедительно доказывают крайности в искусстве.

Коста известен как один из первых концептуалистов, который в конце 1960-х годов входил в группу Нью-Йорка, в которую входили Скотт Бертон, Вито Аккончи, Марджори Страйдер, Дэн Грэм и другие. Его «Модная фантастика», серия «вмешательств в средства массовой информации», появившаяся в The New York Times Magazine, Vogue и Harper’s Bazaar в период с 1966 по 1984 год, недавно была выставлена ​​в GLOBAL CONCEPTUALISM (Музей Квинса, Центр искусств Уокера, Художественный музей Майами, и Центр искусства List в Массачусетском технологическом институте.) Аналогичная работа Коста в настоящее время выставляется в HETERTOPÍAS в Museo Reina Sofía в Мадриде, Испания – до 27 февраля, а в мае его работы будут выставлены в POP ART INTERNATIONAL в Центре Жоржа Помпиду. в Париже.

Искусствовед Картер Ратклифф писал об объемных картинах Косты. Коста – художник-концептуалист – или, если хотите, живописный концептуалист. Его концептуализм совсем не обычный, сухой и дидактический, он полон решимости заменить чувственное присутствие произведения искусства теоретическим дискурсом. форма и текстура, ослепительные по цвету. Коста – художник свирепой деликатности ».

Каталог с эссе Александра Альберро, интервью Джона Перро, хронология, библиография, 64 страницы с цветными и ч / б фотографиями.

«Коста использует африканские традиции точно так же, как он использует традиции европейского, североамериканского и южноамериканского авангарда, которым в равной степени обязаны его работы. Все они разрушены, разбиты на части и переформулированы таким образом что четыре континента слиты и в равной степени присутствуют в объемных абстрактных картинах Косты. В конце концов, это самый поразительный и значительный аспект новой серии Косты, поскольку в ней одновременно сливаются не только традиции разных регионов земного шара, но и прошлое и новые и пока еще полностью неизведанные культурные возможности того, что, безусловно, станет беспрецедентно глобальным двадцать первым веком.”
Из книги Александра Альберро” Реформирование модернистской живописи: геометрические абстракции Эдуардо Коста “.

Обзор Карен Уилкин – Предоставлено Партизанское обозрение (2001)

Обзор Эдварда Леффингуэлла – Предоставлено Art in America (июль 2001 г.)

Обзор Даниэля Ротбарта – Предоставлено New York Arts (январь 2001 г. )

Эдуардо Коста

Эдуардо Коста – аргентинский художник, проживший двадцать пять лет в США и четыре – в Бразилии.Он начал свою карьеру в Буэнос-Айресе как представитель поколения Ди Телла и продолжил работать в Нью-Йорке, где внес большой вклад в местный авангард. Он сотрудничал с американскими художниками Вито Аккончи, Скоттом Бертоном, Джоном Перро и Ханной Вайнер, среди других. В Бразилии он участвовал в проектах, организованных Элио Оитичикой, Лигией Папе, Антонио Мануэлем, Лигией Кларк и другими из школы Рио. Его работы обсуждались в Art in America, Art Forum, а также в основных книгах по концептуальному искусству: A.Альберро, Массачусетский технологический институт, 1999; П. Осборн, Федон, 2002; Мари Кармен Рамирес и Эктор Олеа, Йельский / Хьюстонский художественный музей, 2004 г .; Инес. Катценштейн, МоМА, Нью-Йорк, 2004 г., Луис Перес-Орамас и другие, Художественный музей Сан-Антонио, 2004 г .; Луис Камнитцер, Техасский университет, 2007 г., среди прочих. Работы Эдуардо Коста выставлялись в Новом музее в Нью-Йорке; Музей Виктории и Альберта, Лондон; Музей королевы Софии, Мадрид; Музей искусств Квинса, Квинс, Нью-Йорк; Центр искусств Листа, Бостон; Художественный музей Майами, Центр искусств Уокера, Миннесота, МОМА, Буэнос-Айрес; Национальный музей изящных искусств, Буэнос-Айрес и другие.Текущий проект заключается в производстве 30 велосипедов Duchamp / Costa, вдохновленных моделью 1980 года, для выставки работ Дюшана, куратором которой является Джессика Морган (Tate Modern) для фонда Jumex в Мехико.

Пожалуйста, нажмите, чтобы увидеть резюме и хронология

Живописная мастерская | Журнал Architect

Описание проекта

Проект, студия живописи размером 16 х 24 фута, расположен на небольшом жилом участке между двумя основными строениями: резиденцией в задней части здания и архитектурным бюро у входа с улицы.Длинная ось студии с севера на юг проходит параллельно боковой линии участка и отмечает границу между густой естественной растительностью вдоль границы участка и неформальным ландшафтным садом, объединяющим все три структуры. Проект представляет собой размышление о взаимоотношениях между живописью и архитектурой, играя на внутреннем напряжении картин, в которых трехмерное пространство представлено на двухмерной поверхности. Студия в некотором смысле переворачивает это условие, поскольку ее простая объемная конфигурация противоречит трактовке каждого фасада как автономной композиции или «холста».В то же время некоторые из окрашенных бетонных панелей обшивки, кажется, огибают углы, предлагая набор меньших подтомов, вложенных в общую кубическую структуру студии. Таким образом, как и в некоторых картинах, понятие объемного присутствия выражается одновременно с утверждением двухмерности поверхности. В интерьере высотой почти 12 футов окна верхнего этажа расположены вдоль вершины короткой северной стены, в то время как длинная восточная стена не разделена отверстиями, обеспечивая пространство на стене для работы и демонстрации.Большая раздвижная стеклянная дверь в одном конце западной стены обеспечивает доступ к небольшой террасе и ландшафту. Как и обработка внешних панелей, простая внутренняя отделка призвана подорвать простое восприятие объема студии. Стены, пол и потолок выкрашены в один цвет – желтый с южной стороны, отражающий основной источник дневного света; и льняной белый в других местах. Диагонали, обозначающие границы между этими цветовыми полями, предназначены для нарушения статического качества объема, создавая динамическое пространственное состояние при движении в пространстве и через него.

Как сделать объемный рисунок из шпаклевки. Мастер-класс: рельефная роспись из шпатлевки

• Несколько слов о будущих работах
• Подготовка фундамента
• Чертеж
• Другие способы отделки стен

Любая ручная работа всегда необычна и интересна. Результат неизменно вызывает гордость у мастера и восторг у зрителей. В последнее время многие стали использовать при оформлении интерьера объемные картины из шпаклевки на стенах. Самостоятельно проделать эту работу творческому человеку несложно. Для этого потребуется свободное время, простые инструменты и огромное желание.

Несколько слов о будущей работе

Отделка стен – трудоемкий процесс, требующий аккуратности и внимания. Однако уникальный декор, который получится в результате работы, стоит потраченного на него времени. Работа может осуществляться различными приемами и инструментами. Выбор зависит от того, какой узор будет изображен, каков его объем и какие материалы используются.

Рисунок 1. С помощью шпателя следует нанести шпатлевку по контурам рисунка.

Начинающему мастеру не стоит браться за создание сложной картины. Лучше остановить свой выбор на простом рисунке, детали которого можно выполнить не только шпателем, а просто руками. Таким способом будет проще освоить технику создания объемного рисунка из шпаклевки, ведь своими руками можно делать на стене самые разные формы и формы.

Помимо рук, для работы понадобятся:

1. Шпатлевка.
2. Шпатели разных размеров и форм.
3. Грунтовка.
4. Кисть.
5. Карандаш.

Рисунок 2. Краска на готовый рисунок наносится только после полного высыхания.

Нередко действия выполняются двумя лопатками. Один используется для нанесения раствора на стены, а второй – для нанесения шпаклевки на основной инструмент и сбора размазанных остатков.Шпаклевку лучше выбирать ту, которая быстро застывает. В случае появления недочетов или неточностей, возникших в процессе эксплуатации, будет достаточно времени на их исправление. Можно выбрать готовый раствор или использовать сухую смесь. Домашнему мастеру лучше использовать сухие смеси. У этого выбора есть несколько преимуществ. В случае прекращения работ на время сухая смесь может храниться длительное время и не терять своих свойств. При необходимости можно смешать небольшое количество шпатлевки и сразу использовать.

Что касается выбора грунтовки, то для помещений с повышенной влажностью (кухни, ванные комнаты) нужно выбирать раствор, способный защитить от плесени. Шпаклевку для таких помещений тоже нужно выбирать подходящую.

Вернуться к содержанию

Подготовка фундамента

Эффекта старения картины можно добиться с помощью кракелюра.

Перед началом творческого процесса нужно подготовить поверхность, на которой планируется разместить будущую картину. Стена должна быть ровной, оштукатуренной и загрунтованной. Шпаклевку можно наносить только после полного высыхания грунтовки.

Под будущий рисунок необходимо подготовить фундамент, то есть нанести на стену слой шпаклевки.Если была выбрана сухая смесь, то сначала готовится раствор. Емкость для этого лучше выбирать небольшого размера. Его ширина не должна препятствовать свободному прохождению шпателя.

В емкость насыпается шпатлевка и небольшими порциями доливается вода. Раствор тщательно перемешивают.

Рисунок 3. Детали выкройки нарисованы специальным фломастером.

В результате получается пастообразная однородная смесь. Он должен быть достаточно толстым, чтобы во время работы не стекал с инструментов.

Широким шпателем наносится раствор на стену. Для удобства лучше использовать два инструмента. Толщина шпаклевочного слоя не должна превышать 1-1,5 мм. Эскиз картины можно наносить на стену только после того, как она высохнет. Это может быть стебель с листьями, мелкие цветочки, бабочки, простой орнамент. Те, кто умеют рисовать, могут нарисовать более сложную картину. Однако начинающему мастеру не стоит выбирать изображение с большим количеством деталей, чтобы не столкнуться с трудностями при нанесении шпаклевки.Вы можете нарисовать эскиз рисунка карандашом или перенести готовое изображение с помощью копировальной копии.

Вернуться к содержанию

Рисунок

Перед тем, как рисовать на стене, лучше всего потренироваться на листе плотной бумаги или картона. Когда руки запомнят все движения, можно переходить к воспроизведению финального варианта на стене.

Мелкая наждачная бумага используется для создания плавных линий и гладкой поверхности.

Если вы планируете изобразить стебель с мелкими цветочками, то сделать это можно двумя способами.В первом случае шпатель располагается рядом с линией, обозначающей рисунок. Затем ее следует плавно перемещать по ней, рисуя очертания узора. Инструмент нужно держать под углом к ​​стене, чтобы раствор стекал с нее по карандашной линии, образуя небольшой валик (1). С другой стороны, весь появившийся лишний раствор удаляется вторым инструментом. Готовому стеблю нужно дать высохнуть (2). Аналогичным образом наносятся все остальные детали рисунка.

Рисунок шпатлевкой можно наносить еще одним способом, заставляя шпатлевку наноситься на карандашные линии.Шпаклевка с раствором параллельно линиям, а движения перпендикулярны им, как будто нанося шпатлевку небольшими мазками. На втором инструменте нужно удалить излишки. Также он может участвовать в формировании стебля. Для этого нужно двигать его по карандашным линиям.

Этот метод также подходит для формирования лепестков. После того, как картина полностью высохнет, ее можно красить красками.

Здравствуйте!

Открывая свой новый блог, я хочу предложить своим читателям более объемный (почти авантюрный) проект, чем выполнение гипсовых отливок (а я сам спокойно думаю, как применить их в следующих проектах).

Эта работа не для ленивых, но среди вас такого не предвидится.

Однажды пришлось сделать косметический ремонт коридора. Но мастера, который согласился бы выполнить такой небольшой объем работы – «кататься» в коридоре, я не нашел. Удобно. Вы можете изменить цвет в любое время, вам не нужно зависеть от постоянно растущих цен в будущем, ищите дополнительные 2 руки, которые помогут приклеить обои спина к спине. Купила краску на водной основе, добавила краситель и без особого напряжения получила желаемый цвет.Валик на палочке и через сутки стенка меняет. Эмульсия быстро сохнет, не имеет резкого запаха. Но это в будущем. А пока есть стена и с ней что-то делать . ..

Пришлось взять в руки лопатку и изучить весь процесс. Консультантом стал муж, который в свое время многому научился в отрядах. Первый этап мы завершили в 4 руки, а ко второму этапу я решил не допустить – у меня появились свои творческие идеи, требующие более спокойного подхода.

Работая шпателем, я обнаружил, что с помощью шпатлевки, как и гипса, можно делать оригинальные рельефные фигуры. Экспериментируя с разными способами нанесения таких рельефных форм, я научился делать панно на стены. Понятия не имею, есть ли в мире, кроме скульпторов, любители создания подобных рельефов. Но я поделюсь своими находками и постараюсь описать, как создать тот или иной простой рельеф:

Для работы вам потребуются: 2-3 инструмента, называемые шпателем (далее W) – желательно приобретать разные размеры и формы (рис.2).

Обычно работают сразу двое. Один наносит раствор на стену, второй подбирает с него размазанные остатки шпатлевки и снова кладет на первый шпатель, сбивая его на край лезвия.

Еще нужна грунтовка и шпатлевка, наждачная бумага средней зернистости, вода.

Грунтовку можно купить в магазине в готовом виде. Мой фаворит – Кондор, но есть много бытовых грунтовок.

Если нужно сэкономить, то в качестве грунтовки использую клей ПВА.

Шпатлевка. Чаще беру польский и немецкий. Более дорогие, но затвердевают не так быстро, как наши отечественные – поправить недочеты легче, особенно новичкам, потренироваться в применении. В продаже есть разведенные шпатлевки, но я предпочитаю использовать сухие. Во-первых, если работу нужно прервать на какое-то время, то с ней ничего не происходит – она ​​будет храниться минимум год, минимум два (ну да, бывает), а во-вторых, можно немного развести для работы. Усталость у новичков – обычное дело.Правда пылится. Но, если все делать аккуратно и медленно, то жить вполне можно. Для стен в ванной можно выбрать грунтовку с защитой от плесени и шпатлевку для помещений с повышенной влажностью (в подсказке магазина).

Перед началом работ, конечно же, нужно освободить стену от обоев или покрасить. Очистить от обрывков газет. Если обои на стену были наклеены более одного раза, то достаточно их почистить. Бумагу удобно предварительно смочить водой и дать ей впитаться, после чего можно соскрести шпателем все лоскутки.

Если в недавно снятом доме вас встретили только оштукатуренные стены, то их нужно 1-2 раза пропитать грунтовкой. Наносится большой большой кистью или валиком равномерно по всей стене.

Грунтовки обычно разбавляют водой. Принцип разведения написан на упаковке. Иногда для грунтовки использую клей ПВА – разбавляю водой 1:10 и пропитываю этой жидкостью стены сверху вниз.

После высыхания (обычно несколько часов) стену можно шпаклевать.

Готовим шпаклевочный раствор. Берем емкость (новичкам рекомендую маленькую) соразмерную ширине шпателя (чтобы он легко входил и выходил) и степени возможной утомляемости, насыпаем в нее шпаклевочную пудру и, добавляя немного воды, постепенно перемешиваем тщательно (чтобы не было комков), создавая пастообразную массу (рис. 2). В зависимости от того, какой слой вы наносите – 1-й или 2-й, шпаклевку можно разбавить немного тоньше или немного толще. НО это “тесто” не должно легко стекать с лопатки! Если желаемая густота не достигается, добавьте немного шпатлевки и хорошо перемешайте.

Итак, раствор перемешали. Берем Ш. Большего размера в правой руке, если ты правша (левши все делают с зеркалом напротив), и чуть меньше в левой шпатлевке (впрочем, можно и то же дело вкуса ).

При первом нанесении пастообразную массу можно сразу зачерпнуть. Sh. из контейнера, или вы можете использовать второй, меньшего размера, а затем нанести раствор на первый Sh. (рис.3)

Второй S. собирает капли замазки с первого и сообщает о них первому сверху вниз (рис. 3) (или бросает их обратно в резервуар, если собирается слишком много раствора).

Теперь подойдите к стене. Смело. Принесите Вт . к нему под углом и проведите вверх (направление красной стрелки на рис. 4), осторожно, но настойчиво прижимая лезвие к стене. Чем острее угол между шпателем и стеной, тем ближе шпаклевочный раствор к стене.

Первый слой недостаточно ровный, обычно не более 1-1,5 мм. Шпатель, натыкаясь на выступающие из стены песчинки, оставляет неровности. Не страшно. На втором проходе новый слой все исправит и сгладит.

После каждого прохода второй Ш.

Зачистите их, не нажимая слишком сильно на инструмент – на его углах могут остаться глубокие бороздки.

Впервые, на мой взгляд, неплохо.

Операцию необходимо повторить и повторить на новых не нанесенных на участки участках стены.В процессе работы ведите шпателем влево, вправо и вверх. Получается интересно, правда?

Как правило, к концу дня участки без шпатлевки исчезают и практиковаться больше некуда. Осталось дождаться высыхания первого слоя. В общем, каждый новый слой следует просушивать сутки.

Технология обычно требует шлифовки после каждого нанесенного слоя, но это тот случай, если вы хотите получить гладкую и ровную стену на выходе.

В моем случае пыль глотать не нужно.У меня другая идея: все получившиеся неровности можно спрятать под рельефами. Их можно сделать ручками:

Вообще-то на ручку надо надеть перчатку, но, увлекшись процессом фотографирования, я пропустил этот момент. Сама замазка особого вреда не приносит, только после перчаток нет необходимости так долго мыть ручки.

На самом деле пальцами можно просто коснуться стены, оставив на ней выпуклости разных форм и размеров.Мой сын просто украсил стену, показанную на самом первом рисунке – он хлопнул по стене обеими руками, и «то, что произошло, принадлежит мне».

Можно приготовить жидкий раствор шпатлевки, окунув в него валик с меховой (!) Насадкой и проведя им вверх-вниз, влево-вправо. Будет создан характерный рельеф меньшего размера.

Здесь на фото оба вышеперечисленных способа мирно сочетаются на стене.

Другой способ создания рельефа фигурным шпателем:

Внизу рисунка показано направление движения шпателя.

Итак, стена готова.

Создавайте рельефы!

Теперь желательно «набросать» рисунок на стене карандашом: где мы хотим видеть.

На моем фото повторяются рельефы стеблей и листьев (или крыльев бабочек-бабочек)

Для выполнения разгрузки Стебель придумал 2 способа:

Движение 1. Нанесите замазку рядом с нарисованной линией стержня и проведите по этой линии (красная стрелка на рис. 7 показывает направление движения инструмента), стараясь скопировать его контур.

Давление на лезвие шпателя не должно быть равномерным – со стороны лески оно немного слабее. Лезвие идет немного под углом, прижимаясь к стене с самой дальней от ствола стороны. Таким образом, масса выходит из-под лопасти, складываясь по штоку характерным роликом.

Движение 2. Удалите излишки раствора на второй W.

Движение 3. На обратной стороне лезвия шпателя, как правило, формируется еще один валик. Его нужно аккуратно удалить.Для этого чистое лезвие C. помещается перпендикулярно этому ролику в его начале и подводится к противоположному концу, удаляя излишки раствора.

Механизм 4. Удалите излишки раствора на второй W.

Часть 1-2. Лезвие шпателя с набранной массой кладут параллельно линии стебля или листа (рис. А) и подводят в сторону, перпендикулярную этой линии. Зеленая стрелка на рис. и показано движение клинка Ш. после 1-го прохода, красный – после 2-го.Давление на лопатку W постепенно увеличивается, уменьшая прилагаемую массу до «нет».

Движение 3. Удалите излишки раствора на второй W.

Часть 4-5. Чистым Ш. проводим по контуру стебля вправо (красная стрелка на рис. Б), отступив несколько миллиметров – снимаем лишний слой шпатлевки, выравнивая валик.

При необходимости его можно выровнять и с противоположной стороны.

Движение 6. Удалите излишки раствора во втором W .

Лепестки цветов тоже можно сделать так ::

б

Механизм 1. Лезвие W . установить параллельно верхней стороне лепестка (синий контур на рис. а – начало движения) и подвести лезвие к сужающемуся основанию, слегка покачивая вправо (или влево – в зависимости от того, какой боковой контур удобен для повтор), копируя одну из цветочных линий до конца лепестка. Красные стрелки указывают контур копии.

Движение 2. Удалите излишки раствора с W .

Механизм 3. Чистый W . Нарисуйте слой по контуру второй линии цветка (красная стрелка на рис. а).

Обычно шпатлевка после 1-го движения замыкает эту строчку на себя, поэтому на втором проходе придется надеяться на свою графическую память. В худшем случае эту линию можно исправить, создав другой рельеф, который, впрочем, тоже может быть довольно красивым.

Комбинируя вышеперечисленные приемы, на стене делают такие цветочные рельефы

Стена красилась в 3 этапа.

Во-первых, фон сделал более светлый оттенок светло-зеленого цвета. Затем более темным, травянистым цветом, так называемым «сухим валиком» (можно «сухой кистью») на выступающие рельефы стены наносится еще один слой. Это дало эффект поклейки обоев. В заключение решила раскрасить цветы, травы и бабочек.

Общий вид стены получился недостаточно удачным – он дает лишь приблизительное представление о том, где она находится.

Не хотелось делать слишком много цветов, чтобы не «забивать» восприятие моей любимой картины на стене.Скажем, по сравнению с представленным здесь дизайном это выглядит, наверное, очень просто, но это всего лишь идея. В умелых и смелых руках она может дать такие плоды, о которых я даже не мечтаю.

К сожалению, я неправильно рассчитал положение лампы и рельефы под ней выглядят не совсем так, как хотелось бы. К следующему отпуску придумаю, как все это исправить. Собственно такие рисунки легко соскоблить, отполировать или подрезать ножом – любые неудачные контуры легко исправить, изменить.

После шлифовки слоя краски можно добавить новые рельефы в нужном месте.

Удачи в делах

П.С. Решил дополнить статью другими своими работами:

Самые первые (тестовый шпатель) 2 рельефа в коридоре на тему «Осень».

Следующие 3 еще не расписаны, т.к. во-первых они заграничные и недоступные для меня (делал в последние дни перед отъездом – идеи спонтанно росли, но буквально 1-2 дней не хватило).Владелец сказал, что они будут ждать независимо от того, сколько времени им придется ждать.

2 рельефа на цветочно-травяную тематику. Также в коридоре. Второй задумывался как угловая рамка зеркала.

Рельеф «Аист» – славянский символ стоящего в гнезде Бога Рода, выполненный в образе символа-свастики Сварожи. Предполагалось, что дома он будет действовать как талисман. Рельеф легко наносится шпателем; по предложенному оперению выполняются грубые «мазки» (накладываются снизу вверх).Его проводят в несколько этапов – каждый новый по уже хорошо схватившемуся предыдущему слою, что позволяет крупному мазку застыть на воздухе рельефным подтеком, который местами не прилипает к стене. Как настоящая ручка. Если мазок не получился, его можно удалить и повторить еще раз.

Для их изготовления я применил еще несколько видов оборудования, но пока не могу их показать.

Статья на эту тему будет опубликована в г. Мастерица (РБ) и по условиям контракта не должен публиковаться где-либо еще.Так что все это я могу рассказать и показать не раньше 24 декабря.

Ручная работа – это всегда престижно и изысканно. Поэтому среди дизайнеров стало модным использовать в интерьере объемные картины на стене из шпаклевки. Сделать такой декор можно самостоятельно, главное иметь к этому желание, свободное время и немного творческой «жилки».

Общая информация

Прежде всего, нужно сказать, что эта работа не для ленивых и может занять не один день.Однако результатом работы станет уникальный декор, цена которого составляет всего лишь стоимость шпаклевки.

Не стоит сразу делать сложный снимок. Чтобы «набить руку» достаточно сделать своими руками небольшое панно из шпаклевки с самым простым рисунком. В этом случае выполнять шлифовку не нужно, а значит, не нужно дышать пылью.

Шпатель понадобится не во всех случаях, так как, например, можно сделать лепестки цветов своими руками. В идеале, конечно, лучше на руки надевать перчатки, однако в этом случае текстура намного хуже.Поэтому также следует быть готовым к сухой коже и длительному процессу мытья.

Но, пальцами можно оставить на стене самые разные формы. Например, вы можете выполнить очень интересную схему, которая будет претендовать на звание абстракции или римской фрески.

Совет! Для создания картин лучше всего использовать финишную акриловую шпатлевку.

Картина перформанса

Конечно, прежде всего для завершения покраски необходимо подготовить фундамент – стена или поверхность картины должны быть оштукатурены и ровны.

• Поверхность, на которую будет наноситься рисунок, необходимо обработать грунтовкой.
• После высыхания грунта необходимо сделать фон будущего рисунка, для этого на основание широким шпателем наносится тонкий слой шпаклевки.
• После этого следует нанести рисунок на стену. сохнет довольно быстро, поэтому через пару часов можно нарисовать карандашом набросок, например, это могут быть бабочки со стрекозами или листики со стеблями.Если есть художественные способности, то можно изобразить более сложную картину – городские улицы, портрет и т. Д.

Совет! Перенести картину на стены можно с помощью копировальной бумаги. Однако не стоит выбирать изображения слишком сложные, чтобы не возникло сложностей в процессе.

Выполнение стеблей шпателем

В качестве примера рассмотрим, как изобразить стебли на стене.

Это можно сделать двумя способами, первый из них следующий:

• Лопатку нужно поместить рядом с нарисованной линией, а затем плавно провести по ней инструментом.Таким образом можно нанести на стену контур. Шпатель следует прижимать к себе под углом, что позволит замазке соскользнуть в сторону линии карандаша и сформироваться в виде валика вдоль стержня.
• Излишки раствора необходимо удалить вторым шпателем. Как правило, они появляются на противоположной стороне шпателя.
• Тогда нужно немного подождать, пока стебель высохнет.

По такому же принципу шпаклёвываются остальные рисунки на стенах.

На фото – простой рисунок, сделанный шпателем

Второй вариант тоже довольно простой:

• Ставится параллельно линии, проведенной на стене, но не по линии , но перпендикулярно.Таким образом, шпаклевка накачивается по карандашному наброску.
• Избыток смеси удаляется на второй шпатель.
• Второй шпатель также проводит по стеблю, для этого инструмент проводится по карандашному эскизу.

Так удобно формировать лепестки. После того, как картина высохнет, ее можно раскрасить красками.

Совет! Сделайте своими руками шпаклевочную панель на листе гипсокартона. «Набив руку», можно украсить стену в комнате.

Выполнение рисунка шприцем

Еще один распространенный метод изготовления рисунков – шпатлевка шприцом. Он хорош тем, что можно точно повторить контуры рисунка, к тому же руки остаются чистыми.

Итак, инструкция такая:

• В первую очередь нужно без иглы вытащить поршень из шприца и заполнить полость замазкой. После этого поршень нужно вставить обратно.
• Затем аккуратно выдавите состав из шприца и проведите им по нарисованной линии.
• После того, как обозначены основные черты чертежа, нужно прорисовать мелкие детали.
• Затем получившийся рисунок нужно оставить на некоторое время, чтобы он просох.
• Далее необходимо разбавить краску на водной основе, например, бежевым красителем, и нанести ее на рисунок с помощью губки. Небольшие углубления можно оставить неокрашенными.
• После того, как фон бежевого цвета высохнет, можно приступать к прорисовке мелких деталей. Для этого используйте маленькие кисти, чтобы линии были как можно более схематичными.Подойти к росписи необходимо творчески и фантазировать, также можно экспериментировать с разными цветами.

Заключение

Как правило, в результате проделанной работы получаются очень красивые и элегантные картины из шпаклевки. Если с первого раза вам не удалось добиться желаемого результата, не отчаивайтесь. Внимательно посмотрите на существующие картины и попробуйте еще раз.

Дополнительную информацию по этой теме можно получить из видео в этой статье.

Ручная работа всегда выглядит нарядно и «дорого». В последнее время дизайнеры часто используют для украшения барельефы и фактурные картины. Такой неповторимый декор можно сделать своими руками, достаточно немного времени, творческой «прожилки» и следующих материалов:

Готовая акриловая шпатлевка «Финиш»

Белая краска на водной основе

2 красителя: бежево-серый

Шприц с 20 кубиками

Клей ПВА

Тонкие кисти, губка, карандаш, шпатель

В качестве примера поверхности используем фрагмент листа гипсокартона.Сначала грунтуем водой из ПВА (совсем немного клея капаем в небольшое количество воды, перемешиваем и наносим кистью плотным слоем на поверхность).

После высыхания грунта нужно из однородного тонкого слоя шпаклевки сделать фон будущего рисунка (готовую акриловую смесь нанести широким шпателем).

Акриловая шпатлевка достаточно быстро сохнет и через пару часов можно нанести эскиз рисунка карандашом.В данном случае был выбран фрагмент старого здания.

Возьмите шприц без иглы, вытащите поршень и заполните полость замазкой. Вставьте поршень обратно и выдавите отделку по нарисованным линиям.

После того, как обозначите основные черты здания, нарисуйте мелкие детали, деревья, завитки на фасаде. Затем оставьте барельеф, чтобы материал полностью высох.

После высыхания бежевого фона можно приступать к прорисовке мелких деталей.Для этого используйте очень тонкие кисти, чтобы линии и перья были максимально прозрачными и схематичными. Серый краситель хорошо оттеняет листья растений, также им можно нарисовать имитацию брусчатки перед зданием, невысокий забор из кирпича. В арочном проеме интересно будет смотреться схематический рисунок с очень ярким бежевым цветом – имитация перспективы уходящей вдаль дороги. Вы также можете нарисовать «намек» на дома и деревья вдоль дороги.

В общем, подходите к живописи с фантазией, будьте внимательны и терпеливы в таком тонком творчестве.И в итоге вы получите удивительно красивую и элегантную картинку с подчеркнутой фактурой и игрой цвета.

Объемные и фактурные картины практически всегда выглядят «дорого» и особенно изысканно. Такая картина будет шикарно смотреться в доме, в офисе, в холле кафе и даже на даче. Изучив последовательность несложных манипуляций, вы сможете создавать свои шедевры именно для вашего интерьера, в любимом цветовом ключе – индивидуальном, неповторимом и изысканном.

Как правило, все объемные картины шпаклевываются с добавлением клея ПВА. Оба этих недорогих материала можно купить в любом строительном магазине. Сначала попробуйте «нарисовать» небольшой кусок гипсокартона или целлюлозы. Не бойтесь фантазировать, позвольте сначала получить абстрактную картинку. Нанеся на него краски и выделив перламутром яркие места, вы поймете, что на самом деле все очень просто.

Что потребуется:

Строительная шпатлевка «финишная»; белая акриловая краска;
2 красителя для красок: коричневый и черный; Клей ПВА
; Наждачная бумага
малая;
кисти, кисть, карандаш, шпатель, ведро для замазки, вода.

Этапы работы:

1. Выберите основы для будущей картины. Это может быть вырезанный кусок гипсокартона с заклеенными скотчем краями. Или как здесь – старинные китайские картины – панно. Покрасьте в белый цвет старой акриловой краской в ​​один слой.

2. Через 10 минут, когда акриловая краска высохнет, нарисуйте рисунок карандашом. Скорее, это будет набросок, чтобы вы видели, куда в дальнейшем будете наносить шпатлевку.

3. Налейте в небольшое ведро 5 столовых ложек сухой строительной смеси (шпатлевки).

4. Влить 1 ст. л. клея ПВА и 4 ст. л воды.

5. Размешайте замазку, чтобы не было комков. Если смесь очень густая, то добавьте воды, а если жидкая, то добавьте еще замазки. Важно знать!

а) Смесь лучше замешивать небольшими порциями, так как она быстро сохнет.
б) Только с начальной партией можно смешать воду и клей, залить шпаклевкой. После того, как смешанная шпатлевка постояла 5 минут, добавлять в нее ничего не будет.Когда смешанная порция закончится, вы всегда можете замесить свежее.

6. Шпателем нанести шпатлевку по эскизу. Максимальная толщина шпатлевки не должна превышать 1 см, иначе при высыхании она потрескается.

7. Используйте любые удобные инструменты для создания желаемого отпечатка.

8. Удобнее всего работать маленьким резиновым шпателем или мастихином. Но поверьте, даже вилка способна на шедевральный принт.

9.Оставьте картину сохнуть на ночь.

10. Если вы хотите создать более объемный рисунок, то шпаклевку другим слоем наносят только после высыхания первого.

11. Тщательно просушите контур тончайшей наждачной бумагой. Именно она уберет все неровности и сделает рисунок «ухоженным».

12. Удалите щеткой пыль от шпатлевки.

13. Творите как художник, сначала используя только белый и черный цвета.Поиграйте с этими двумя цветами. Посмотрите, как уходят краски.

14. И только потом добавьте коричневый акцент.

15. Дайте акрилу высохнуть и отметьте несколько точек жемчужно-белым акрилом.

16. Дайте краске полностью высохнуть.

Arte Al Día

Действительно, с середины 1960-х годов, когда он начал свою артистическую деятельность, Эдуардо Коста работал в рамках жанров и институциональных дисциплин.«Медиа-арт», жанр, который он создал совместно с Раулем Эскари и Роберто Якоби в 1966 году, оставил существование произведений искусства в руках средств массовой информации. В том же году, еще живя в Буэнос-Айресе, вместе с Якоби он создал другой жанр, «Устную литературу», в котором магнитофон использовался в качестве технологического инструмента для записи с помощью голоса того, о чем письмо может свидетельствовать лишь частично.

С идеей воспроизведения в виде изображений и текста стиля и метафор, примененных к описанию одежды в модных журналах, Коста создал бижутерию, золотые ушки, золотые волосы, которые переплетались с волосами моделей.Так зародился, сначала в Буэнос-Айресе, а затем в Нью-Йорке, серии «Fashion Fictions» (1966-84), работ, которые бросили вызов моде как институту и ​​каналам распространения моды, проникнув в них и заставив их задуматься. об их нормах и возможностях.

«Имена друзей: Поэма для глухонемых» («Nombres de amigos. Poema para sordomudos») (1969) снова сделали упор на язык. Если Коста ранее искал устные эквиваленты визуального образа, то в этом немом фильме, в котором он упоминает 53 друга, он переворачивает поиск и размышляет об идентификации губной мимикрии, которая соответствует звукам имен, с устным элементом. В общем, с тех пор Коста произвел пересечение жанров и языков, обмен информацией и перевод, которые четко помещают его работу в области концептуального искусства.

1960-е и 1970-е были годами размышлений об искусстве как средстве общения и его эстетических и политических масштабах, годами дематериализации, как их определила Люси Липпард, а до нее Оскар Масотта. С другой стороны, текущая работа Эдуардо Коста, серия, зародившаяся в 1994 году, исследует материальность традиционной практики – живописи – с целью заставить ее пережить кризис изнутри, с точки зрения того, что является специфическим для Это.Из-за определенных случайных обстоятельств, связанных с его техникой, бутылка акриловой краски, оставленная открытой в студии, высохла и превратилась в толстый цилиндр для краски. Вуаля …! Сбылась пластическая утопия: краска могла иметь объем, не нужно было изображать трехмерность на плоскости! Таким образом, слой за слоем акриловой краски рождались лимоны, полностью состоящие из краски; к рыбе, икре (с их коромыслом внутри) и многим другим картинам, с помощью которых Коста предлагает зрителю концептуальную операцию: избавиться от представления о том, что трехмерность является исключительным достоянием скульптуры, и предположить, что она может также характеризовать живопись при условии обработки внутреннего пространства. Таким образом, эти работы являются картинами, потому что они сделаны из краски и потому, что они достигают того, чего не может достичь скульптура: в то время как скульптура однородно сделана из камня или дерева, картины Коста представляют в своих внутренних органах головы в случае портрета. , мякоть фруктов, мякоть рыбы, стакан бутылки. По словам Луиса Переса Орамаса, «в основе этих работ лежит мощная искренность: это« материалистические тавтологии », в которых« краска есть краска »(2). Но это, несомненно, высказывание, которое обеспечивает условие существования этому новому типу объекта, объемным картинам.В этом случае, как и во многих других в рамках исторического концептуализма, именно сдвиг в интерпретации объекта, изменение контекста делает возможным существование новой практики.

В 2004 году Коста поставил со своими работами «дидактический спектакль» в Национальном музее изящных искусств в Буэнос-Айресе. В «Уроке анатомии» («Посвящение Рембрандту») он щедро проиллюстрировал изменение восприятия, которое подразумевают его картины. Он раскрыл плоды, чтобы показать их мясистые внутренности; он вскрыл череп своего друга, поэта Картера Рэтклиффа, чтобы показать мозг.Наконец, он разбил яйца, чтобы показать нам их желтый интерьер. Те из нас, кто участвовал в этом сеансе магии, коллективно приобщились к выдумке о том, что открываются настоящие плоды: снова материализовалась иллюзия живописи. Спектакль свидетельствовал о молчаливом согласии, на котором основана живопись: о способе репрезентации.

По тому же пути, что и живопись в контексте истории искусства, Коста позже ориентировал свои натуралистические объемные картины в направлении геометрии (сферы, цилиндры, призмы, параллелепипеды), а сразу после этого – в сторону абстракции, представленной его нынешними расширенными монохромами. и бихромы, и мягкие картины.В самом деле, творчество Коста построено таким образом, чтобы продолжить, а иногда и порвать с различными местными и международными живописными традициями. Если верно, что геометрические монохромы были формально настроены на частоту конкретного искусства, а на более позднем этапе – минимализма из-за их выразительного и значительного редукционизма, то в равной степени верно и то, что они также являются формами, освобожденными от их рамок. Аргентинский мастер перцептизма Рауль Лозза ратовал за. Художники по бетону Риоплатенс использовали в контексте очень боевой программы нерегулярную и обрезанную раму, фигурный холст, который позже был разработан минимализмом в Соединенных Штатах.Таким образом, они предложили картину, в которой формы на плоскости будут определяться контуром рамки – просто еще один способ стать более удаленным от репрезентации, упразднив формат окна, с которым рамка исторически связана. Сделав еще один шаг, Лозза извлек формы из плоскости представления и поместил их прямо на стену: конкретные формы, которые представляют только себя на конкретных поверхностях, пространстве, окружающей среде.

Расширенные монохромы Коста разделяют с перцептизмом идею выхода за пределы рамки, выхода за ее пределы, можно сказать, что с определенной иронией тона, которая, кажется, цитирует экспрессионизм и его мифические излишества; интуитивность нанесения краски.Бруталисты работают, они переполняются, потому что нагрузка акрила, которую они несут, такова, что она течет по периметру.

В процессе анализа живописи, истории искусства и Коста с ней в конечном итоге лишили эту дисциплину всего, что явно ей принадлежало: повествования, отражения реальности, потребности в опоре и рамке, планиметрии, репрезентации. Единственное, что осталось от живописи, – это ее материальность. Некоторые из последних работ Коста крепятся на стене с помощью небольших полок и плавно изгибаются.Холст либо не используется в качестве их опоры, либо включен в них, поглощенный акриловой краской. Так же, как в «Модной фантастике» художник присвоил литературу, характерную для моды, в «Педазо де мар / Кусок моря» он аппроксимирует литературу технического описания и переопределяет в каноническом тоне этот другой новый объект как «акрил на и за носилками ». И снова язык пронизывает смысл произведения.

В соответствии с новаторскими традициями авангарда, Коста изобрел несколько жанров: медиаискусство, устная литература, модная фантастика, говорящие картины (картины, которые говорят о себе через магнитофон), объемные картины, мягкие картины и расширенные картины. Монохромы и бихромы… С воображением, обогащенным как Марселем Дюшаном, так и одним из его учителей, Хорхе Луисом Борхесом – двое из них неисправимые создатели художественной литературы – картины Коста, по словам Александра Альберро, «» являются результатом широкого спектра концепций и наследия, сложный синтез которых дает представление о том, как модернистская живопись может быть продуктивно переформулирована в двадцать первом веке »(3).

(1) Джон Перро, Entrevista a Eduardo Costa, en Eduardo Costa: Volumetric Paintings, Cecilia de Torres Ltd, New York, 2001 (2) Луис Перес Орамас, Античность и современность портрета, в Retratos: 2000 Years of Latin Американские портреты, Музей искусств Сан-Антонио, Смитсоновский институт, Эль-музей дель Баррио, 2004 г. (3) Александр Альберро, Реформулировка модернистской живописи: геометрические абстракции Эдуардо Коста, в Эдуардо Коста: объемные картины, Сесилия де Торрес Ltd, Нью-Йорк, 2001

Профиль:

Эдуардо Коста – аргентинский художник, проживший двадцать пять лет в США и четыре в Бразилии. Он начал свою карьеру в Буэнос-Айресе как представитель поколения Ди Телла и продолжил работать в Нью-Йорке, где внес большой вклад в местный авангард. Он сотрудничал с американскими художниками Вито Аккончи, Скоттом Бертоном, Джоном Перро и Ханной Вайнер, среди других. В Бразилии он участвовал в проектах, организованных Элио Оитичикой, Лигией Папе, Антонио Мануэлем, Лигией Кларк и другими из школы Рио. Его работы обсуждались в Art in America, Art Forum, а также в основных книгах по концептуальному искусству: A.Альберро, Массачусетский технологический институт, 1999; П. Осборн, Федон, 2002; Мари Кармен Рамирес и Эктор Олеа, Йельский / Хьюстонский художественный музей, 2004 г .; Инес. Катценштейн, МоМА, Нью-Йорк, 2004 г., Луис Перес-Орамас и другие, Художественный музей Сан-Антонио, 2004 г .; Луис Камнитцер, Техасский университет, 2007 г., среди прочих. Работы Эдуардо Коста выставлялись в Новом музее в Нью-Йорке; Музей Виктории и Альберта, Лондон; Музей королевы Софии, Мадрид; Музей искусств Квинса, Квинс, Нью-Йорк; Центр искусств Листа, Бостон; Художественный музей Майами, Центр искусств Уокера, Миннесота, МОМА, Буэнос-Айрес; Национальный музей изящных искусств, Буэнос-Айрес и другие. Текущий проект заключается в производстве 30 велосипедов Duchamp / Costa, вдохновленных моделью 1980 года, для выставки работ Дюшана, куратором которой является Джессика Морган (Tate Modern) для фонда Jumex в Мехико.

картина | История, художники, элементы, методы, типы и факты

Живопись , выражение идей и эмоций с созданием определенных эстетических качеств на двухмерном визуальном языке. Элементы этого языка – его формы, линии, цвета, тона и текстуры – используются различными способами для создания ощущений объема, пространства, движения и света на плоской поверхности.Эти элементы объединяются в выразительные паттерны для представления реальных или сверхъестественных явлений, интерпретации темы повествования или создания полностью абстрактных визуальных отношений. Решение художника использовать конкретный материал, такой как темпера, фреска, масло, акрил, акварель или другие краски на водной основе, чернила, гуашь, энкаустика или казеин, а также выбор определенной формы, такой как фреска, мольберт, панно, миниатюра, иллюминация рукописи, свиток, экран или веер, панорама или любая из множества современных форм основаны на чувственных качествах и выразительных возможностях и ограничениях этих опций. Выбор средства и формы, а также собственная техника художника объединяются для создания уникального визуального образа.

Ранние культурные традиции – племен, религий, гильдий, королевских дворов и государств – в значительной степени контролировали ремесло, форму, образы и предметы живописи и определяли ее функции, будь то ритуальные, религиозные, декоративные, развлекательные или образовательные. Художники были наняты скорее как искусные ремесленники, чем как творческие художники. Позже понятие «прекрасный художник» получило развитие в Азии и Европе эпохи Возрождения.Выдающимся художникам был предоставлен социальный статус ученых и придворных; они подписали свои работы, определились с их дизайном, а зачастую и с темой и изображениями, и установили более личные – если не всегда дружеские – отношения со своими покровителями.

В 19 веке художники в западных обществах начали терять свое социальное положение и получать покровительство. Некоторые художники противодействовали снижению поддержки со стороны патронажа, проводя собственные выставки и взимая плату за вход. Другие получали доход от передвижных выставок своих работ.Необходимость обращения к рынку заменила аналогичные (хотя и менее безличные) требования покровительства, и ее влияние на само искусство, вероятно, также было аналогичным. Как правило, художники ХХ века могли достучаться до публики только через коммерческие галереи и государственные музеи, хотя их работы, возможно, время от времени воспроизводились в периодических изданиях по искусству. Им также могли помочь финансовые награды или комиссионные от промышленности и государства. Однако они получили свободу изобретать собственный визуальный язык и экспериментировать с новыми формами, нетрадиционными материалами и методами.Например, некоторые художники сочетали другие медиа, такие как скульптура, с живописью для создания трехмерных абстрактных дизайнов. Другие художники прикрепляли к холсту реальные объекты в виде коллажей или использовали электричество для работы с цветными кинетическими панелями и коробками. Художники-концептуалисты часто выражали свои идеи в форме предложения о несбыточном проекте, а художники-перформансы были неотъемлемой частью их собственных композиций. Неугомонное стремление расширить границы выражения в искусстве привело к постоянным международным стилистическим изменениям.Часто ошеломляющая последовательность новых движений в живописи была дополнительно стимулирована быстрым обменом идеями посредством международных журналов по искусству, передвижных выставок и художественных центров. Такие обмены ускорились в 21 веке с появлением международных художественных ярмарок и социальных сетей, последние из которых предлагали не только новые средства выражения, но и прямое общение между художниками и их последователями. Хотя стилистические движения было трудно идентифицировать, некоторые художники обращались к общим социальным проблемам, включая широкие темы расизма, прав ЛГБТК и изменения климата.

Эта статья посвящена элементам и принципам дизайна в живописи, а также различным средствам, формам, изображениям, предметам и символике, используемым, принятым или созданным художником. По истории живописи в Древнем Египте, см. Египетское искусство и архитектура. Развитию живописи в разных регионах посвящен ряд статей: западная живопись; Африканское искусство; Центральноазиатское искусство; Китайская живопись; Исламское искусство; Японское искусство; Корейское искусство; Искусство коренных американцев; Океаническое искусство и архитектура; Искусство Южной Азии; Искусство Юго-Восточной Азии.По вопросам консервации и реставрации картин см. консервация и реставрация произведений искусства. Для обсуждения подделки произведений искусства, см. подделка. Для обсуждения роли живописи и других искусств в религии, а также использования религиозных символов в искусстве, см. религиозная символика и иконография. Для получения информации о других искусствах, связанных с живописью, см. Статьи , такие как рисунок; народное искусство; эстамп.

визуальных элементов | Безграничная история искусства

Строка

Линия определяется как отметка, которая соединяет пространство между двумя точками, принимая любую форму по пути.

Цели обучения

Сравните и сопоставьте различные варианты использования линии в искусстве

Основные выводы

Ключевые моменты

• Фактические линии – это линии, которые физически присутствуют и существуют как сплошные соединения между одной или несколькими точками.
• Подразумеваемая линия относится к пути, по которому глаз зрителя следует за формами, цветами и формами на любом заданном пути.
• S traight или classic Линии обеспечивают стабильность и структуру композиции и могут быть вертикальными, горизонтальными или диагональными на рабочей поверхности.
• Выразительные линии относятся к изогнутым линиям, которые усиливают ощущение динамизма произведения искусства.
• Контур или контур Линии контура создают границу или контур вокруг края фигуры, тем самым очерчивая и определяя ее.«Поперечные контурные линии» очерчивают различия в деталях поверхности.
• Линии штриховки представляют собой серию коротких линий, повторяющихся с интервалами, обычно в одном направлении, и используются для добавления теней и текстуры к поверхностям, в то время как линии штриховки обеспечивают дополнительную текстуру и тон поверхности изображения и могут ориентироваться в любом направлении.

Ключевые термины

• текстура : ощущение или форма поверхности или вещества; гладкость, шероховатость, мягкость и т. д.чего-либо.
• штриховка : метод отображения штриховки с помощью нескольких пересекающихся мелких линий.
• строка : путь через две или более точек.

Линия – важный элемент искусства, определяемый как знак, соединяющий пространство между двумя точками, принимая любую форму по пути. Линии чаще всего используются для определения формы в двумерных произведениях и могут быть названы древнейшими, а также наиболее универсальными формами нанесения знаков.

Существует много разных типов линий, каждая из которых характеризуется длиной больше ширины, а также путями, по которым они идут. В зависимости от того, как они используются, линии помогают определить движение, направление и энергию произведения искусства. Качество линии относится к персонажу, который представлен линией для того, чтобы в разной степени оживить поверхность.

Фактические линии – это линии, которые физически присутствуют, существующие как сплошные соединения между одной или несколькими точками, в то время как подразумеваемые линии относятся к траектории, по которой глаз зрителя следует за формой, цветом и формой в произведении искусства. Подразумеваемые линии придают произведениям искусства ощущение движения и удерживают зрителя в композиции. В книге Жака-Луи Давида Клятва Горациев мы можем увидеть многочисленные подразумеваемые линии, соединяющие фигуры и действия пьесы, ведя взгляд зрителя через разворачивающуюся драму.

Жак-Луи Давид, Клятва Горациев , 1784 : Многие подразумеваемые линии соединяют фигуры и действие пьесы, ведя взгляд зрителя через разворачивающуюся драму.

Прямые или классические линии добавляют стабильности и структурированности композиции и могут быть вертикальными, горизонтальными или диагональными на поверхности работы. Выразительные линии относятся к изогнутым линиям, которые усиливают ощущение динамизма произведения искусства. Эти типы линий часто следуют неопределенному пути извилистых кривых. Линии контура или контура создают границу или контур вокруг края фигуры, тем самым очерчивая и определяя ее. Поперечные контурные линии очерчивают различия в деталях поверхности и могут создавать иллюзию трехмерности или ощущение формы или тени.

Линии штриховки представляют собой серию коротких линий, повторяющихся с интервалами, обычно в одном направлении, и используются для добавления теней и текстуры к поверхностям. Линии штриховки обеспечивают дополнительную текстуру и тон поверхности изображения и могут быть ориентированы в любом направлении. Слои штриховки могут добавить поверхности изображения богатую текстуру и объем.

Light and Value

Ценность относится к использованию светлого и темного в искусстве.

Цели обучения

Объяснить художественное использование света и тьмы (также известное как «ценность»)

Основные выводы

Ключевые моменты

• При рисовании изменение значений достигается путем добавления к цвету черного или белого цвета.
• Значение в искусстве также иногда называют «оттенком» для светлых оттенков и «оттенком» для темных оттенков.
• Значения, близкие к более светлому концу спектра, называются «высокими», а значения в более темном – «сдержанными».”
• В двумерных произведениях искусства использование ценности может помочь придать форме иллюзию массы или объема.
• Кьяроскуро была распространенной техникой в ​​живописи в стиле барокко и относилась к четким тональным контрастам, примером которых являются очень яркие белые цвета, расположенные непосредственно на фоне очень сдержанных темных оттенков.

Ключевые термины

• светотень : художественная техника, популярная в эпоху Возрождения, относящаяся к использованию преувеличенных световых контрастов для создания иллюзии объема.

Использование светлого и темного в искусстве называется ценностью. Значение можно разделить на оттенок (светлые оттенки) и оттенок (темные оттенки). В живописи, в которой используется субтрактивный цвет, изменения значений достигаются путем добавления к цвету черного или белого. Художники также могут использовать штриховку, которая относится к более тонким манипуляциям со стоимостью. Шкала значений используется для отображения стандартных вариаций тонов. Значения около светлого конца спектра называются высокими, а значения в более темном – сдержанными.

Шкала значений : Шкала значений представляет различные степени освещения, используемые в произведениях искусства.

В двумерных произведениях искусства использование ценности может помочь придать форме иллюзию массы или объема. Это также придаст всей композиции ощущение освещения. Высокий контраст относится к размещению более светлых областей непосредственно против более темных, чтобы их различие было продемонстрировано, создавая драматический эффект. Высокий контраст также означает наличие большего количества черного, чем белого или серого.Низкоконтрастные изображения получаются в результате совмещения средних значений, поэтому между ними не так много видимой разницы, что создает более тонкое настроение.

В живописи в стиле барокко техника светотени использовалась для создания очень драматических эффектов в искусстве. Chiaroscuro, что в переводе с итальянского буквально означает «светлый-темный», относится к четким тональным контрастам, примером которых являются очень высокие оттенки белого, помещенные непосредственно на фоне очень сдержанных темных оттенков. Сцены при свечах были обычным явлением в живописи барокко, поскольку они эффективно создавали этот драматический эффект.Караваджо использовал высококонтрастную палитру в таких работах, как Отрицание Святого Петра , чтобы создать свою выразительную сцену светотени.

Караваджо, Отрицание Св. Петра , 1610 : Караваджо “Отрицание Св. Петра ” – отличный пример того, как можно манипулировать светом в произведениях искусства.

Цвет

В изобразительном искусстве теория цвета представляет собой совокупность практических рекомендаций по смешиванию цветов и визуальному влиянию определенных цветовых сочетаний.

Цели обучения

Выражение наиболее важных элементов теории цвета и использования цвета художниками

Основные выводы

Ключевые моменты

• Теория цвета впервые появилась в 17 веке, когда Исаак Ньютон обнаружил, что белый свет может проходить через призму и делиться на полный спектр цветов.
• Спектр цветов, содержащихся в белом свете: красный, оранжевый, желтый, зеленый, синий, индиго и фиолетовый.
• Теория цвета делит цвет на «основные цвета»: красный, желтый и синий, которые нельзя смешивать с другими пигментами, и «вторичные цвета» – зеленый, оранжевый и фиолетовый, которые являются результатом различных комбинаций основных цветов. .
• Первичные и вторичные цвета смешиваются в различных смесях для создания третичных цветов.
• Дополнительные цвета находятся напротив друг друга на цветовом круге и представляют собой самый сильный контраст для этих двух цветов.

Ключевые термины

• дополнительный цвет : цвет, который рассматривается как противоположный другому цвету на цветовом круге (т.е. красный и зеленый, желтый и фиолетовый, оранжевый и синий).
• значение : Относительная темнота или яркость цвета в определенной области картины или другого визуального искусства.
• основной цвет : любой из трех цветов, который при добавлении или вычитании из других в различных количествах может генерировать все остальные цвета.
• оттенок : цвет, рассматриваемый по отношению к другим очень похожим цветам. Красный и синий – это разные цвета, но два оттенка алого – это разные оттенки.
• градация : переход небольшими градусами от одного тона или оттенка, как и цвета, к другому.
• оттенок : цвет или оттенок цвета.

Цвет – это фундаментальный художественный элемент, связанный с использованием оттенка в искусстве и дизайне. Это самый сложный из элементов из-за множества присущих ему комбинаций. Теория цвета впервые появилась в 17 веке, когда Исаак Ньютон обнаружил, что белый свет может проходить через призму и делиться на полный спектр цветов. Спектр цветов, содержащихся в белом свете, следующий: красный, оранжевый, желтый, зеленый, синий, индиго и фиолетовый.

Теория цвета подразделяет цвет на «основные цвета»: красный, желтый и синий, которые нельзя смешивать с другими пигментами; и «вторичные цвета» зеленого, оранжевого и фиолетового, которые являются результатом различных комбинаций основных цветов.Первичные и вторичные цвета комбинируются в различных смесях для создания «третичных цветов». Теория цвета основана на цветовом круге, диаграмме, которая показывает взаимосвязь различных цветов друг с другом.

Цветовой круг : Цветовой круг – это диаграмма, которая показывает взаимосвязь различных цветов друг с другом.

«Значение» цвета относится к относительной яркости или темноте цвета. Кроме того, «оттенок» и «оттенок» являются важными аспектами теории цвета и являются результатом более светлых и более темных вариаций значений, соответственно.«Тон» относится к градации или тонким изменениям цвета в более светлой или более темной шкале. «Насыщенность» относится к интенсивности цвета.

Аддитивный и вычитающий цвет

Добавочный цвет – это цвет, создаваемый смешиванием красного, зеленого и синего света. Например, в телевизионных экранах используется аддитивный цвет, поскольку они состоят из основных цветов: красного, синего и зеленого (RGB). Субтрактивный цвет или «триадный цвет» работает как противоположность аддитивного цвета, и основные цвета становятся голубым, пурпурным, желтым и черным (CMYK).Общие применения субтрактивного цвета можно найти в печати и фотографии.

Дополнительные цвета

Дополнительные цвета можно найти прямо напротив друг друга на цветовом круге (фиолетовый и желтый, зеленый и красный, оранжевый и синий). При размещении рядом друг с другом эти пары создают самый сильный контраст для этих двух цветов.

Теплый и холодный цвет

Различие между теплыми и холодными цветами было важно, по крайней мере, с конца 18 века.Контраст, как прослеживается этимологиями в Оксфордском словаре английского языка, кажется, связан с наблюдаемым контрастом в ландшафтном освещении между «теплыми» цветами, связанными с дневным светом или закатом, и «холодными» цветами, связанными с серым или пасмурным днем. Теплые цвета – это оттенки от красного до желтого, включая коричневые и коричневые. С другой стороны, холодные цвета – это оттенки от сине-зеленого до сине-фиолетового, включая большинство оттенков серого. Теория цвета описала перцептивные и психологические эффекты этого контраста.Говорят, что теплые цвета развиваются или кажутся более активными в картине, в то время как холодные цвета имеют тенденцию отступать. Говорят, что теплые цвета, используемые в дизайне интерьера или моде, возбуждают или стимулируют зрителя, а холодные цвета успокаивают и расслабляют.

Текстура

Текстура – это тактильное качество поверхности арт-объекта.

Цели обучения

Признать использование текстуры в искусстве

Основные выводы

Ключевые моменты

• Визуальная текстура – это подразумеваемое ощущение текстуры, которое художник создает с помощью различных художественных элементов, таких как линия, штриховка и цвет.
• Фактическая текстура относится к физическому рендерингу или реальным качествам поверхности, которые мы можем заметить, прикоснувшись к объекту.
• Видимые мазки и разное количество краски создают физическую текстуру, которая может добавить выразительности картине и привлечь внимание к определенным областям в ней.
• Произведение искусства может содержать множество визуальных текстур, но при этом оставаться гладким на ощупь.

Ключевые термины

• тактильный : Материальный; восприимчивы к осязанию.

Текстура

Текстура в искусстве стимулирует зрение и осязание и относится к тактильным качествам поверхности произведения искусства. Он основан на воспринимаемой текстуре холста или поверхности, включая нанесение краски. В контексте художественного произведения есть два типа текстуры: визуальная и актуальная. Визуальная текстура относится к подразумеваемому ощущению текстуры, которую художник создает с помощью различных художественных элементов, таких как линия, штриховка и цвет.Фактическая текстура относится к физическому рендерингу или реальным качествам поверхности, которые мы можем заметить, прикоснувшись к объекту, например, нанесение краски или трехмерное искусство.

Произведение искусства может содержать множество визуальных текстур, но при этом оставаться гладким на ощупь. Возьмем, к примеру, работы реалистов или иллюзионистов, которые основаны на интенсивном использовании краски и лака, но при этом сохраняют совершенно гладкую поверхность. На картине Яна Ван Эйка «Дева канцлера Ролена» мы можем заметить много фактуры, особенно в одежде и мантии, в то время как поверхность работы остается очень гладкой.

Ян ван Эйк, Богородица канцлера Ролина , 1435 : Богородица канцлера Ролина имеет много текстуры в одежде и мантии, но на самом деле поверхность работы очень гладкая.

Картины также часто используют настоящую текстуру, которую мы можем наблюдать при физическом нанесении краски. Видимые мазки и разное количество краски создадут текстуру, которая добавит выразительности картине и привлечет внимание к определенным областям в ней.Художник Винсент Ван Гог, как известно, использовал много фактурной текстуры в своих картинах, что заметно по густому нанесению краски на таких картинах, как Starry Night .

Винсент Ван Гог, Звездная ночь , 1889 : Звездная ночь содержит много фактурной текстуры благодаря толстому нанесению краски.

Форма и объем

Форма относится к области в двумерном пространстве, определяемой краями; объем трехмерен, имеет высоту, ширину и глубину.

Цели обучения

Определите форму и объем и определите, как они представлены в искусстве

Основные выводы

Ключевые моменты

• «Положительное пространство» относится к пространству определенной формы или фигуры.
• «Негативное пространство» относится к пространству, которое существует вокруг и между одной или несколькими формами.
• «Плоскость» в искусстве относится к любой площади поверхности в пространстве.
• «Форма» – это понятие, связанное с формой и может быть создано путем объединения двух или более форм, в результате чего получается трехмерная форма.
• Art использует как реальный, так и подразумеваемый объем.
• Форма, объем и пространство, действительные или подразумеваемые, являются основой восприятия реальности.

Ключевые термины

• форма : форма или видимая структура художественного выражения.
• объем : Единица трехмерной меры пространства, которая включает длину, ширину и высоту.
• plane : Плоская поверхность, бесконечно продолжающаяся во всех направлениях (например,г., горизонтальная или вертикальная плоскость).

Форма относится к области в двумерном пространстве, определяемой краями. Формы по определению всегда плоские по своей природе и могут быть геометрическими (например, круг, квадрат или пирамида) или органическими (например, лист или стул). Формы могут быть созданы путем размещения двух разных текстур или групп фигур рядом друг с другом, тем самым создавая замкнутую область, такую ​​как рисунок объекта, плавающего в воде.

«Положительное пространство» относится к пространству определенной формы или фигуры.Обычно позитивное пространство является предметом художественного произведения. «Негативное пространство» относится к пространству, которое существует вокруг и между одной или несколькими формами. Положительное и отрицательное пространство может стать трудно отличить друг от друга в более абстрактных работах.

«Плоскость» относится к любой площади поверхности в пространстве. В двумерном искусстве «плоскость изображения» – это плоская поверхность, на которой создается изображение, например бумага, холст или дерево. Трехмерные фигуры могут быть изображены на плоской картинной плоскости с использованием художественных элементов, чтобы передать глубину и объем, как это видно на картине « Маленький букет цветов в керамической вазе » Яна Брейгеля Старшего.

Ян Брейгель Старший, Маленький букет цветов в керамической вазе, 1599 : Трехмерные фигуры могут быть изображены на плоской картинной плоскости с использованием художественных элементов, чтобы придать глубину и объем.

«Форма» – это понятие, связанное с формой. Комбинируя две или более фигур, можно создать трехмерную фигуру. Форма всегда считается трехмерной, поскольку она демонстрирует объем – или высоту, ширину и глубину. Искусство использует как реальный, так и подразумеваемый объем.

В то время как трехмерные формы, такие как скульптура, по своей сути обладают объемом, объем также может быть смоделирован или имплицирован в двухмерном произведении, таком как живопись. Форма, объем и пространство – действительные или подразумеваемые – являются основой восприятия реальности.

Время и движение

Движение, принцип искусства, это инструмент, который художники используют для организации художественных элементов в произведении; он используется как в статической, так и в временной среде.

Цели обучения

Назовите некоторые техники и средства, используемые художниками для передачи движения в статических и временных формах искусства.

Основные выводы

Ключевые моменты

• Такие техники, как масштаб и пропорции, используются для создания ощущения движения или течения времени в статике визуального произведения.
• Размещение повторяющегося элемента в разных частях произведения искусства – еще один способ обозначить движение и течение времени.
• Визуальные эксперименты со временем и движением были впервые произведены в середине 19 века, а фотограф Эдвард Мейбридж известен своими последовательными снимками.
• Основанные на времени среды кино, видео, кинетической скульптуры и перформанса используют время и движение в самом их определении.

Ключевые термины

• кадров в секунду : сколько раз устройство формирования изображения создает уникальные последовательные изображения (кадры) за одну секунду.Аббревиатура: FPS.
• статический : зафиксирован на месте; без движения.

Движение или движение считается одним из «принципов искусства»; то есть один из инструментов, используемых художниками для организации художественных элементов в произведении искусства. Движение используется как в статике, так и в среде, основанной на времени, и может показывать прямое действие или намеченный путь, по которому глаз зритель может проследить через фрагмент.

Такие техники, как масштаб и пропорции, используются для создания ощущения движения или течения времени в статичных визуальных произведениях.Например, на плоской картинной плоскости изображение, которое меньше и светлее, чем его окружение, будет казаться фоном. Еще один способ намекать на движение и / или время – это размещение повторяющегося элемента в разных областях произведения искусства.

Визуальные эксперименты со временем и движением были впервые проведены в середине 19 века. Фотограф Идверд Мейбридж известен своими последовательными снимками людей и животных, идущих, бегающих и прыгающих, которые он демонстрировал вместе, чтобы проиллюстрировать движение своих объектов.Картина Марселя Дюшана «Обнаженная спускающаяся по лестнице» № 2 демонстрирует абсолютное ощущение движения от левого верхнего угла к правому нижнему углу произведения.

Марсель Дюшан, Обнаженная, спускающаяся по лестнице, № 2 , 1912 : Эта работа представляет концепцию движения и времени Дюшана.

В то время как статические формы искусства обладают способностью подразумевать или предлагать время и движение, основанные на времени среды кино, видео, кинетической скульптуры и перформанса демонстрируют время и движение самими их определениями.Пленка – это множество статичных изображений, которые быстро проходят через объектив. Видео – это, по сути, тот же процесс, но в цифровом виде и с меньшим количеством кадров в секунду. Искусство перформанса происходит в реальном времени с использованием реальных людей и объектов, как в театре. Кинетическое искусство – это искусство, которое движется или зависит от движения для своего воздействия. Все эти медиумы используют время и движение как ключевые аспекты форм выражения.

Случайность, импровизация и спонтанность

Дадаизм, сюрреализм и движение Fluxus полагались на элементы случая, импровизации и спонтанности как инструменты для создания произведений искусства.

Цели обучения

Опишите, как дадаизм, сюрреализм и движение Fluxus опирались на случай, импровизацию и спонтанность

Основные выводы

Ключевые моменты

• Дадаисты известны своим «автоматическим письмом» или записью потока сознания, которое подчеркивает творческие способности бессознательного.
• Работы сюрреалистов, как и работы дадаистов, часто содержат элемент неожиданности, неожиданного сопоставления и проникновения в бессознательное.
• Сюрреалисты известны тем, что изобрели рисунок «изысканный труп».
• Движение Fluxus было известно своими «событиями», которые представляли собой перформансы или ситуации, которые могли происходить где угодно, в любой форме и в значительной степени полагались на случай, импровизацию и участие аудитории.

Ключевые термины

• событие : Спонтанное или импровизированное событие, особенно с участием аудитории.
• сборка : Коллекция вещей, собранных вместе..

Случайность, импровизация и спонтанность – это элементы, которые можно использовать для создания искусства, или они могут быть самой целью самого произведения. Любая среда может использовать эти элементы в любой точке художественного процесса.

Марсель Дюшан, Писсуар , 1917 год : Писсуар Марселя Дюшана является примером «готового», то есть предметов, которые были куплены или найдены, а затем объявлены искусством.

Дадаизм

Дадаизм был художественным движением, популярным в Европе в начале 20 века.Его начали художники и поэты из Цюриха, Швейцария, с сильными антивоенными и левыми настроениями. Движение отвергало логику и разум и вместо этого ценило иррациональность, бессмыслицу и интуицию. Марсель Дюшан был доминирующим членом дадаистского движения, известного выставкой «готовых вещей», то есть предметов, которые были куплены или найдены, а затем объявлены искусством.

Дадаисты использовали то, что было легко доступно, для создания так называемого «собрания», используя такие предметы, как фотографии, мусор, наклейки, проездные на автобус и заметки.Работа дадаистов предполагала случай, импровизацию и спонтанность для создания искусства. Они известны тем, что использовали «автоматическое письмо» или письмо потока сознания, которое часто принимало бессмысленные формы, но допускало возможность потенциально неожиданных сопоставлений и бессознательного творчества.

Сюрреализм

Сюрреалистическое движение, развившееся из дадаизма в первую очередь как политическое движение, отличалось элементом неожиданности, неожиданного сопоставления и воздействия на подсознание.Андре Бретон, важный член движения, написал сюрреалистический манифест, определив его следующим образом:

«Сюрреализм, н. Чистый психический автоматизм, с помощью которого предлагается выразить устно, письменно или любым другим способом реальное функционирование мысли. Диктовка мысли при отсутствии всякого контроля со стороны разума, вне всяких эстетических и моральных забот. «

Подобно дадаизму до него, сюрреалистическое движение подчеркивало неважность разума и планирования и вместо этого в значительной степени полагалось на случай и неожиданность как на инструмент, позволяющий использовать творческие способности бессознательного.Сюрреалисты известны тем, что изобрели рисунок «изысканного трупа» – упражнение, в котором слова и изображения совместно собираются одно за другим. Многие сюрреалистические техники, в том числе изысканный рисунок трупа, позволяли создавать игровые произведения искусства, придавая значение спонтанному производству.

Механизм Fluxus

Движение Fluxus 1960-х годов находилось под сильным влиянием дадаизма. Fluxus был международной сетью художников, которые умело сочетали воедино множество различных дисциплин и чьи работы характеризовались использованием экстремальной эстетики «сделай сам» (DIY) и в значительной степени интермедийных произведений искусства.Кроме того, Fluxus был известен своими «хэппенингами», которые представляли собой междисциплинарные мероприятия или ситуации, которые могли происходить где угодно. Участие публики было необходимо в мероприятии, и поэтому полагалось на немало сюрпризов и импровизации. Ключевые элементы событий часто планировались, но художники оставляли место для импровизации, которая стирала границу между произведением искусства и зрителем, тем самым делая аудиторию важной частью искусства.

Включение всех пяти чувств

Включение пяти человеческих чувств в одно произведение чаще всего происходит в инсталляции и перформансе.

Цели обучения

Объясните, как инсталляция и перформанс включают пять чувств зрителя.

Основные выводы

Ключевые моменты

• В современном искусстве довольно часто работа ориентирована на зрение, осязание и слух, в то время как несколько реже обращаются к запаху и вкусу.
• «Gesamtkunstwerk» или «полное произведение искусства» – это немецкое слово, обозначающее произведение искусства, которое пытается воздействовать на все пять человеческих чувств.
• Искусство инсталляции – это жанр трехмерных произведений искусства, призванный изменить восприятие зрителем пространства.
• Виртуальная реальность – это термин, относящийся к среде, смоделированной компьютером.

Ключевые термины

• событие : Спонтанное или импровизированное событие, особенно с участием аудитории.
• виртуальная реальность : компьютерная реальность.

Включение пяти человеческих чувств в одно произведение чаще всего происходит в инсталляционном и перформансном искусстве.Кроме того, работы, которые стремятся охватить все чувства одновременно, обычно используют некоторую форму интерактивности, поскольку чувство вкуса явно должно включать участие зрителя. Исторически такое внимание ко всем чувствам относилось только к ритуалам и церемониям. В современном искусстве довольно часто работа ориентирована на зрение, осязание и слух, в то время как искусство несколько реже обращается к обонянию и вкусу.

Немецкое слово «Gesamtkunstwerk», означающее «полное произведение искусства», относится к жанру произведения искусства, которое пытается воздействовать на все пять человеческих чувств.Эта концепция была выдвинута на первый план немецким оперным композитором Рихардом Вагнером в 1849 году. Вагнер поставил оперу, которая стремилась объединить формы искусства, которые, по его мнению, стали чрезмерно разрозненными. В операх Вагнера уделяется большое внимание каждой детали, чтобы добиться полного художественного погружения. «Gesamkunstwerk» в настоящее время является общепринятым английским термином, относящимся к эстетике, но произошел от определения Вагнера и означает включение пяти смыслов в искусство.

Искусство инсталляции – это жанр трехмерных произведений искусства, призванный изменить восприятие зрителем пространства. Набережная Рэйчел Уайтред является примером такого преобразования. Этот термин обычно относится к внутреннему пространству, в то время как Land Art обычно относится к открытому пространству, хотя между этими терминами есть некоторое совпадение. Движение Fluxus 1960-х годов является ключом к развитию инсталляции и перформанса как средств массовой информации.

Рэйчел Уайтред, набережная , , 2005 г. : Инсталляция Уайтреда Набережная – это искусство, призванное изменить восприятие зрителем пространства.

«Виртуальная реальность» – это термин, относящийся к среде, смоделированной компьютером. В настоящее время большинство сред виртуальной реальности представляет собой визуальный опыт, но некоторые модели включают дополнительную сенсорную информацию. Иммерсивная виртуальная реальность развивалась в последние годы с развитием технологий и все больше затрагивает пять чувств в виртуальном мире. Художники изучают возможности этих смоделированных и виртуальных реальностей с расширением дисциплины киберартов, хотя то, что составляет киберарту, продолжает оставаться предметом споров.Такие среды, как виртуальный мир Second Life, являются общепринятыми, но вопрос о том, следует ли считать видеоигры искусством, остается открытым.

Составной баланс

Композиционный баланс относится к размещению художественных элементов относительно друг друга в произведении искусства.

Цели обучения

Классификация элементов композиционного баланса в произведении искусства

Основные выводы

Ключевые моменты

• Гармоничный композиционный баланс предполагает расположение элементов таким образом, чтобы ни одна часть произведения не подавляла и не казалась тяжелее любой другой части.
• Три наиболее распространенных типа композиционного баланса – симметричный, асимметричный и радиальный.
• В сбалансированном состоянии композиция выглядит стабильной и визуально правильной. Подобно тому, как симметрия относится к эстетическим предпочтениям и отражает интуитивное ощущение того, как вещи «должны» выглядеть, общий баланс данной композиции способствует внешним суждениям о работе.

Ключевые термины

• радиальный : расположены как лучи, исходящие от общего центра или сходящиеся к нему.
• симметрия : точное соответствие по обе стороны от разделительной линии, плоскости, центра или оси. Удовлетворительное расположение сбалансированного распределения элементов целого.
• асимметрия : Отсутствие симметрии или пропорции между частями предмета, особенно двусторонняя симметрия. Отсутствие общей меры между двумя объектами или величинами; Несоизмеримость. То, что делает что-то несимметричным.

Композиционный баланс относится к размещению элементов искусства (цвета, формы, линии, формы, пространства, текстуры и стоимости) по отношению друг к другу.В сбалансированном состоянии композиция выглядит более устойчивой и визуально приятной. Подобно тому, как симметрия относится к эстетическим предпочтениям и отражает интуитивное ощущение того, как вещи «должны» выглядеть, общий баланс данной композиции способствует внешним суждениям о работе.

Создание гармоничного композиционного баланса включает в себя такую ​​аранжировку элементов, чтобы ни одна часть произведения не подавляла и не казалась тяжелее любой другой части. Три наиболее распространенных типа композиционного баланса – симметричный, асимметричный и радиальный.

Композиционные весы : Три распространенных типа весов – симметричные, асимметричные и радиальные.

Симметричный баланс является наиболее стабильным в визуальном смысле и обычно передает ощущение гармоничной или эстетически приятной пропорциональности. Когда обе стороны произведения искусства по обе стороны от горизонтальной или вертикальной оси плоскости изображения одинаковы с точки зрения ощущения, которое создается расположением элементов искусства, считается, что произведение демонстрирует этот тип баланса.Противоположностью симметрии является асимметрия.

Леонардо да Винчи, Витрувианский человек , 1487 : Леонардо да Винчи Витрувианский человек часто используется как символ симметрии человеческого тела и, в более широком смысле, естественной вселенной.

Асимметрия определяется как отсутствие или нарушение принципов симметрии. Примеры асимметрии часто встречаются в архитектуре. Хотя досовременные архитектурные стили имели тенденцию делать акцент на симметрии (за исключением тех случаев, когда экстремальные условия местности или исторические события уводят от этого классического идеала), современные и постмодернистские архитекторы часто использовали асимметрию в качестве элемента дизайна.Например, в то время как большинство мостов имеют симметричную форму из-за внутренней простоты проектирования, анализа, изготовления и экономичного использования материалов, ряд современных мостов намеренно отошли от этого, либо в ответ на соображения, связанные с конкретным местом, либо чтобы создать эффектный дизайн. .

Мост через залив Окленд : Замена восточного пролета моста Сан-Франциско-Окленд через залив отражает асимметричный архитектурный дизайн.

Радиальный баланс относится к круглым элементам в композициях.В классической геометрии радиус круга или сферы – это любой отрезок линии от центра до периметра. В более широком смысле радиус круга или сферы – это длина любого такого сегмента, составляющая половину диаметра. Радиус может быть больше половины диаметра, который обычно определяется как максимальное расстояние между любыми двумя точками фигуры. Внутренний радиус геометрической фигуры – это обычно радиус самого большого круга или сферы, содержащейся в ней. Внутренний радиус кольца, трубки или другого полого предмета – это радиус его полости.Название «радиальный» или «радиус» происходит от латинского radius , что означает «луч», а также спица колеса круговой колесницы.

Ритм

Художники используют ритм как инструмент, чтобы направлять взгляд зрителя через произведения искусства.

Цели обучения

Распознавать и интерпретировать использование ритма в произведении искусства

Основные выводы

Ключевые моменты

• Ритм в целом можно определить как «движение, отмеченное регулируемой последовательностью сильных и слабых элементов или противоположных или различных состояний» (Anon.1971).
• Ритм может также относиться к визуальному представлению как «синхронизированное движение в пространстве» (Jirousek 1995), а общий язык паттернов объединяет ритм с геометрией.
• Например, размещение красной спирали в нижнем левом и верхнем правом углу, например, заставит глаз перемещаться от одной спирали к другой и всему, что находится между ними. Он указывает на движение в произведении посредством повторения элементов и, следовательно, может сделать произведение искусства более активным.

Ключевые термины

• симметрия : точное соответствие по обе стороны от разделительной линии, плоскости, центра или оси.Удовлетворительное расположение сбалансированного распределения элементов целого.

Принципы визуального искусства – это правила, инструменты и рекомендации, которые художники используют для организации элементов в произведении искусства. Когда принципы и элементы удачно сочетаются, они помогают создать эстетически приятное или интересное произведение искусства. Хотя между ними есть некоторые вариации, движение, единство, гармония, разнообразие, баланс, ритм, акцент, контраст, пропорции и узор обычно считаются принципами искусства.

(от греческого ритм , «любое регулярное повторяющееся движение, симметрия» (Liddell and Scott 1996)) можно в целом определить как «движение, отмеченное регулируемой последовательностью сильных и слабых элементов, либо противоположных, либо различных состояний». (Анон. 1971). Это общее значение регулярной повторяемости или закономерности во времени может быть применено к широкому спектру циклических природных явлений, имеющих периодичность или частоту от микросекунд до миллионов лет. В исполнительском искусстве ритм – это хронометраж событий в человеческом масштабе, музыкальных звуков и тишины, шагов танца или метра разговорной речи и поэзии.Ритм может также относиться к визуальному представлению, как «синхронизированное движение в пространстве» (Jirousek 1995), а общий язык паттернов объединяет ритм с геометрией.

В визуальной композиции узор и ритм обычно выражаются согласованностью цветов или линий. Например, размещение красной спирали слева внизу и справа вверху заставит глаз перемещаться от одной спирали к другой, а затем к промежутку между ними. Повторение элементов создает движение глаза зрителя и, следовательно, может сделать произведение активным.Картина Хильмы аф Клинт Svanen (Лебедь) иллюстрирует визуальное представление ритма с использованием цвета и симметрии.

Хильма аф Клинт, Сванен (Лебедь) , 1914 : Цвет и симметрия работают вместе в этой картине, чтобы направлять взгляд зрителя в определенном визуальном ритме.

Пропорции и масштаб

Пропорция – это мера размера и количества элементов в композиции.

Цели обучения

Применение концепции пропорции к различным произведениям искусства

Основные выводы

Ключевые моменты

• Иерархическая пропорция – это техника, используемая в искусстве, в основном в скульптуре и живописи, в которой художник использует неестественные пропорции или масштаб, чтобы показать относительную важность фигур в произведении искусства.
• Математически пропорция – это отношение между элементами и целым. В архитектуре целое – это не просто здание, а обстановка и обстановка участка.
• Среди различных древних художественных традиций гармоничные пропорции, человеческие пропорции, космические ориентации, различные аспекты сакральной геометрии и малые целочисленные отношения применялись как часть практики архитектурного дизайна.

Ключевые термины

• золотое сечение : Иррациональное число (приблизительно 1 · 618), обычно обозначаемое греческой буквой φ (фи), которое равно сумме собственной обратной величины и 1, или, что то же самое, такое, что отношение 1 к числу равно отношению его обратной единицы к 1.Некоторые художники и архитекторы двадцатого века составили пропорции своих работ, чтобы приблизиться к этому, особенно в форме золотого прямоугольника, в котором отношение длинной стороны к короткой равно этому числу, полагая, что эта пропорция эстетически приятна.

Пропорция – это мера размера и количества элементов в композиции. Иерархическая пропорция – это техника, используемая в искусстве, в основном в скульптуре и живописи, в которой художник использует неестественные пропорции или масштаб, чтобы показать относительную важность фигур в произведении искусства.Например, в древнеегипетском искусстве боги и важные политические фигуры кажутся намного крупнее обычных людей. Начиная с эпохи Возрождения, художники осознали связь между пропорцией и перспективой и иллюзией трехмерного пространства. Изображения человеческого тела в преувеличенных пропорциях использовались для изображения реальности, которую интерпретировал художник.

Изображение Нармера из палитры Нармера : Нармер, додинастический правитель, в сопровождении людей, несущих знамена различных местных богов.Это произведение демонстрирует использование пропорций древними египтянами, при этом Нармер кажется больше, чем другие изображенные фигуры.

Математически пропорция – это отношение между элементами и целым. В архитектуре целое – это не просто здание, а обстановка и обстановка участка. Вещи, которые делают здание и его участок «правильным», включают все, от ориентации участка и построек на нем до особенностей территории, на которой оно расположено. Свет, тень, ветер, высота и выбор материалов относятся к стандарту архитектурных пропорций.

Архитектура часто использовала пропорциональные системы для создания или ограничения форм, которые считались подходящими для включения в здание. Практически в каждой строительной традиции существует система математических отношений, которая регулирует отношения между аспектами дизайна. Эти системы пропорций часто довольно просты: целочисленные отношения или несоизмеримые отношения (например, золотое сечение) определялись с использованием геометрических методов. Как правило, цель пропорциональной системы – создать ощущение согласованности и гармонии между элементами здания.

Среди различных древних художественных традиций гармонические пропорции, человеческие пропорции, космические ориентации, различные аспекты сакральной геометрии и малые целочисленные отношения применялись как часть практики архитектурного дизайна. Например, все греческие классические архитектурные порядки являются пропорциональными, а не размерными или измеренными модулями, потому что самые ранние модули основывались не на частях тела и их размахе (пальцы, ладони, кисти и ступни), а на диаметрах колонн и ширине. аркад и окон.

Храм Портана : Греческий храм Портана – образец классической греческой архитектуры с четырехстильным портиком из четырех ионических колонн.

Как правило, один набор модулей диаметра колонн, используемых египтянами и римлянами для корпусных и архитектурных карнизов, основан на пропорциях ладони и пальца, в то время как другой, менее тонкий модуль – используется для отделки дверей и окон, плитки и кровли. в Месопотамии и Греции – на основе пропорций кисти и большого пальца.

Еще у пифагорейцев была идея, что пропорции должны быть связаны со стандартами и что чем более общие и шаблонные стандарты, тем лучше. Эта концепция – красота и элегантность, подтверждаемые умелым составом хорошо понятных элементов – лежит в основе математики, искусства и архитектуры. Классические стандарты представляют собой серию парных противоположностей, призванных расширить размерные ограничения гармонии и пропорции.

Космос

Пространство в искусстве можно определить как область, которая существует между двумя идентифицируемыми точками.

Цели обучения

Определите пространство в искусстве и перечислите способы его использования художниками

Основные выводы

Ключевые моменты

• Организация пространства называется композицией и является неотъемлемой частью любого произведения искусства.
• Пространство художественного произведения включает фон, передний план и средний план, а также расстояние между предметами, вокруг них и внутри них.
• Есть два типа пространства: положительное пространство и отрицательное пространство.
• После сотен лет разработки линейной перспективы западные художественные представления о точном изображении пространства претерпели радикальные изменения в начале 20 века.
• Кубизм и последующие модернистские движения представляют собой важный сдвиг в использовании пространства в западном искусстве, который все еще ощущается сегодня.

Ключевые термины

• пробел : расстояние или пустое пространство между объектами.
• Кубизм : Художественное направление начала 20 века, характеризующееся изображением естественных форм как геометрических структур плоскостей.

Организация пространства в искусстве называется композицией и является важным компонентом любого произведения искусства. Пространство в целом можно определить как область, которая существует между любыми двумя идентифицируемыми точками.

Пространство воспринимается по-разному в каждой среде. Пространство в картине, например, включает фон, передний план и средний план, в то время как трехмерное пространство, такое как скульптура или инсталляция, будет включать расстояние между точками произведения, вокруг и внутри него.Далее пространство подразделяется на положительное и отрицательное. «Позитивное пространство» можно определить как предмет художественного произведения, а «отрицательное пространство» можно определить как пространство вокруг предмета.

На протяжении веков пространство создавалось по-разному. Художники много времени уделяли экспериментам с перспективой и степенью плоскостности живописной плоскости.

Перспективная система широко используется в западном искусстве. Визуально это иллюзионистский феномен, хорошо подходящий для реализма и изображения реальности такой, какой она есть.Потратив сотни лет на разработку линейной перспективы, западные художественные представления о точном изображении пространства претерпели радикальные изменения в начале 20-го века. Нововведения кубизма и последующих модернистских движений представляют собой важный сдвиг в использовании пространства в западном искусстве, влияние которого ощущается до сих пор.

Пабло Пикассо, Les Demoiselles d’Avignon , 1907 : Les Demoiselles d’Avignon – образец искусства кубизма, которое имеет тенденцию сглаживать плоскость изображения, а использование абстрактных форм и неправильных форм предполагает несколько точек зрения на одном изображении.

Двумерное пространство

Двумерное или двумерное пространство – это геометрическая модель плоской проекции физической вселенной, в которой мы живем.

Цели обучения

Обсудить двумерное пространство в искусстве и физические свойства, на которых оно основано

Основные выводы

Ключевые моменты

• С физической точки зрения, измерение относится к составной структуре всего пространства и его положению во времени.
• Рисование – это форма визуального искусства, в которой используется любое количество инструментов для обозначения двухмерного носителя.
• Практически любую размерную форму можно представить в виде некоторой комбинации куба, сферы, цилиндра и конуса. После того, как эти основные формы собраны в подобие, рисунок может быть улучшен до более точной и отшлифованной формы.

Ключевые термины

• измерение : Отдельный аспект данной вещи. Мера пространственной протяженности в определенном направлении, например высота, ширина или ширина или глубина.
• Двумерный : Существуют в двух измерениях.Не создает иллюзии глубины.
• Planar : относится к самолету или относится к нему. Плоский, двухмерный.

Двумерное или двумерное пространство – это геометрическая модель плоской проекции физической вселенной, в которой мы живем. Эти два измерения обычно называют длиной и шириной. Оба направления лежат в одной плоскости. В физике наше двумерное пространство рассматривается как плоское представление пространства, в котором мы движемся.

Математическое изображение двумерного пространства : Двумерная декартова система координат.

В художественной композиции рисунок – это форма визуального искусства, в которой используется любое количество инструментов для рисования для обозначения двухмерной среды (что означает, что объект не имеет глубины). Одно из самых простых и эффективных средств передачи визуальных идей, среда была популярным и фундаментальным средством публичного выражения на протяжении всей истории человечества. Кроме того, относительная доступность основных инструментов для рисования делает рисование более универсальным, чем большинство других средств массовой информации.

Измерение размеров объекта при блокировке на чертеже – важный шаг в создании реалистичного изображения объекта.Для измерения углов разных сторон можно использовать такие инструменты, как компас. Эти углы можно воспроизвести на поверхности чертежа, а затем перепроверить, чтобы убедиться, что они точны. Другой способ измерения – это сравнение относительных размеров различных частей объекта друг с другом. Палец, помещенный в точку вдоль инструмента для рисования, можно использовать для сравнения этого размера с другими частями изображения. Линейку можно использовать как линейку, так и как устройство для вычисления пропорций. При попытке нарисовать сложную форму, такую ​​как фигура человека, полезно сначала представить форму с помощью набора примитивных форм.

Практически любую размерную форму можно представить в виде некоторой комбинации куба, сферы, цилиндра и конуса. После того, как эти основные формы собраны в подобие, рисунок может быть улучшен до более точной и отшлифованной формы. Линии примитивных форм удаляются и заменяются окончательным подобием. Более изысканное искусство рисования фигур зависит от художника, обладающего глубоким пониманием анатомии и человеческих пропорций. Опытный художник знаком со структурой скелета, расположением суставов, размещением мышц, движением сухожилий и тем, как различные части работают вместе во время движения.Это позволяет художнику создавать более естественные позы, которые не кажутся искусственно жесткими. Художник также знаком с тем, как меняются пропорции в зависимости от возраста объекта, особенно при рисовании портрета.

Рисование человеческих фигур : «Мадам Пальмира с собакой» Анри де Тулуз-Лотрека , 1897.

Линейная перспектива и трехмерное пространство

Перспектива – это приблизительное представление на плоской поверхности изображения, видимого глазом.

Цели обучения

Объясните перспективу и ее влияние на художественную композицию

Основные выводы

Ключевые моменты

• Считается, что систематические попытки разработать систему перспективы начались примерно в V веке до нашей эры. в искусстве Древней Греции.
• Самые ранние художественные картины и рисунки обычно имели размеры объектов и персонажей иерархически в соответствии с их духовной или тематической важностью, а не их расстоянием от зрителя.
• В средневековой Европе использование и изощренность попыток передать расстояние неуклонно росли, но без систематической теории.
• В эпоху Возрождения почти каждый художник в Италии использовал геометрическую перспективу в своих картинах, как для изображения глубины, так и в качестве нового и «актуального» композиционного метода.

Ключевые термины

• криволинейный : имеющий изгибы; изогнутый; образованы изогнутыми линиями.
• линия горизонта : горизонтальная линия на перспективном рисунке, расположенная прямо напротив глаза зрителя и часто подразумеваемая, которая представляет объекты бесконечно далекие и определяет угол или перспективу, с которой зритель видит произведение.
• точка схода : точка на перспективном чертеже, в которой параллельные линии, удаляющиеся от наблюдателя, кажутся сходящимися.
• Перспектива : Техника представления трехмерных объектов на двумерной поверхности.

В искусстве перспектива – это приблизительное представление на плоской поверхности изображения, видимого глазом, вычисленное с учетом конкретной точки схода. Обычно считается, что систематические попытки разработать систему перспективы в искусстве Древней Греции начались примерно в V веке до нашей эры.В более поздние периоды античности художники – особенно представители менее популярных традиций – были хорошо осведомлены о том, что далекие объекты можно показывать меньше, чем те, которые находятся под рукой, для усиления иллюзионизма. Но действительно ли это соглашение использовалось в работе, зависело от многих факторов. Некоторые из картин, найденных в руинах Помпеи, демонстрируют замечательный для своего времени реализм и перспективу.

Самые ранние художественные картины и рисунки обычно имели размеры объектов и персонажей иерархически в соответствии с их духовной или тематической важностью, а не их расстоянием от зрителя.Наиболее важные фигуры часто показаны как самые высокие в композиции, также из иератических мотивов, что приводит к «вертикальной перспективе», обычной в искусстве Древнего Египта, где группа «более близких» фигур показана под большей фигурой (s ).

В искусстве Периода переселения народов не было традиции пытаться составить большое количество фигур, а искусство раннего средневековья было медленным и непоследовательным в переучивании условностей из классических моделей, хотя этот процесс можно наблюдать в искусстве Каролингов.Европейские средневековые художники знали об общем принципе изменения относительного размера элементов в зависимости от расстояния, а использование и изощренность попыток передать расстояние неуклонно увеличивались в течение периода, но без основы в систематической теории.

Однако в эпоху Возрождения почти каждый художник в Италии использовал геометрическую перспективу в своих картинах. Использование перспективы было не только способом изобразить глубину, но и новым методом создания картины.Картины стали изображать единую единую сцену, а не комбинацию нескольких. Какое-то время перспектива оставалась прерогативой Флоренции. Постепенно, отчасти благодаря движению академий искусств, итальянские техники стали частью обучения художников по всей Европе, а позже и в других частях мира.

Перспектива в живописи эпохи Возрождения : Использование перспективы Пьетро Перуджино на этой фреске в Сикстинской капелле (1481–1482 гг.) Помогло принести в Рим эпоху Возрождения.

Чертеж имеет одноточечную перспективу, если он содержит только одну точку схода на линии горизонта. Этот тип перспективы обычно используется для изображений дорог, железнодорожных путей, коридоров или зданий, просматриваемых так, чтобы передняя часть смотрела прямо на зрителя. Любые объекты, состоящие из линий, либо непосредственно параллельных линии взгляда зрителя, либо перпендикулярных прямой (железнодорожные рейки), могут быть представлены в одноточечной перспективе. Эти параллельные линии сходятся в точке схода.

Двухточечная перспектива может использоваться для рисования тех же объектов, что и одноточечная перспектива, но с поворотом – например, если смотреть на угол дома или смотреть на две раздвоенные дороги, уходящие вдаль. Например, если смотреть на дом из угла, одна стена отступит к одной точке схода, а другая стена отступит к противоположной точке схода.

Трехточечная перспектива используется для зданий, изображенных сверху или снизу. В дополнение к двум предыдущим точкам схода, по одной для каждой стены, теперь есть третья, указывающая, как эти стены уходят в землю.Эта третья точка схода будет под землей.

Четырехточечная перспектива – криволинейный вариант двухточечной перспективы. Получившийся удлиненный каркас можно использовать как по горизонтали, так и по вертикали. Как и все другие варианты перспективы в ракурсе, четырехточечная перспектива начинается с линии горизонта, за которой следуют четыре равноотстоящих точки схода, очерчивающие четыре вертикальные линии. Поскольку точки схода существуют только тогда, когда в сцене присутствуют параллельные линии, перспектива без точек схода («нулевая точка») возникает, если зритель наблюдает непрямолинейную сцену.Наиболее распространенный пример нелинейной сцены – это естественная сцена (например, горный хребет), которая часто не содержит параллельных линий. Перспектива без точек схода может создать ощущение глубины.

Искажения пространства и ракурса

Искажение используется для создания различных изображений пространства в двумерных произведениях искусства.

Цели обучения

Определите, как искажение используется и как избегается в произведениях искусства

Основные выводы

Ключевые моменты

• Искажение проекции перспективы – это неизбежное искажение трехмерного пространства при его рисовании или «проецировании» на двумерную поверхность.Невозможно точно изобразить трехмерную реальность на двухмерной плоскости.
• Однако есть несколько доступных конструкций, которые позволяют, казалось бы, точное представление. Перспективную проекцию можно использовать для отражения того, как видит глаз, с помощью одной или нескольких точек схода.
• Хотя искажения могут быть нерегулярными или следовать многим узорам, наиболее часто встречающиеся искажения в композиции, особенно в фотографии, являются радиально-симметричными или примерно таковыми, возникающими из-за симметрии фотографического объектива.

Ключевые термины

• радиальный : расположены как лучи, исходящие из общего центра или сходящиеся к нему
• проекция : изображение, которое полупрозрачный объект отбрасывает на другой объект.
• ракурс : метод создания внешнего вида, что объект рисунка расширяется в пространство, путем укорачивания линий, с помощью которых рисуется этот объект.

Искажение – это изменение исходной формы (или другой характеристики) объекта, изображения, звука или другой формы информации или представления.Художник может хотеть или нежелать искажение. Искажения обычно нежелательны, когда речь идет о физической деградации произведения. Однако его чаще называют перспективой, где он используется для создания реалистичных представлений пространства в двумерных произведениях искусства.

Искажение при перспективной проекции

Искажение проекции перспективы – это неизбежное искажение трехмерного пространства при его рисовании или «проецировании» на двухмерную поверхность.Невозможно точно изобразить трехмерную реальность на двухмерной плоскости. Однако есть несколько доступных конструкций, которые позволяют, казалось бы, точное представление. Самый распространенный из них – перспективная проекция. Перспективную проекцию можно использовать для отражения того, как видит глаз, используя одну или несколько точек схода.

Джотто, Оплакивание (Оплакивание Христа) , 1305–1306 : Джотто – один из самых известных художников эпохи до Возрождения, который распознавал искажения в двухмерных плоскостях.

ракурс

Ракурс – это визуальный эффект или оптическая иллюзия, при которой объект или расстояние кажутся короче, чем они есть на самом деле, потому что они расположены под углом к ​​зрителю. Хотя ракурс является важным элементом в искусстве, где изображается визуальная перспектива, ракурс встречается в других типах двумерных представлений трехмерных сцен, таких как наклонные параллельные проекционные рисунки.

Физиологическая основа зрительного ракурса не была определена до 1000 года, когда арабский математик и философ Альхазен в своей книге Perspectiva впервые объяснил, что свет конусно проецируется в глаз.Метод для систематического изображения укороченной геометрии на плоской поверхности был неизвестен в течение следующих 300 лет. Художник Джотто, возможно, был первым, кто осознал, что изображение, видимое глазом, искажено: глазу параллельные линии кажутся пересекающимися (как далекие края тропинки или дороги), тогда как в «неискаженной» природе они пересекаются. нет. Во многих картинах Джотто перспектива используется для достижения различных эффектов искажения.

Ракурс : Эта картина иллюстрирует использование Мелоццо да Форли ракурса вверх в своих фресках в Базилике делла Санта-Каса.

Искажение в фотографии

В фотографии механизм проецирования – это свет, отраженный от объекта. Чтобы выполнить рисунок с использованием перспективной проекции, проекторы исходят из всех точек объекта и пересекаются в точке станции. Эти проекторы пересекаются с воображаемой плоскостью проекции, и изображение создается на плоскости по точкам пересечения. Результирующее изображение на плоскости проекции воспроизводит изображение объекта, наблюдаемое с точки станции.

Радиальное искажение обычно можно разделить на два основных типа: бочкообразное искажение и подушкообразное искажение. Бочкообразное искажение возникает, когда увеличение изображения уменьшается по мере удаления от оптической оси. Кажущийся эффект – это эффект изображения, нанесенного на сферу (или бочку). Линзы “рыбий глаз”, которые принимают полусферические виды, используют этот тип искажения как способ сопоставить бесконечно широкую плоскость объекта с конечной областью изображения.

С другой стороны, при подушкообразном искажении увеличение изображения увеличивается с удалением от оптической оси.Видимый эффект заключается в том, что линии, которые не проходят через центр изображения, изгибаются внутрь, к центру изображения, как подушечка для иголок. Определенное количество подушкообразных искажений часто обнаруживается с помощью визуальных оптических инструментов (например, биноклей), где они служат для устранения эффекта глобуса.

Цилиндрическая перспектива – это форма искажения, вызванная «рыбьим глазом» и панорамными линзами, которые воспроизводят прямые горизонтальные линии выше и ниже уровня оси линзы как изогнутые, а прямые горизонтальные линии на уровне оси линзы как прямые.